Brani musicali di Arnold Schoenberg. Arnold Schönberg

La nuova musica ha preso il sopravvento su tutta l'oscurità e la colpa del mondo. Tutta la sua felicità sta nel conoscere l'infelicità; tutta la sua bellezza è rinunciare all'apparenza della bellezza.
T. Adorno

A. Schoenberg è entrato nella storia della musica del XX secolo. come il creatore del sistema di composizione dodecafonico. Ma il significato e la portata delle attività del maestro austriaco non si limitano a questo fatto. Schoenberg era una persona dai molti talenti. Era un insegnante brillante che ha allevato un'intera galassia di musicisti moderni, inclusi maestri famosi come A. Webern e A. Berg (insieme al loro insegnante, hanno formato la cosiddetta scuola di Novovensk). Era un pittore interessante, amico di O. Kokoschka; i suoi dipinti sono apparsi ripetutamente in mostre e stampati in riproduzioni sulla rivista di Monaco "Blue Horseman" insieme alle opere di P. Cezanne, A. Matisse, V. Van Gogh, B. Kandinsky, P. Picasso. Schoenberg è stato uno scrittore, poeta e prosatore, autore dei testi di molte sue opere. Ma soprattutto è stato un compositore che ha lasciato un'eredità significativa, un compositore che ha attraversato un percorso molto difficile, ma onesto e senza compromessi.

Il lavoro di Schoenberg è strettamente legato all'espressionismo musicale. È segnato dall'intensità delle emozioni e dall'acutezza della reazione al mondo che li circonda che ha caratterizzato molti artisti contemporanei che hanno creato in un'atmosfera di ansia, attesa e il compimento di terribili cataclismi sociali (Schönberg era unito a loro da una vita comune destino - vagabondaggio, disordine, prospettiva di vivere e morire lontano dalla patria). Forse l'analogia più vicina alla personalità di Schoenberg è il connazionale e contemporaneo del compositore, lo scrittore austriaco F. Kafka. Proprio come nei romanzi e nei racconti di Kafka, nella musica di Schoenberg, un'acuta percezione della vita a volte si condensa in febbrili ossessioni, testi sofisticati rasentano il grottesco, trasformandosi in un incubo spirituale nella realtà.

Creando la sua arte difficile e profondamente dolorosa, Schoenberg era fermo nelle sue convinzioni al fanatismo. Per tutta la vita ha seguito il percorso della più grande resistenza, combattendo il ridicolo, il bullismo, l'incomprensione sorda, gli insulti duraturi, il bisogno amaro. "Nel 1908 Vienna - la città delle operette, dei classici e del pomposo romanticismo - Schoenberg nuotò contro corrente", - scrisse G. Eisler. Non era un conflitto ordinario tra un artista innovativo e l'ambiente filisteo. Non basta dire che Schönberg era un innovatore che si era imposto di dire nell'arte solo ciò che non era stato detto prima di lui. Secondo alcuni ricercatori del suo lavoro, il nuovo è apparso qui in una versione estremamente specifica, condensata, sotto forma di una sorta di essenza. L'impressionabilità troppo concentrata, che richiede all'ascoltatore una qualità adeguata, spiega la particolare difficoltà di percezione della musica di Schönberg: anche sullo sfondo dei suoi contemporanei radicali, Schoenberg è il compositore più “difficile”. Ma ciò non nega il valore della sua arte, soggettivamente onesta e seria, ribelle al volgare suono dolce e al leggero orpello.

Schoenberg ha unito la capacità di sentimenti forti con un intelletto spietato e disciplinato. Deve questa combinazione a una svolta. pietre miliari percorso di vita del compositore riflettono un impegno coerente dalle tradizionali espressioni romantiche nello spirito di R. Wagner (composizioni strumentali "La notte illuminata", "Pelléas e Melisande", la cantata "Songs of Gurre") a un nuovo metodo creativo rigorosamente verificato. Tuttavia, il pedigree romantico di Schoenberg si fece sentire anche in seguito, dando impulso a una maggiore eccitazione, all'espressività ipertrofica delle sue opere a cavallo del 1900-10. Tale è, ad esempio, il monodramma "Waiting" (1909, un monologo di una donna che è venuta nella foresta per un appuntamento con il suo amante e lo ha trovato morto).

Il culto post-romantico della maschera, raffinata affettazione nello stile del "cabaret tragico" si fanno sentire nel melodramma "Pierrot Moonlight" (1912) per voce femminile e ensemble strumentale. In questo lavoro, Schönberg ha incarnato per la prima volta il principio del cosiddetto canto vocale (Sprechgesang): sebbene la parte solista sia fissata nella partitura da note, la sua scala del tono è approssimativa, come nella declamazione. Sia "Waiting" che "Pierrot of the Moon" sono scritti in maniera atonale, corrispondente a un nuovo, straordinario cast di immagini. Ma anche la differenza tra le opere è significativa: l'orchestra-ensemble con i suoi colori scarsi, ma differenziatamente espressivi, attira ora il compositore più della composizione orchestrale completa di tipo tardo romantico.

Tuttavia, il passo successivo e decisivo sulla via della scrittura strettamente economica fu la creazione di un sistema di composizione dodecafonico (dodecafonico). Le opere strumentali di Schoenberg degli anni '20 e '40, come Suite per pianoforte, Variazioni per orchestra, Concerti, Quartetti per archi, si basano su una serie di 12 suoni non ricorrenti, ripresi in quattro versioni principali (tecnica che risale all'antica variazione polifonica).

Il metodo di composizione dodecafonico ha guadagnato molti ammiratori. La risonanza dell'invenzione di Schoenberg nel mondo culturale è stata evidenziata dalla sua “citazione” da parte di T. Mann nel romanzo “Doctor Faustus”; parla anche del pericolo di "freddezza intellettuale" che incombe sul compositore che utilizza un simile stile di creatività. Questo metodo non è diventato universale e autosufficiente, nemmeno per il suo creatore. Più precisamente, era tale solo nella misura in cui non interferiva con la manifestazione dell'intuizione naturale del maestro e dell'esperienza musicale e uditiva da lui accumulata, comportando talvolta - nonostante tutte le "teorie dell'elusione" - diverse associazioni con la musica tonale. La separazione del compositore dalla tradizione tonale non fu affatto irrevocabile: la ben nota massima del "futuro" Schoenberg che molto di più si può dire in do maggiore lo conferma pienamente. Immerso nei problemi della tecnica compositiva, Schoenberg era allo stesso tempo lontano dall'isolamento della poltrona.

Gli eventi della seconda guerra mondiale - la sofferenza e la morte di milioni di persone, l'odio dei popoli per il fascismo - vi risuonarono con progetti compositivi molto significativi. Così, "Ode to Napoleon" (1942, alla stazione di J. Byron) è un pamphlet rabbioso contro il potere tirannico, l'opera è piena di sarcasmo omicida. Il testo della cantata Survivor of Warsaw (1947), forse l'opera più famosa di Schoenberg, riproduce la storia vera di uno dei pochi sopravvissuti alla tragedia del ghetto di Varsavia. L'opera trasmette l'orrore e la disperazione degli ultimi giorni dei prigionieri del ghetto, concludendosi con un'antica preghiera. Entrambe le opere sono brillantemente pubblicitarie e sono percepite come documenti dell'epoca. Ma l'acutezza pubblicitaria dell'affermazione non ha oscurato la naturale inclinazione del compositore a filosofare, al problema del suono sopratemporale, che ha sviluppato con l'aiuto di trame mitologiche. L'interesse per la poetica e il simbolismo del mito biblico si manifesta già negli anni '30, in connessione con il progetto dell'oratorio "La scala di Giacobbe".

Allo stesso tempo, Schoenberg iniziò a lavorare su un'opera ancora più monumentale, alla quale dedicò tutto l'anno scorso sua vita (senza però completarla). è sull'opera "Mosè e Aronne". La base mitologica per il compositore è servita solo come pretesto per riflessioni su temi di attualità del nostro tempo. Il motivo principale di questo "dramma delle idee" è l'individuo e il popolo, l'idea e la sua percezione da parte delle masse. Il continuo duello verbale di Mosè e Aronne raffigurato nell'opera è un eterno conflitto tra un "pensatore" e un "facitore", tra un profeta-cercatore di verità che cerca di far uscire il suo popolo dalla schiavitù, e un oratore-demagogo che, nel suo tentativo di rendere un'idea figurativamente visibile e accessibile di fatto la tradisce (il crollo dell'idea è accompagnato da un dilagare di forze elementari, con sorprendente luminosità incarnata dall'autore nell'orgiastica "Danza del vitello d'oro"). L'inconciliabilità delle posizioni degli eroi è sottolineata musicalmente: la bella parte operistica di Aaron contrasta con la parte ascetica declamatoria di Moses, estranea al canto lirico tradizionale. L'inizio oratorio è ampiamente rappresentato nell'opera. Gli episodi corali dell'opera, con la loro monumentale grafica polifonica, risalgono alla Passione di Bach. Qui si rivela il profondo legame di Schoenberg con la tradizione della musica austro-tedesca. Questa connessione, così come l'eredità di Schönberg esperienza spirituale La cultura europea nel suo insieme si profila nel tempo sempre più chiaramente. Ecco la fonte di una valutazione oggettiva dell'opera di Schönberg e la speranza che l'arte "difficile" del compositore trovi accesso al pubblico più vasto possibile.

Arnold Schoenberg, il cui lavoro può essere brevemente descritto come innovativo, ha vissuto una vita interessante ed è entrato nella storia della musica mondiale come un rivoluzionario che ha rivoluzionato la composizione, ha creato la sua scuola di musica, ha lasciato un'eredità interessante e un'intera galassia di studenti. Arnold Schoenberg è uno dei più importanti compositori del XX secolo.

Infanzia e famiglia

Il 13 settembre 1874 nacque a Vienna Arnold Schoenberg, la cui biografia sarà difficile, ma sempre associata alla musica. La famiglia Schoenberg viveva nel ghetto ebraico. Il padre - Samuel Schoenberg - era di Presburg, aveva il suo piccolo negozio di scarpe. Madre - Paulina Nachod - originaria di Praga, era un'insegnante di pianoforte. Arnold ha avuto un'infanzia normale, nulla ha prefigurato il suo grande futuro.

Trovare una chiamata

Fin dalla tenera età, sua madre ha iniziato a insegnare musica ad Arnold, ha mostrato una promessa. Ma la famiglia non aveva i fondi per continuare gli studi. Ha compreso in modo indipendente la scienza della composizione. Diverse lezioni sul contrappunto gli furono date da suo cognato, il famoso compositore e direttore d'orchestra austriaco, a cui sposò la sorella di Schoenberg, Matilda, Alexander von Zemlinsky. I musicisti sono diventati molto amichevoli, hanno avuto la stessa mentalità per tutta la vita e spesso si sono aiutati a vicenda con consigli, hanno discusso sull'arte. Fu Zemlinsky a raccomandare fortemente al suo collega di diventare un compositore di musica professionista. Il futuro compositore Arnold Schoenberg è già in adolescenza Era profondamente consapevole della sua vocazione e, sebbene le circostanze non fossero a suo favore, dedicò tutto il suo tempo libero alla musica.

L'inizio del percorso professionale

La famiglia non viveva bene e quando suo padre morì, Arnold aveva 15 anni all'epoca, e divenne molto difficile. Il giovane ha dovuto accettare qualsiasi lavoro. Arnold Schoenberg ha lavorato come impiegato di banca, venditore ambulante di acquisti, diretto cori di lavoro, ha scritto orchestrazioni per operette. Ma non ha rinunciato alle sue lezioni di musica, nel suo tempo libero ha scritto le sue opere. Già nel 1898 le opere teatrali di Schoenberg furono rappresentate per la prima volta a Vienna. Nel 1901 partì per Berlino, dove ottenne lezioni di musica; insegnò persino un corso di composizione al Conservatorio Stern.

In quel momento incontrò Gustav Mahler, che ebbe un impatto significativo sulla visione del mondo di Schoenberg. Nel 1903 tornò a Vienna e iniziò a lavorare in una scuola di musica. Allo stesso tempo, riesce a scrivere musica, durante questo periodo è stato sostenuto nelle tradizioni della scuola di composizione tedesca della fine del XIX secolo. Le opere più significative di questa fase sono state: il sestetto per archi "La notte illuminata", la poesia "Pelléas e Melisande" (1902-1903), la cantata "Songs of Gurre" (1900-1911). Arnold Schoenberg si distinse per la sua grande capacità di lavoro, già all'inizio del suo viaggio insegnava, scriveva musica e teneva concerti contemporaneamente.

Biografia e musica

Nell'opera del compositore Schoenberg si distinguono tre periodi: tonale (dal 1898 al 1908), atonale (1909-1922) e dodecafonico (dal 1923). L'evoluzione del musicista è legata alla sua ricerca di un nuovo percorso e di una nuova espressività. Il suo destino è legato prima all'espressionismo, sulla base del quale in seguito fa le sue scoperte rivoluzionarie. Fino al 1907, Schoenberg si spostò nella direzione tradizionale della musica classica. Ma quest'anno c'è un cambiamento radicale nella sua visione del mondo artistico, pensa molto alla musica, scrive un lavoro teorico. C'è una complicazione del suo linguaggio musicale, un aumento della brama di dissonanza, ma finora l'armonia tradizionale è preservata.

E nel 1909 inizia un nuovo ciclo della sua vita. Nel 1911, Arnold Schoenberg, la cui biografia sta guadagnando slancio nel mondo della musica, si recò di nuovo a Berlino, dove fece un tour come direttore per 4 anni. A quel tempo era già un musicista noto in Europa. Nel 1915, il compositore fu arruolato nell'esercito per due anni. Questo periodo atonale è caratterizzato dal rifiuto del centro tonale dell'opera, Schoenberg cerca di applicare ugualmente i 12 toni della scala cromatica. Nel 1923 ricevette il titolo di professore di musica e un invito a lavorare alla Berlin School of Music. Quando i nazisti salirono al potere nel 1933, Schoenberg fu licenziato dal conservatorio e, temendo ulteriori persecuzioni come rappresentante della nazione ebraica, emigrò. Prima è andato in Francia e poi negli Stati Uniti.

Il terzo periodo del lavoro del compositore fu segnato dalle sue principali scoperte. Comincia a gravitare verso l'organizzazione razionale della fila musicale, le composizioni sono costruite di dodici toni che non si ripetono in una fila. Ecco come appare la musica dodecafonica. Un'epoca piena di cambiamenti, così come le sue esperienze soggettive ed emotive, si riflettevano pienamente nel lavoro di Shengberg.

Teoria musicale

Il compositore ha sempre cercato di controllare le forme ei mezzi espressivi della sua musica, che il più delle volte arrivano inconsciamente. Pertanto, tutte le sue esperienze e riflessioni fondamentali sono state esposte in seri lavori scientifici. Nel 1911, Arnold Schoenberg scrisse il suo primo grande lavoro teorico, La dottrina dell'armonia. Già in esso, ha delineato le sue idee sull'armonia tonale, che sono state le principali per lui per tutta la vita. Questo libro è diventato l'unico lavoro completamente completato del compositore. Successivamente, iniziò a scrivere diverse opere contemporaneamente, correggendole e completandole costantemente, durante la sua vita non furono pubblicate.

Solo nel 1994 sono state pubblicate opere, riunite in un volume - "Interconnessione, contrappunto, strumentazione, insegnamento della forma". Queste riflessioni sulla logica e il pensiero musicale, l'orchestrazione, gli esercizi preparatori di contrappunto e composizione non sono stati completati dall'autore, ma mostrano la direzione in cui è andata la sua ricerca. I "Fondamenti di composizione musicale" sono stati pubblicati alla fine del XX secolo dagli studenti del master. Arnold Schoenberg ha dato un contributo significativo alla teoria della musica, ha potuto vedere l'evoluzione del pensiero musicale e anticiparne lo sviluppo negli anni a venire. Nei suoi scritti, Schoenberg riflette sull'integrità dell'opera, sullo sviluppo del pensiero musicale e arriva all'idea di monotonia.

Attività pedagogiche

Il compositore è stato impegnato nell'insegnamento per tutta la vita - prima a scuola, poi al conservatorio di Berlino. In esilio, ha lavorato presso le università di Boston, nel sud della California, a Los Angeles, insegnando teoria musicale e composizione. Arnold Schoenberg creò un'intera scuola di compositori, che fu chiamata "Nuova Scuola di Vienna". Ha allevato gli studenti nello spirito di servire la musica, non ha consigliato loro categoricamente di seguire il suo esempio, ma di cercare solo nell'arte la propria strada. A. Berg e A. Webern sono considerati i suoi migliori allievi, che fino alla fine dei loro giorni sono rimasti fedeli alle sue idee e sono cresciuti come compositori indipendenti degni del loro maestro. Schoenberg ha insegnato tutte le materie musicali, Attenzione speciale dando la polifonia, che considerava la base dell'abilità. Il compositore ha continuato a comunicare da vicino con i suoi studenti e, dopo la laurea, è stato per loro un'autorità indiscutibile. Questo è ciò che gli ha permesso di formare un'intera galassia di persone che la pensano allo stesso modo.

Dodecafonia di Arnold Schoenberg

Arnold Schönberg, breve biografia che può essere descritto in una parola "dodecafonia", è diventato un ideologo e promotore di una nuova direzione nella musica. Nella sua ricerca della scrittura musicale più economica, il compositore arriva all'idea di un sistema di composizione a 12 toni. Questa scoperta costringe il compositore ad imparare a ricomporre musica, sperimenta molto con la forma, cerca nuove possibilità nel suo metodo sonoro-frequenza.

Sperimenta le basi della nuova tecnica su brani pianistici, di cui scrive molto. Successivamente è passato alla creazione di grandi pezzi (suite, quartetti, orchestre) in un nuovo stile. Le sue scoperte hanno influenzato notevolmente lo sviluppo della musica nel XX secolo. Le sue idee, che non sviluppò completamente, furono raccolte dai suoi seguaci, sviluppate, portate alla perfezione, a volte all'esaurimento. Il suo contributo alla musica si è manifestato nel desiderio di snellire la forma musicale.

Scritti importanti

Arnold Schoenberg ha lasciato un'enorme eredità musicale. Ma la sua opera più importante è l'opera incompiuta "Moses and Aaron", il cui concetto è apparso negli anni '20 e ha incarnato l'intera evoluzione e ricerca del compositore. Nell'opera, Schoenberg ha incarnato la sua intera visione filosofica del mondo, tutta la sua anima. Altre opere significative del compositore includono: "Sinfonia da camera", op. 9, opera La mano felice, 5 pezzi per pianoforte, op. 23, "Ode a Napoleone".

Vita privata

Arnold Schoenberg, la cui foto può essere vista oggi in tutti i libri di testo sulla storia della musica, ha vissuto una vita ricca. Oltre alla musica, ha fatto molta pittura, le sue opere sono state esposte nelle principali gallerie d'Europa. Era amico di Kokoschka, Kandinsky, era membro dell'Accademia delle arti prussiana. Durante la sua vita ha scritto circa 300 opere.

Arnold Schoenberg si sposò per la prima volta abbastanza presto, per questo si convertì al protestantesimo nel 1898. Sua moglie lo ha tradito, è andata dal suo amante, ma poi è tornata dalla famiglia e il suo amante si è suicidato. Sua moglie Matilda morì nel 1923 e questo pose fine a un periodo turbolento nella vita personale del compositore. Un anno dopo, sposò la sorella del violinista e visse felicemente con lei per il resto della sua vita. Nel 1933 decide di tornare all'ebraismo e si sottopone a una cerimonia corrispondente in una sinagoga di Parigi.

Le paure di Arnold Schoenberg

Il compositore si distingueva per l'elevata intelligenza, le capacità matematiche, ma anche il principio irrazionale non gli era estraneo. Per tutta la vita fu perseguitato da strane paure e presentimenti. Di cosa aveva paura il compositore Arnold Schoenberg nel panico? Aveva una rara fobia: era terrorizzato dal numero 13. È nato su questo numero, per tutta la vita ha evitato le case e camere d'albergo sotto tale cifra. Quindi, alla fine, di cosa aveva paura Arnold Schoenberg? Numeri? No, certo, aveva paura della morte. Era sicuro che sarebbe morto il 13, che il numero 76 - in totale 13 - lo avrebbe portato alla morte. Per tutto l'anno del suo imminente 76° compleanno, visse in sospeso, finché un giorno andò a letto con la certezza che oggi la morte sarebbe venuta per lui. Rimase a letto tutto il giorno, aspettando l'ultima ora. Al calar della notte, sua moglie non poteva sopportarlo e lo costrinse a smettere di fare cose stupide e ad alzarsi dal letto. Ma 13 minuti prima di mezzanotte, ha pronunciato la parola "armonia" e ha lasciato questo mondo. Così, il 13 luglio 1951, il mondo perse

Schoenberg, Arnold(Schönberg, Arnold; 1874, Vienna, - 1951, Los Angeles) - compositore, teorico musicale, insegnante e pittore, uno dei fondatori dell'espressionismo e autore del sistema dodecafono in musica, il capo della cosiddetta Nuova Vienna Scuola.

nei primi anni

Nato nella famiglia di un povero uomo d'affari. Da bambino imparò a suonare il violino e il violoncello, suonò in orchestre amatoriali e compose brani musicali, non conoscendo inizialmente le basi della composizione; solo all'età di 16 anni Schoenberg iniziò a studiare musica in modo sistematico.

Nel 1891 si diplomò in un vero e proprio ginnasio e andò a lavorare in una banca privata, ma dopo pochi anni lasciò la banca e si dedicò interamente alla musica. Il suo insegnante fu il compositore e direttore d'orchestra A. von Zemlinsky, che diede lezioni di polifonia a Schoenberg. Nel 1895-1899. diresse un coro operaio nei sobborghi di Vienna.

Nel 1898, Schoenberg si convertì al cristianesimo (in una delle denominazioni protestanti) e nel 1901 sposò la sorella del suo insegnante, Matilda von Zemlinskaya.

Lavoro all'inizio del XX secolo

Nel 1901-1903. viveva a Berlino, dirigeva un'orchestra in un cabaret letterario e dava lezioni private. Dal 1903 insegnò in una delle scuole di musica viennesi.

Nel 1911, Schoenberg incontrò V. Kandinsky, che influenzò notevolmente la visione artistica del mondo di entrambi. Schoenberg era noto anche come artista: nel 1911 espose per la prima volta il suo lavoro alla mostra del gruppo di artisti "Blue Horseman" a Berlino, esposta a Vienna, in altre città, a volte insieme a Kandinsky.

Come direttore, Schoenberg ha tenuto concerti a Berlino, Vienna, Amsterdam, Londra, St. sull'assistenza materiale).

Durante la prima guerra mondiale prestò servizio nell'esercito austriaco. Dal 1925, su iniziativa di L. Kestenberg, fu invitato al posto di professore presso l'Accademia delle arti prussiane a Berlino, da dove fu licenziato nel 1933 con l'avvento al potere dei nazisti.

Durante l'era nazista

Emigrato in Francia.

Nel 1941, Schoenberg ricevette la notizia della morte di suo fratello, rimasto in Austria, e nel 1942 scrisse "Ode a Napoleone" alle parole di JG Byron, in cui l'esposizione del male, la violenza, l'omicidio di persone innocenti evoca chiare associazioni con gli eventi della seconda guerra mondiale; L'opuscolo di Byron, scritto nel 1814, suona in questa interpretazione come una vera opera antinazista.

Il testo della cantata Survivor of Warsaw (1947; per lettore, coro e orchestra), scritta dallo stesso compositore, riproduce la storia di uno dei pochi prigionieri sopravvissuti del ghetto di Varsavia. Le parole di Shema sono intessute nel tessuto del pezzo. Il pezzo è estremamente laconico - solo sei minuti e mezzo; le tecniche espressioniste del discorso musicale sono in lui affinate al limite.

Altre opere di Schoenberg su un tema ebraico - "The Modern Salm" (non finito), "From the Depths" (1950; nel salmo 130 per coro), il coro "Tre volte in mille anni" (1950; parole di D . Rune), ecc...

motivi sionisti

Nel corso degli anni (1926–51), Schoenberg scrisse il dramma The Biblical Way sul ritorno degli ebrei alla loro patria storica e sul futuro del rinato stato ebraico. Schoenberg non era estraneo agli obiettivi sionisti. Nel 1923 scrisse: "Sono stato costretto a capire e ricordare per sempre che non sono tedesco, non europeo, ma sono ebreo".

Ha mostrato interesse, in particolare, per il concetto di V. Zhabotinsky e per le sue opere. Pubblicò articoli di orientamento sionista: "Israeliti ed ebrei" (1923), "Riguardo al sionismo" (1924), "La questione ebraica" (1933), "Note sulla politica verso gli ebrei" (1933), "Un programma per Ebraismo di quattro paragrafi "(primi anni '40) e altri.

Schoenberg accolse la nascita dello Stato di Israele e contribuì alla creazione di un centro di formazione a Gerusalemme, con il quale, secondo il suo piano, avrebbero dovuto collaborare le più grandi figure musicali ebraiche.

Nuova scuola viennese

Schoenberg - fondatore e capo della cosiddetta Nuova Scuola di Vienna, sorta come comunità creativa del compositore e dei suoi studenti - A. Berg e A. Webern; la scuola ha determinato le modalità di sviluppo dell'arte musicale contemporanea.

Schoenberg è stato uno dei più grandi maestri di musica del XX secolo, tra i suoi allievi, oltre a Berg e Webern, c'erano E. Welles (1885-1974), H. Eisler (1898-1962), R. Komin (1896-1978). ), R. Serkin e altri. Molti dei più grandi compositori del XX secolo - B. Bartok, I. Stravinsky, S. Prokofiev, D. Shostakovich, P. Hindemith - sperimentarono l'influenza della musica e degli insegnamenti di Schoenberg e usarono la tecnica di composizione dodecafonica.

Lavori teorici

Le opere teoriche di Schönberg includono La dottrina dell'armonia (1911), Una guida per compositori principianti (1943), Stile e idea (1950), Funzioni strutturali dell'armonia (1954), Fondamenti di composizione (1967) e altro.

Schoenberg lasciò in eredità la sua biblioteca e i suoi manoscritti alla Biblioteca nazionale e universitaria ebraica di Gerusalemme. Poco prima della morte di Schoenberg, l'Accademia di musica israeliana lo ha eletto presidente onorario.

Fonti di

• KEE, volume 10, col. 158-161

Precursore

Arnold Schoenberg è senza dubbio uno dei compositori più brillanti del ventesimo secolo, che già durante la sua vita ha avuto un enorme impatto sullo sviluppo della musica in tutto il mondo. Si potrebbe non essere d'accordo con lui, ma non lo si può ignorare.

I. Sollertinsky paragona Schoenberg ai titani del Rinascimento; secondo lui incarna lo stesso tipo di "persona a tutto tondo". E infatti, oltre al fatto che Schoenberg è stato un grande compositore, che ha lasciato opere in quasi tutti i generi musicali, è stato un grande musicologo, la cui ricerca non è diventata obsoleta fino ad ora, un maestro che ha creato una scuola di compositori influenti (" l'unico in Europa" - nota Sollertinsky ), direttore d'orchestra e artista espressionista. Inoltre, scrisse testi per alcune sue opere (le opere La mano fortunata, Mosè e Aronne, l'oratorio La scala di Giacobbe, Tre satire per coro, ecc.); è anche l'autore del dramma The Bible Way.

Le principali scoperte di Schoenberg - l'atonalità e la dodecafonia - non hanno perso il loro significato fino ad oggi. Il primo si diffuse così rapidamente e cominciò a essere dato per scontato che il nome del suo "inventore" cominciò persino a essere dimenticato. Alfredo Casella, uno dei più grandi compositori italiani dell'epoca, ricordava già nel 1921: “È noto con certezza che l'atonalismo è stato creato da un singolo compositore - Arnold Schönberg, e non da un gruppo di essi.<...>E a partire da quel momento, già in un lontano passato, quest'uomo ha percorso instancabilmente la stessa strada, combattendo eroicamente la mancanza di comprensione dei suoi contemporanei e persino la privazione materiale ".

Un'influenza ancora maggiore sull'arte della musica fu fornita dal "metodo di composizione a 12 toni" creato da Schoenberg, o, come in seguito fu chiamato, dodecafonia. La sua essenza è stata dichiarata, probabilmente, in tutti gli articoli dedicati a Schoenberg. Sebbene durante la vita del compositore, la dodecafonia sia stata oggetto degli attacchi più violenti, in seguito si è diffusa molto ampiamente. Anche il più feroce avversario del compositore, il suo completo antipode Igor Stravinsky, dopo la morte di Schoenberg, si convertì alla "fede" dodecafonica.

La dodecafonia influenzò anche i compositori degli anni Sessanta dell'ex Unione Sovietica. Quindi, in un modo peculiare ha sviluppato la dodecafonia - piuttosto, la sua versione francese, nello spirito di Boulez - Edison Denisov. Arvo Pärt iniziò anche come dodecafonista, creando infine il sistema originale "Tintinnabuli", che è essenzialmente una variante della dodecafonia, in cui ancora compone.

Schoenberg è stato il capostipite della musica per computer, nata dal desiderio di snellire la forma di un pezzo, proprio come Schoenberg ne ha snellito la fila di altezza. Il computer era originariamente solo una macchina per il calcolo elettronico (ECM), e le prime opere per computer, come Yannis Xenakis, furono create su basi matematiche. Ma presto questo fondamento matematico si staccò dalla sua origine informatica e divenne indipendente; in questa tecnica, ad esempio, compone Sofia Gubaidulina.

Schoenberg ha avuto una forte influenza sull'estetica musicale del ventesimo secolo. Ha formulato il suo credo creativo come segue: "L'arte inizia dove finisce lo spettacolo". In altre parole, l'artista non dovrebbe rinchiudersi in una "torre d'avorio" (di cui, tra l'altro, Schönberg è stato spesso accusato); deve assolutamente essere un cittadino - il compositore ha pienamente dimostrato questo punto di vista con le sue opere successive. D'altra parte, a suo avviso, un artista non dovrebbe scrivere per il pubblico, perché troppo spesso il pubblico si sbaglia; Non sarebbe mai venuto in mente a Schoenberg di dichiarare l'opinione degli ascoltatori come la verità ultima come Hindemith. Lui stesso scrisse come per l'eternità - e ora, mezzo secolo dopo la morte di Schoenberg, possiamo essere pienamente convinti della correttezza della sua posizione estetica.

Con la sua formula Schönberg ha indirettamente dato una definizione di musica leggera, anch'essa molto importante, come a separarne il significato dai mezzi tecnici con cui è stata creata. In effetti, la tecnica sia della composizione che dell'esecuzione di un pezzo può essere complessa quanto vuoi, ma se è creata per l'intrattenimento, è musica leggera, che sia jazz, heavy metal o operetta classica.

Biografia

Ricordiamo brevemente la biografia di Schoenberg. Il compositore è nato nel 1874 nella famiglia di un piccolo imprenditore viennese. Quando aveva 15 anni, suo padre morì e la situazione della famiglia divenne subito disastrosa. Schoenberg rimase quasi tutta la sua vita in condizioni materiali anguste e per molto tempo guadagnò ciò che poteva: prestò servizio in una banca, come "negro musicale" istruì le operette di altre persone, guidò i cori di lavoro.

Come compositore, Schoenberg fu un assoluto autodidatta (tutta la sua educazione musicale si ridusse alle lezioni di violino, che prese da bambino). Un ruolo decisivo nella sua vita è stato svolto dall'incontro con il compositore Alexander Zemlinsky, dal quale Schoenberg ha preso lezioni di composizione per diversi mesi. Tuttavia, queste lezioni difficilmente potrebbero essere chiamate lezioni; per molti aspetti, queste erano dispute di giovani compositori che cercavano la loro strada (Zemlinsky aveva solo due anni più di Schoenberg) su nuovi mezzi di espressione, sull'essenza dell'arte, sullo sviluppo della musica moderna. Zemlinsky rimase amico e collaboratore di Schoenberg per il resto della sua vita (in seguito scrisse anche il libretto per l'opera di Zemlinsky "Zarema"); più tardi, quando Schoenberg sposò sua sorella, divennero imparentati.

Nel 1898, in un concerto a Vienna, furono eseguite le prime opere canore di Schoenberg; mentre si esibiva in sala, c'è stato un piccolo scandalo, "e da allora", ha scritto con umorismo il compositore, "gli scandali non si sono mai fermati". Subito dopo il debutto del compositore, nel 1903, il teorico e attività pedagogica Schoenberg, alternativamente a Vienna e Berlino. Dal 1911 al 1915 Schönberg visse stabilmente a Berlino, facendo tournée di concerti come direttore d'orchestra. Dal 1915 al 1917 il compositore prestò servizio nell'esercito. Nel 1925, per la sua opera fondamentale "La dottrina dell'armonia" fu insignito del titolo di professore e invitato a tenere un corso di composizione presso la Scuola di musica di Berlino. Più o meno nello stesso periodo, divenne anche membro dell'Accademia delle arti prussiana.

Dopo che i nazisti salirono al potere, Schoenberg emigrò, prima in Francia. Per un po' si sarebbe trasferito a Unione Sovietica, che a quel tempo era il più ardente oppositore del fascismo sulla scena internazionale (mancavano ancora sei anni prima del patto Molotov-Ribbentrop) - i direttori Fritz Stidri e Oscar Fried, che si erano già trasferiti in URSS, lo chiamarono lì. Ma alla fine sceglie l'America; Schoenberg si stabilì a Los Angeles, dove insegnò all'Università della California dal 1936 al 1944. Il compositore morì nel 1951.

Verso le vette

Schoenberg inizia la sua carriera di compositore come romantico seguace di Wagner; è caratterizzato da programmaticità e, nelle opere sinfoniche, da imponenti composizioni strumentali. Tuttavia, qui riesce ad essere originale, avendo composto un sestetto d'archi programmato ("The Enlightened Night" di R. Demel), che non era prima di lui. Un'altra opera significativa di quel periodo è il poema sinfonico Pelléas et Mélisande basato sul dramma di Maurice Maeterlinck. Quest'opera è di lunghissima durata, e spesso sembra che la forma si disintegri in episodi separati, tenuti insieme solo dalla trama - nonostante l'abbondanza di leitmotiv. Tuttavia, gli strumenti sono qui utilizzati in modo eccellente - spesso sono affidati agli effetti visivi - e l'opera nel suo insieme fa una forte impressione.

Nel 1903, Schoenberg incontrò Gustav Mahler, che divenne per lui per sempre l'ideale di un compositore geniale, nonostante le incomprensioni, raggiungendo fermamente il suo obiettivo e non riconoscendo alcun compromesso nell'arte. Non solo la personalità, ma anche l'opera di Mahler ha fortemente influenzato Schönberg. L'esempio più eclatante di ciò è stata la cantata "Songs of Gurre". Ha mostrato tutti i vantaggi e gli svantaggi del primo periodo dell'opera del compositore. La trama è basata su un'antica leggenda danese, vicina alla leggenda di Tristano e Isotta. La composizione dell'orchestra supera addirittura quella utilizzata da Mahler nella Sinfonia dei mille partecipanti. Allo stesso tempo, per il fatto che la cantata, contrariamente al poema sinfonico, è comunque divisa in parti, si percepisce più facilmente di Pelléas e Melisande, nonostante la sua lunghezza e anche l'abbondanza di complesse armonie che sembrano gravitare Da nessuna parte.

Il successivo periodo - atonale - del lavoro di Schoenberg iniziò nel 1909 con "Tre pezzi per pianoforte" op. 11. L'atonalità non fu un'invenzione puramente speculativa di Schoenberg. Lo stesso umore pubblico in quel momento allarmante prima della prima guerra mondiale era tale che non poteva essere espresso, ovviamente, solo con l'aiuto di mezzi tonali. Fu in questo momento che nacque l'interesse per la musica antica, scritta ancor prima della comparsa della tonalità. Dimenticato, sembrava, da tutte le opere - dai primi polifonisti dei secoli XII-XIII a Purcell e Monteverdi - improvvisamente iniziarono a essere pubblicate ed eseguite. Quindi Schoenberg ha catturato solo con sensibilità ciò che era già nell'aria.

È caratteristico che la transizione all'atonalità non sia stata accompagnata da una sorta di rottura netta; la nuova tecnica è cresciuta gradualmente dalla vecchia. Tuttavia, lo stile di Schoenberg è cambiato radicalmente. Le composizioni degli strumenti si stanno riducendo, poiché all'inizio non era chiaro come combinare un gran numero di voci in un insieme in questo stile. Se viene utilizzata un'orchestra, viene trattata come un grande ensemble. Anche le forme estese stanno scomparendo: quelle classiche erano basate sulla tonalità e non ne sono state ancora trovate di nuove. Parola e timbro erano usati come mezzi di collegamento, che Berlioz usava a questo scopo. Nelle opere di quel periodo "Waiting" e "Happy Hand" (però lo stesso Schoenberg le definì rispettivamente monodramma e dramma con musica), l'orchestra svolge un ruolo di accompagnamento, e la parte vocale viene in primo piano, e in "Happy Mano" c'è anche una pantomima... Dei reperti timbrici si segnala qui il coro parlante.

Schoenberg ha anche altre innovazioni. Innanzitutto va segnalata la "melodia timbrica" ​​(Klangfarbemelodie), che è apparsa in "Five Pieces for Orchestra". L'essenza di questa tecnica è che i timbri stessi sembrano formare una sequenza esatta. Il direttore non deve "interpretare" il brano, ma deve solo eseguire fedelmente quanto scritto dal compositore. Un'altra novità è il "canto parlato" (Sprechstimme o Sprechgesang), apparso per la prima volta nel ciclo vocale "Pierrot Moonlight"; è una melodia in cui tutti i suoni sono segnati con precisione nell'altezza, ma non sono cantati, ma come se fossero parlati.

Tragedia, testi, umorismo

Tuttavia, "Pierrot of the Moon" rappresenta una pietra miliare così importante nel lavoro di Schoenberg che vale la pena soffermarsi su questo lavoro. Ma prima, facciamo un'altra digressione.

L'opera di Schoenberg è classificata come espressionismo, e questo è senza dubbio vero, perché si basa su esperienze interne, non su impressioni esterne. Questa, in senso stretto, è l'essenza dell'espressionismo; il contenuto delle opere non è in alcun modo limitato. Ma in Unione Sovietica, le affermazioni dei critici più feroci di Schoenberg ci sono state così fortemente impresse nella testa che devono essere negativo esperienze, e qualsiasi manifestazione di sentimenti leggeri è l'influenza di altri stili, in cui molti credono ancora. Ma anche il lavoro dei suoi studenti più vicini può servire da confutazione qui. Il "Wozzeck" di Berg non è affatto più tragico di altre opere socio-psicologiche dell'epoca - "The Gambler" di Prokofiev, "The Artist Matis" di Hindemith, "Katerina Izmailova" di Shostakovich e il suo Concerto per violino è uno dei opere più brillanti dell'epoca. Lo studente più coerente di Schoenberg, Anton Webern, è generalmente un paroliere assoluto.

La grande espressività della musica di Schoenberg ha reso a lungo difficile discernere i lati positivi della sua musica. Anche Hans Eisler, allievo del maestro viennese, che trattava il suo maestro con la massima riverenza e conosceva incondizionatamente le sue opere, scrisse, con una giustificazione marxista-leninista, ovviamente, che "l'umore principale della musica di Schoenberg è la paura". Cosa prendere da altri critici, molto meno benevoli?

Nel frattempo, il flusso lirico nel suo lavoro è molto forte. L'opera più popolare di Schoenberg del primo periodo, "La notte illuminata", è un inno entusiasta alla natura e all'amore. I già citati "Tre pezzi per pianoforte" e "Cinque pezzi per orchestra", e il ciclo vocale "Il libro dei giardini pensili" alle parole di S. Gheorghe, e da opere successive - il Concerto per violino sono anche di natura lirica. Schoenberg ha anche opere umoristiche, almeno le stesse "Tre satire" per il coro.

Nel ciclo vocale Pierrot Lunar (1912) alle parole di Albert Giraud nella traduzione di EO Hartleben, che è la quintessenza della musica di Schoenberg del periodo atonale, tutti questi tre principi - tragico, lirico e satirico - si fondono in un tutto indissolubile . In linea di principio, "Pierrot of the Moon" è un diretto successore dei cicli vocali dei romantici da Schubert a Mahler. Ha lo stesso enorme numero di parti, lo stesso tragico esito. Ma qui finiscono le somiglianze. Altrimenti, nel ciclo di Schoenberg, tutto sembra essere capovolto. Invece di una ricca melodia, c'è un dialetto; invece di un pianoforte o un'orchestra nell'accompagnamento - un ensemble da camera dal suono aspro di cinque strumenti, e anche questo non è mai completamente utilizzato (nel finale, il cantante è accompagnato da un flauto in generale); gli eroi non sono in alcun modo persone creative riccamente dotate, ma burattini che sembrano essere tirati dai fili da forze irrazionali del male. (Si fa spesso un parallelo tra "Pierrot Moonlight" e il balletto di Stravinsky "Petrushka", creato un anno prima. Penso che questo sia un approccio fondamentalmente sbagliato. Stravinsky conferisce alle bambole sentimenti umani e Schoenberg raffigura le persone sotto forma di bambole, e quindi l'intensità delle passioni in "Moonlight Pierrot" "molto di più.) La musica del ciclo lascia un'impressione molto forte e molto inquietante. Questa è una visione tragica del prossimo secolo con la sua guerre mondiali, rivoluzioni insensate, Auschwitz, il Gulag, Hiroshima e con il suo assoluto disprezzo per il singolo essere umano.

Anche "Pierrot of the Moon" è importante per l'opera di Schoenberg perché qui trovò una forma diversa da quella classica e, allo stesso tempo, non era una sequenza di miniature libere. La struttura del ciclo si basa sui numeri mistici 3 e 7. Il numero ventuno del ciclo, per così dire, si divide in tre parti con una propria logica di sviluppo in ciascuna. Naturalmente il ciclo contiene anche numeri a struttura libera. Ma insieme a questo vengono utilizzati anche i generi tradizionali (barcarole, serenata). Come Mahler, sono associati a un principio negativo; ma se in Mahler ciò è contrastato da immagini luminose, allora in Schönberg è elevato all'assoluto e simboleggia una sorta di male del mondo. L'uso stesso di tali forme è condizionato, ovviamente, dalla trama del "fantoccio" ed è presentato in una forma molto distorta, caricaturale (di nuovo, un appello con Mahler); ma la base si sente abbastanza bene e rende la musica più facile da percepire e migliora l'impatto emotivo della musica. Infine, Schoenberg utilizza forme di musica preclassica, come passacaglia e canon, che, in linea di principio, non sono necessariamente legate alla tonalità.

A metà della vita terrena

Schoenberg non arrivò subito alla tecnica dodecafonica, in contrasto con quella atonale; per diversi anni non ha scritto affatto musica. Lo scopo di creare un nuovo sistema era il desiderio di trovare un contrappeso alla baldoria pseudo-romantica dei sentimenti, che nel dopoguerra si trasformò in un rifugio di volgarità e un luogo comune. Le prime opere dodecafoniche di Schoenberg scritte per piccoli ensemble (Cinque pezzi per pianoforte, 1923, Quintetto per fiati, 1924, Quartetto per archi, 1927) sembrano essere volutamente aride, prive di ogni segno di "esperienza" nel senso romantico del termine. L'autore sembra ammirare l'accuratezza e la bellezza rigorose, quasi matematiche della struttura.

In generale, le opere dodecafoniche di Schoenberg, composte in Germania, hanno affrontato uno strano destino. La critica ufficiale, ovviamente, li ha rimproverati; anche coloro che non capiscono ei malvagi hanno deriso Schoenberg come meglio potevano; compositori come Hindemith e Orff, che in linea di principio apprezzavano molto la struttura musicale, erano spaventati dal fatto che per Schoenberg fosse un mezzo, non un fine; e gli amici, al contrario, si chiedevano perché il compositore "deviasse dai principi", introducendo l'espressione nelle opere, la cui base è una tecnica inventata per evitare questa espressione. Di conseguenza, le opere "Da oggi a domani" e "Mosè e Aronne", scritte con il sangue del cuore, furono messe in scena molto più tardi, dopo la morte dell'autore.

Schoenberg riprese la normale creatività solo negli anni dell'emigrazione, e anche allora non subito. Scoraggiato dal destino delle sue opere, scrisse per lungo tempo solo musica strumentale. In questo periodo crea le sue composizioni strumentali più espressive: la seconda sinfonia da camera, il trio, il quinto quartetto, i concerti per pianoforte e violino. Nei concerti, raggiunge i limiti stessi delle capacità tecniche degli strumenti, il che, ovviamente, aumenta l'espressività della musica. Uno degli artisti ha detto del concerto per violino: "È diabolicamente difficile da suonare, ma che piacere provi quando lo impari!"

Schoenberg tornò gradualmente ai generi vocali. Le sue opere stanno acquisendo un carattere sociale sempre maggiore. Le opere centrali di quegli anni sono "Ode a Napoleone" - un'appassionata protesta contro la tirannia - e "Survivor of Warsaw" - una storia agghiacciante sulla tragedia del ghetto di Varsavia. Negli anni del dopoguerra, Schoenberg a volte si allontanò dalla dodecafonia, passando all'atonalità libera. Ciò è dovuto principalmente al fatto che introduce spesso citazioni dirette nelle sue opere: "La Marsigliese" in "Ode a Napoleone", la preghiera "Shema Israel" in "Survivor from Warsaw". E con tale musica, l'atonalità libera è molto meglio combinata stilisticamente.

conservatore rivoluzionario

Il lavoro di Schoenberg è stato spesso presentato come una negazione continua e coerente. Ma è impossibile costruire musica sulla sola negazione, e ancor più rimanere nella storia quando il tema della negazione scompare o diventa obsoleto. La forza di Schoenberg sta proprio nel fatto che è sempre stato associato alla tradizione. Durante la sua vita, al compositore fu rimproverato di non avere né melodia né armonia. Dalla distanza del tempo è chiaro che non è così. Naturalmente, Schoenberg non ha melodie come nelle opere di Verdi o nelle sinfonie di Tchaikovsky. Ma se guardi alle parti vocali delle opere di Wagner (che venivano chiamate "melodie infinite"), alcune opere di compositori russi ("L'ospite di pietra" di Dargomyzhsky, "Mozart e Salieri" di Rimsky-Korsakov, "Francesca da Rimini" di Rachmaninov), o addirittura l'esatto opposto di Schoenberg del metodo di scrittura di Debussy, si possono notare le somiglianze tra le sue melodie e quelle di questi compositori. Inoltre. La stessa serie ripetitiva è solo una versione più sofisticata del leitmotiv di Wagner.

Lo stesso vale per l'armonia. Certo, questa non è l'armonia classica che regnava in Europa da Monteverdi a Mahler, ma è senza dubbio armonia - perché una serie può essere "piegata", formando così accordi. (Sembra che nessuno abbia contestato la presenza della polifonia nelle opere di Schoenberg.)

La forma di Schoenberg era ancora più tradizionale: in questo senso, giustifica pienamente l'idea di Bernard Shaw che "i rivoluzionari sono i più grandi conservatori". Schoenberg compose solo in generi classici - scrisse opere, oratori, sinfonie, suite, concerti, poemi sinfonici, cicli vocali e corali, quartetti, quintetti, sestetti, ecc .; non gli venne mai in mente di "buttare Mozart giù dal piroscafo del nostro tempo". Questo apparente conservatorismo non era causato da una mancanza di coraggio e non da una mancanza di immaginazione - entrambe le cose a cui Schönberg non era interessato - ma molto probabilmente un desiderio, forse inconscio, di dimostrare a se stessi e al mondo intero che con l'aiuto del suo sistema è possibile realizzare opere in tutte le forme esistenti...

Ma Schoenberg è legato alla tradizione non solo attraverso i suoi diretti predecessori. La musica del Medioevo e del Rinascimento giocò un ruolo altrettanto importante nella sua formazione, e il suo legame con quel tempo non si espresse affatto solo nel fatto che soffrì e combatté, come Dante, o fu una personalità poliedrica, come Leonardo .

Schönberg fu influenzato sia dall'estetismo che dalla pratica artistica di quest'epoca. Phillippe de Vitry, l'ideologo del movimento Ars nova, vissuto a cavallo tra il XIII e il XIV secolo, esortò ad abbandonare il diatonicismo, a smettere di coordinare le voci con l'aiuto delle consonanze ed evitare anche ritmi rigidi. Schoenberg ha ripetuto - quasi seicento anni dopo - tutti i suoi appelli e ha cercato di metterli in pratica; nel sostanziare la sua teoria di "emancipazione della dissonanza", si riferisce direttamente alla musica di quegli anni.

Ha preso in prestito tutti i principali tipi della serie dai grandi polifonisti del Rinascimento, di cui ha ripetutamente scritto nei suoi articoli. (Tuttavia, a quel tempo era percepito come un'assurdità o come un tentativo di autogiustificazione.) E i metodi di lavoro con una serie e le sue modifiche: tenere per periodi più o meno lunghi, "piegare", trasferire a un'altra altezza , ecc. - queste sono anche le tecniche dei musicisti di quell'epoca.

Fu attraverso i suoi numerosi legami con la tradizione che Schoenberg assicurò la longevità delle sue opere. A rigor di termini, Schoenberg non è stato il primo a pensare all'idea della dodecafonia. Il compositore austriaco Josef Matthias Hauer, con il quale Schönberg ha combattuto per la priorità quasi tutta la sua vita, ha scritto la sua prima opera dodecafonica nel 1912 (cioè 9 anni prima di Schönberg), e nel 1920 ha pubblicato un libro di testo sulla musica atonale. Ma il sistema di Hauer era molto più ingombrante e non offriva al compositore possibilità così ampie, e solo per questo Schönberg passò alla storia come l'inventore della dodecafonia. Ma nel profondo della sua anima, conserva ancora il complesso di un "piccolo uomo" che teme per il suo futuro.

Musicologo, insegnante

Tutte le altre attività musicali di Schoenberg sono strettamente legate alla composizione. Ha scritto numerosi articoli teorici. Possono essere divisi in tre grandi gruppi. Nella prima, il compositore formula le sue opinioni estetiche. Il secondo, il più numeroso, è dedicato a questioni puramente teoriche. Quindi, nell'articolo "Emancipazione della dissonanza" sostanzia l'idea di atonalità, nell'articolo "Metodo di composizione con 12 toni" espone l'idea di dodecafonia. A Schoenberg piace tracciare analogie tra il lavoro dei suoi e dei suoi seguaci e i classici - come esempio citerò l'articolo "Bach e la Dodecafonia". Il terzo gruppo è costituito da recensioni sull'esecuzione di opere di autori contemporanei che necessitano di propaganda - di norma forniscono anche la loro analisi musicologica.

L'opera teorica più fondamentale di Schoenberg, apparsa nel 1911 - "La dottrina dell'armonia" - è nata dalle lezioni del compositore con Alban Berg. Si basa sulle opere di compositori della tradizione tedesca, da Bach ai tempi moderni. Il lavoro di Schoenberg non presenta in alcun modo una certa serie di esercizi; piuttosto, questi esercizi diventano un'illustrazione di idee sul significato di determinati periodi e persino di singole opere nello sviluppo della musica. Il compositore cerca di mostrarlo come un processo, considera il cambiamento il motore principale del progresso musicale. Il libro sembra un antipode alla Dottrina dell'armonia di Rameau, scritta duecento anni prima dell'opera di Schoenberg. Rameau è pieno di ottimismo illuminista, delizia di fronte agli immensi orizzonti che una nuova forma di espressione musicale ha aperto. Schoenberg riassume piuttosto i risultati. Il suo libro si conclude con ipotesi sulle possibilità di una costruzione di accordi diversa e non classica. Una delle opzioni è quella che in seguito costituirà la base della dodecafonia. Una menzione speciale merita la lingua in cui è scritta "La Dottrina dell'Armonia". È per mezzo di un linguaggio altamente poetico che Schoenberg ottiene l'effetto di riverenza per le opere classiche tra i lettori.

Schoenberg non è meno significativo come insegnante. Durante la sua vita, ha allevato più di mille studenti, tra i quali i più significativi sono Alban Berg, Anton Webern, Ernst Kschenek, Hans Eisler; in America, John Cage ha preso lezioni private da Schoenberg. Gli studenti di Schönberg divennero, insieme a Zemlinsky, il suo sostegno nella lotta per nuove idee musicali. Schoenberg credeva che l'insegnante dovesse essere un esempio per i suoi studenti, un modello. Molti studenti hanno scritto dell'influenza "magnetica" della sua personalità. Schoenberg non ha mai insegnato ai suoi studenti sui modelli della musica contemporanea. Credeva che l'insegnante dovesse fornire agli studenti una base tecnica per la composizione e diceva che "ognuno dovrebbe conquistare la libertà per se stesso". È interessante come Schoenberg abbia utilizzato nelle lezioni tutta l'esperienza che ha ricevuto nella sua vita multiforme. Eisler, che alla fine divenne noto come scrittore di cori e cantautore, credeva di doverlo al suo maestro: Schoenberg notò presto le sue inclinazioni e lo raccomandò a quei cori attivi che lui stesso aveva diretto un tempo; l'ideologia comunista e lo stile delle opere di Eisler si sono formati proprio in quest'opera, nel processo di composizione di musica per tali cori.

Artista

Anche l'interesse di Schönberg per la pittura fu costante. Nella sua biblioteca c'erano libri manifesto di Malevich, Kandinsky, Kokoschka. Era un artista professionista e, come accennato in precedenza, anche membro dell'Accademia delle arti prussiana. Per qualche tempo è stato membro dell'associazione artistica "Blue Horseman", che riunisce artisti principalmente espressionisti, il più significativo dei quali è Wassily Kandinsky. Schoenberg ha preso parte alle mostre di The Blue Rider e in una collezione dedicata al suo anniversario, due articoli hanno analizzato i suoi dipinti. Indubbiamente, Schoenberg è stato un artista molto importante, nello stile più vicino a Munch. E, senza dubbio, i suoi talenti sarebbero apprezzati se non fossero oscurati da risultati molto più sorprendenti nel campo della composizione.

Schoenberg ha scritto oltre 300 dipinti (puoi vederli) - molto più che opere musicali. L'apice della creatività di Schoenberg nel genere della pittura cadde negli anni 1908-1912, cioè il periodo più fruttuoso del compositore, quando fece il passaggio all'atonalità, coronato dalla creazione di "Pierrot Lunar". In questo momento, formula il suo credo di artista; qui si erge sulla posizione del puro espressionismo. Nell'articolo "Relazione con il testo" dichiara esplicitamente tutta la pittura fino ad oggi solo come una sorta di premessa alla necessaria completezza dell'espressione del pensiero; la vera storia della pittura inizia, secondo Schoenberg, solo con l'astrattismo.

In pratica, Schoenberg, tuttavia, non ha seguito le sue stesse linee guida. I suoi dipinti sono divisi in quattro grandi gruppi; si tratta di ritratti e autoritratti, nature morte, paesaggi, ecc. "visioni" quadri astratti, il cui significato si svela, come nella musica, solo nel processo dell'empatia.

Tutti questi gruppi sono molto importanti per la comprensione generale dell'estetica del compositore. I ritratti sono i più deboli dei suoi dipinti. Non caratterizzano particolarmente il compositore; molti di questi sono stati creati per conoscenti o familiari; tra questi però ci sono dei veri e propri capolavori, come, ad esempio, il ritratto di Mahler. Ma i numerosi autoritratti di Schoenberg sono stati dipinti con la più grande varietà. Schoenberg si raffigura da solo e tra le persone, a volte in modo completamente realistico, a volte in forma astratta - ad esempio, ama ritrarre se stesso come un teschio, individualmente o circondato da altri teschi. Tuttavia, tra gli autoritratti di Schoenberg non ce n'è uno in cui si ritragga gioioso. A giudicare da loro, il compositore ha guardato dentro se stesso solo con orrore, nonostante numerose testimonianze che nella vita fosse una persona completamente diversa.

Schoenberg ha relativamente poche nature morte e paesaggi. Nell'umore, sono l'esatto opposto degli autoritratti. Sono decisamente luminosi; nonostante tutte le sue affermazioni nichilistiche. Ovviamente, il romantico, nascosto nelle profondità dell'anima del compositore, percepisce ancora la natura e il mondo "materiale" come qualcosa di stabile, in opposizione al mondo inquieto dell'anima umana. Le nature morte di Schoenberg sono più realistiche, mentre i paesaggi sono francamente impressionisti, i loro caratteristici colori sfocati enfatizzano ulteriormente il loro stato d'animo ottimista.

Le "visioni" del compositore spaziano dall'astrazione assoluta al quasi caricaturale. Spesso disegna gli organi del corpo umano: mani, testa, ecc. E tutto questo in grandi quantità; ha anche molti dipinti chiamati "The Look". Questi dipinti sono tutti molto diversi sia nello stile di scrittura che nella loro natura emotiva. Per comprendere la loro struttura figurativa, lo spettatore ha bisogno della massima empatia, sentendosi nel mondo figurativo dell'immagine. Questo è espressionismo nella sua forma più pura, la maggior parte di loro si può dire con le parole di Eisler che "il loro stato d'animo dominante è la paura". Ad esempio, uno dei dipinti, intitolato "Carne" (con un tale nome anche per Schoenberg, è quanti dipinti) è, a prima vista, un insieme di pennellate senza senso. Solo conoscendo il titolo, possiamo capire che questa non è la carne da cui viene preparato il cibo, ma piuttosto i resti di colui che è morto in guerra. Ha anche immagini di giochi di ruolo: "The Critic", "The Winner", "The Defeated", ecc. In esse, l'orrore è mescolato con ironia e testi, come in "Pierrot Moonlight" - non senza motivo sono stati creati a lo stesso tempo. A volte le "Visioni" di Schoenberg sono associate a specifiche - quindi, ha diverse "Visioni di Cristo"; l'immagine di Cristo in queste immagini è direttamente opposta a quella biblica; solo la "trama" è tratta dalla Bibbia, e l'accento è posto sulle sofferenze di Cristo. Tuttavia, molto spesso nelle "visioni" Schoenberg non ci fornisce nemmeno tali linee guida. Si affida interamente ai nostri sensi. Nel sentimento di orrore che domina qui e negli autoritratti, si può in una certa misura scorgere anche una sorta di interezza: anche Schönberg si sente parte inseparabile del mondo terribile.

Schoenberg e l'ebraismo

L'atteggiamento di Schoenberg nei confronti dell'ebraismo è interessante. Nacque in una famiglia assolutamente irreligiosa e per lungo tempo fu del tutto indifferente in questo senso. Come musicista, si considerava un rappresentante scuola tedesca... Quando Schoenberg arrivò per la prima volta al sistema dodecafonico, scrisse che assicurò il dominio della musica tedesca per i successivi cento anni. Non andò mai agli estremi di Herzl, che prima voleva unire cattolicesimo ed ebraismo in un'unica religione, per poi arrivare all'idea di uno stato ebraico. Schoenberg non era all'altezza. Herzl apparteneva all'élite, era un giornalista per un giornale influente - e Schoenberg era un plebeo che a volte non sapeva come guadagnarsi il pane quotidiano; la società dei compositori, alla quale lo introdusse Zemlinsky, era essenzialmente bohémien. Ma nonostante tutto, Schoenberg non ha mai rinunciato all'ebraicità. Indubbiamente, lui, così come tutta Vienna, non poteva che essere colpito dal battesimo forzato di Mahler: a quel tempo un non cristiano non poteva guidare il principale teatro d'opera dell'impero.

È significativo che Schoenberg abbastanza presto, già nel 1921, abbia attirato l'attenzione sulla sinistra figura di Hitler. Una volta l'artista Wassily Kandinsky, che per qualche tempo era una persona simile a Schoenberg, si permise di parlare negativamente degli ebrei e incoraggiante di Hitler, le cui idee, secondo lui, potevano guarire lo spirito della nazione. In risposta alla risposta indignata del compositore, scrisse che Schoenberg era un "buon ebreo" e che tutto ciò che diceva non si applicava a lui. (Naturalmente, questo pensiero non era qualcosa di speciale ed era un tipico punto di vista del filisteo russo. Hai notato? Il filisteo russo non odia mai tutti gli ebrei senza eccezioni. Trova sempre piacevoli eccezioni tra loro - e loro, di regola , sono sue conoscenze personali.) Il compositore obiettò che forse Hitler non condivideva questo punto di vista. Scrisse: "Non vedi che sta preparando una nuova Notte di San Bartolomeo, e nel buio di questa notte nessuno si accorgerà che Schoenberg è un buon ebreo?" (Kandinsky successivamente riconobbe il regime di Hitler e rimase nella Germania nazista.)

L'opera più sorprendente su un tema ebraico, scritta in Germania, è l'opera "Mosè e Aronne". È stato creato nel 1932 ed era una sorta di protesta contro l'imminente minaccia del fascismo. In tempi terribili, il compositore ritorna all'alta etica della Torah. Schoenberg concepì quest'opera come un antipode alle opere di Wagner, che un tempo adorava. Nelle opere mature di Wagner, tutte le prelibatezze si distinguono principalmente per la loro forza, e chi vince, positivo o negativo che sia, vince solo con l'aiuto della forza. Il potere è l'alfa e l'omega del mondo di Wagner. Tutta la lotta tra gli eroi, tutti gli intrighi sono commessi solo in nome della forza e del potere; nei "Nibelunghi" c'è persino un simbolo speciale per loro: l'anello sfortunato. Da un punto di vista morale, gli eroi non rientrano in alcuna norma, rubano, uccidono, commettono adulterio - agli eroi "ariani" non solo è permesso tutto questo, come razza superiore, ma anche incoraggiati - in casi estremi, "resa dei conti" minori "sorgono tra di loro.

In Schoenberg, gli eroi vincono con l'aiuto del pensiero, solo per la loro elevata moralità e purezza di pensieri. L'opera è basata sull'episodio in cui Mosè si recò nel Sinai per i dieci comandamenti. Come sai, Aaron, in sua assenza, ha fatto un compromesso per calmare la gente e ha creato il vitello d'oro. Da questo episodio, il cui contenuto si può riassumere in due frasi, Schoenberg ha creato un vero e proprio dramma di idee. Si svolge sotto forma di un confronto tra il bene e il male, che sono personificati nelle immagini di Mosè e Aronne. Il compositore, che non ha mai fatto compromessi in vita sua, li considera un male assoluto e non può essere giustificato da nessuna buona intenzione. Molto spesso doveva osservare come le persone che facevano un patto con la propria coscienza o semplicemente sottovalutavano il pericolo (lo stesso Kandinsky, per esempio) diventavano in seguito servi del diavolo. Il guaio è che la gente ascolta non il più saggio, ma quello che fa più rumore. Quindi, senza alcuna pietà, è raffigurato nell'opera "Mosè e Aronne". Certamente si sforza per il meglio, ma questa è una massa ignorante, e il leader non può assecondare gli istinti animali di questa massa - per questo lui stesso è responsabile davanti alla sua coscienza e davanti a Dio. Il guaio è che, secondo la Torah, Mosè è muto, e Aronne deve trasmettere al popolo i pensieri del profeta. Sono collegati tra loro, come il bene e il male sono collegati nella vita. Ma cosa succede se la "bocca" è tagliata fuori dalla "mente" e non esprime ciò che è necessario? Schoenberg non ha risposta a questa domanda. Frase conclusiva di Mosè "O parola, parola che non ho!" esprime abbastanza la disperazione del compositore in quel momento. (Per amor di precisione, si noti che in seguito, nel tentativo di assicurarsi la produzione della sua opera, Schoenberg volle attribuire un finale ottimista, continuando la trama e descrivendo la successiva rappresaglia. Ma questo era così contrario allo stile generale del opera che solo poche frasi del libretto sono rimaste dal previsto terzo atto.)

Il linguaggio musicale dell'opera è anche l'opposto di quello wagneriano. La tecnica della dodecafonia, basata sull'unità del materiale dell'intera opera, è il modo migliore per trasmettere l'unità del popolo con Dio, l'unità dei capi con il popolo, l'indivisibilità del bene e del male; e allo stesso tempo, grazie alle possibilità quasi illimitate di trasformare la serie: la divisione delle persone, l'incomprensione reciproca tra i leader e le persone, il tragico confronto tra il bene e il male. Non è un caso che "Mosè e Aronne" sia la più grande opera dodecafonica di Schoenberg. Nonostante l'assenza di un conflitto amoroso (che provoca anche Wagner - secondo Schoenberg, non sono le passioni a governare il mondo), l'opera è eccezionalmente scenica. Il recitativo flessibile trasmette perfettamente tutte le sottigliezze degli stati d'animo, i cori parlanti sono usati nelle scene di conflitto, la danza intorno al vitello d'oro nel temperamento e nel pronunciato sapore orientale "selvaggio" è paragonabile alle Danze Polovtsiane del principe Igor Borodin o alla Danza del Sette veli da "Salomè" di R. Strauss.

Dopo essere emigrato in Francia nel 1933, Schoenberg adotta in modo dimostrativo la fede ebraica. Vivendo in America, diventa l'antifascista più implacabile, e questa non è solo solidarietà con gli oppressi e i sofferenti, ma anche una spiccata posizione ebraica. "Ode a Napoleone" è spesso paragonata a "La carriera di Arturo Hui". Entrambe le opere sono molto simili: si tratta di allegorie su un tema riconoscibile per tutti in quel momento. La differenza è che l'opera di Brecht è stata scritta dalla posizione di un nemico ideologico, mentre l'opuscolo musicale di Schönberg è stato scritto dalla posizione di una vittima. E sebbene entrambe le opere siano molto potenti, ma questo effetto è per sua natura diverso.

L'opera più sorprendente di Schoenberg su un tema ebraico, creata in America, è "The Survivor of Warsaw" per un lettore, coro maschile e orchestra. Il compositore è rimasto scioccato dal meccanismo hitleriano di totale annientamento delle persone indifese che si è aperto dopo la liberazione del ghetto di Varsavia. La storia è raccontata dal punto di vista di un narratore immaginario che presumibilmente è riuscito a fuggire; Schoenberg ha scritto il testo stesso. Il lettore non è stato scelto a caso per la parte solista. Secondo il compositore, nessuna quantità di canto potrebbe trasmettere l'orrore di ciò che è stato vissuto dai prigionieri. Il lavoro si conclude con un'immagine di ebrei che vanno verso la morte, cantando "Shema Israel". Una preghiera giustamente citata eseguita da un coro maschile in ebraico è una sorta di catarsi inquietante; nonostante tutto, la spiritualità vince ancora.

Alla fine della sua vita, Schoenberg si interessò ancora di più alle questioni ebraiche. Ha accolto con favore la creazione dello Stato di Israele, ha scritto molte opere spirituali e negli ultimi anni si sarebbe trasferito a Gerusalemme. Queste intenzioni erano senza dubbio le più serie, ma dopotutto, una volta che il compositore stava andando seriamente in Unione Sovietica. In un modo o nell'altro, ma non riesco a immaginare Schoenberg con il suo estetismo, con la sua sensazione di essere un cittadino del mondo, con il suo stretto legame con la tradizione europea nell'Israele in marcia di Ben-Gurion. La morte risolse questo problema e misericordiosamente salvò Schoenberg dalla disillusione con l'idea ebraica.

Marco Riso

Precursore

Arnold Schoenberg è senza dubbio uno dei compositori più brillanti del ventesimo secolo, che già durante la sua vita ha avuto un enorme impatto sullo sviluppo della musica in tutto il mondo. Si potrebbe non essere d'accordo con lui, ma non lo si può ignorare.

I. Sollertinsky paragona Schoenberg ai titani del Rinascimento; secondo lui incarna lo stesso tipo di “persona a tutto tondo”. E infatti, oltre al fatto che Schoenberg è stato un grande compositore, che ha lasciato opere in quasi tutti i generi musicali, è stato un grande musicologo, i cui studi non sono diventati obsoleti fino ad ora, un maestro che ha creato una scuola di compositori influenti (“ l'unico in Europa”, nota Sollertinsky), direttore d'orchestra e artista espressionista. Inoltre, scrisse testi per alcune sue opere (le opere La mano fortunata, Mosè e Aronne, l'oratorio La scala di Giacobbe, Tre satire per coro, ecc.); è anche l'autore del dramma The Bible Way.

Le principali scoperte di Schoenberg - l'atonalità e la dodecafonia - non hanno perso il loro significato fino ad oggi. Il primo si diffuse così rapidamente e cominciò a essere dato per scontato che il nome del suo "inventore" cominciò persino a essere dimenticato. Alfredo Casella, uno dei più grandi compositori italiani dell'epoca, ricordava già nel 1921: “È noto con certezza che l'atonalismo è stato creato da un e solo compositore - Arnold Schoenberg, e non da un gruppo di essi.<...>E da quel momento, già in un lontano passato, quest'uomo ha percorso instancabilmente la stessa strada, combattendo eroicamente contro l'incomprensione dei suoi contemporanei e persino con difficoltà materiali ".

Un'influenza ancora maggiore sull'arte della musica fu il "metodo di composizione con 12 toni" creato da Schoenberg, o, come fu in seguito chiamato, dodecafonia. La sua essenza è stata dichiarata, probabilmente, in tutti gli articoli dedicati a Schoenberg. Sebbene durante la vita del compositore, la dodecafonia sia stata oggetto degli attacchi più violenti, in seguito si è diffusa molto ampiamente. Anche il più feroce avversario del compositore, il suo completo antipode Igor Stravinsky, dopo la morte di Schoenberg, si convertì alla "fede" dodecafonica.

La dodecafonia influenzò anche i compositori degli anni Sessanta dell'ex Unione Sovietica. Quindi, in un modo peculiare ha sviluppato la dodecafonia - piuttosto, la sua versione francese, nello spirito di Boulez - Edison Denisov. Arvo Pärt iniziò anche come dodecafonista, creando infine il sistema originale "Tintinnabuli", che è essenzialmente una variante della dodecafonia, in cui ancora compone.

Schoenberg è stato il capostipite della musica per computer, nata dal desiderio di snellire la forma di un pezzo, proprio come Schoenberg ne ha snellito la fila di altezza. Il computer era originariamente solo una macchina per il calcolo elettronico (ECM), e le prime opere per computer, come Yannis Xenakis, furono create su basi matematiche. Ma presto questo fondamento matematico si staccò dalla sua origine informatica e divenne indipendente; in questa tecnica, ad esempio, compone Sofia Gubaidulina.

Schoenberg ha avuto una forte influenza sull'estetica musicale del ventesimo secolo. Ha formulato il suo credo creativo come segue: "L'arte inizia dove finisce lo spettacolo". In altre parole, l'artista non dovrebbe rinchiudersi in una "torre d'avorio" (di cui, tra l'altro, Schönberg è stato spesso accusato); deve assolutamente essere un cittadino - il compositore ha pienamente dimostrato questo punto di vista con le sue opere successive. D'altra parte, a suo avviso, un artista non dovrebbe scrivere per il pubblico, perché troppo spesso il pubblico si sbaglia; Non sarebbe mai venuto in mente a Schoenberg di dichiarare l'opinione degli ascoltatori come la verità ultima come Hindemith. Lui stesso scrisse come per l'eternità - e ora, mezzo secolo dopo la morte di Schoenberg, possiamo essere pienamente convinti della correttezza della sua posizione estetica.

Con la sua formula Schönberg ha indirettamente dato una definizione di musica leggera, anch'essa molto importante, come a separarne il significato dai mezzi tecnici con cui è stata creata. In effetti, la tecnica sia della composizione che dell'esecuzione di un'opera può essere complessa quanto vuoi, ma se è creata per l'intrattenimento, è musica leggera, che sia jazz, heavy metal o operetta classica.

Biografia

Ricordiamo brevemente la biografia di Schoenberg. Il compositore è nato nel 1874 nella famiglia di un piccolo imprenditore viennese. Quando aveva 15 anni, suo padre morì e la situazione della famiglia divenne subito disastrosa. Schönberg rimase quasi tutta la sua vita nelle ristrette condizioni materiali, e per molto tempo lavorò a ciò che avrebbe potuto servire in banca, come un "nero musicale", gli strumenti delle Operette erano strumenti, guidati dagli operai del coro .

Come compositore, Schoenberg fu un assoluto autodidatta (tutta la sua educazione musicale si ridusse alle lezioni di violino, che prese da bambino). Un ruolo decisivo nella sua vita è stato svolto dall'incontro con il compositore Alexander Zemlinsky, dal quale Schoenberg ha preso lezioni di composizione per diversi mesi. Tuttavia, queste lezioni difficilmente potrebbero essere chiamate lezioni; per molti aspetti, queste erano dispute di giovani compositori che cercavano la loro strada (Zemlinsky aveva solo due anni più di Schoenberg) su nuovi mezzi di espressione, sull'essenza dell'arte, sullo sviluppo della musica moderna. Zemlinsky rimase amico e collaboratore di Schoenberg per il resto della sua vita (in seguito scrisse anche un libretto per l'opera di Zemlinsky "Zarema"); più tardi, quando Schoenberg sposò sua sorella, divennero imparentati.

Nel 1898, in un concerto a Vienna, furono eseguite le prime opere canore di Schoenberg; durante l'esibizione in sala ci fu un piccolo scandalo, "e da allora", scrisse con umorismo il compositore, "gli scandali non si sono fermati". Subito dopo il debutto del suo compositore, nel 1903, iniziò l'attività teorica e pedagogica di Schönberg, alternativamente a Vienna e Berlino. Dal 1911 al 1915 Schönberg visse stabilmente a Berlino, facendo tournée di concerti come direttore d'orchestra. Dal 1915 al 1917 il compositore prestò servizio nell'esercito. Nel 1925, per la sua opera fondamentale "La dottrina dell'armonia" fu insignito del titolo di professore e invitato a tenere un corso di composizione presso la Scuola di musica di Berlino. Più o meno nello stesso periodo, divenne anche membro dell'Accademia delle arti prussiana.

Dopo che i nazisti salirono al potere, Schoenberg emigrò, prima in Francia. Per qualche tempo si sarebbe trasferito in Unione Sovietica, che a quel tempo era il più ardente oppositore del fascismo nell'arena internazionale (mancavano ancora sei anni prima del patto Molotov-Ribbentrop) - i direttori Fritz Stidri e Oscar Fried, che si era già trasferito in URSS, lo chiamò lì. Ma alla fine sceglie l'America; Schoenberg si stabilì a Los Angeles, dove insegnò all'Università della California dal 1936 al 1944. Il compositore morì nel 1951.

Verso le vette

Schoenberg inizia la sua carriera di compositore come romantico seguace di Wagner; è caratterizzato da programmaticità e, nelle opere sinfoniche, da imponenti composizioni strumentali. Tuttavia, qui riesce ad essere originale, avendo composto un sestetto d'archi programmato ("The Enlightened Night" di R. Demel), che non era successo prima di lui. Un'altra opera significativa di quel periodo è il poema sinfonico Pelléas et Mélisande basato sul dramma di Maurice Maeterlinck. Quest'opera è di lunghissima durata, e spesso sembra che la forma si disintegri in episodi separati, tenuti insieme solo dalla trama - nonostante l'abbondanza di leitmotiv. Tuttavia, gli strumenti sono qui utilizzati in modo eccellente - spesso sono affidati agli effetti visivi - e l'opera nel suo insieme fa una forte impressione.

Nel 1903, Schoenberg incontrò Gustav Mahler, che divenne per lui per sempre l'ideale di un compositore geniale, nonostante le incomprensioni, raggiungendo fermamente il suo obiettivo e non riconoscendo alcun compromesso nell'arte. Non solo la personalità, ma anche l'opera di Mahler ha fortemente influenzato Schönberg. L'esempio più eclatante di ciò è la cantata Songs of Gurre. Ha mostrato tutti i vantaggi e gli svantaggi. primo periodo creatività del compositore. La trama è basata su un'antica leggenda danese, vicina alla leggenda di Tristano e Isotta. La composizione dell'orchestra supera addirittura quella usata da Mahler nella Sinfonia dei mille membri. Allo stesso tempo, per il fatto che la cantata, contrariamente al poema sinfonico, è comunque divisa in parti, si percepisce più facilmente di Pelléas e Melisande, nonostante la sua lunghezza e anche l'abbondanza di complesse armonie che sembrano gravitare Da nessuna parte.

Il successivo periodo - atonale - del lavoro di Schoenberg iniziò nel 1909 con Tre pezzi per pianoforte, op. 11. L'atonalità non fu un'invenzione puramente speculativa di Schoenberg. Lo stesso umore pubblico in quel momento allarmante prima della prima guerra mondiale era tale che non poteva essere espresso, ovviamente, solo con l'aiuto di mezzi tonali. Fu in questo momento che nacque l'interesse per la musica antica, scritta ancor prima della comparsa della tonalità. Dimenticato, sembrava, da tutte le opere - dai primi polifonisti dei secoli XII-XIII a Purcell e Monteverdi - improvvisamente iniziarono a essere pubblicate ed eseguite. Quindi Schoenberg ha catturato solo con sensibilità ciò che era già nell'aria.

È caratteristico che la transizione all'atonalità non sia stata accompagnata da una sorta di rottura netta; la nuova tecnica è cresciuta gradualmente dalla vecchia. Tuttavia, lo stile di Schoenberg è cambiato radicalmente. Le composizioni degli strumenti si stanno riducendo, poiché all'inizio non era chiaro come combinare un gran numero di voci in un insieme in questo stile. Se viene utilizzata un'orchestra, viene trattata come un grande ensemble. Anche le forme estese stanno scomparendo: quelle classiche erano basate sulla tonalità e non ne sono state ancora trovate di nuove. Parola e timbro erano usati come mezzi di collegamento, che Berlioz usava a questo scopo. Nelle opere di quel periodo "Waiting" e "Happy Hand" (però lo stesso Schoenberg le definì rispettivamente monodramma e dramma con musica), l'orchestra svolge un ruolo di accompagnamento, e la parte vocale viene in primo piano, e in "Happy Mano" c'è anche una pantomima... Dei reperti timbrici si segnala qui il coro parlante.

Schoenberg ha anche altre innovazioni. Innanzitutto va segnalata la "melodia timbrica" ​​(Klangfarbemelodie), che è apparsa in "Five Pieces for Orchestra". L'essenza di questa tecnica è che i timbri stessi sembrano formare una sequenza esatta. Il direttore non deve "interpretare" il brano, ma deve solo eseguire fedelmente quanto scritto dal compositore. Un'altra novità è il "canto parlato" (Sprechstimme o Sprechgesang), che è apparso per la prima volta nel ciclo vocale "Pierrot Moonlight"; è una melodia in cui tutti i suoni sono segnati con precisione nell'altezza, ma non sono cantati, ma come se fossero parlati.

Tragedia, testi, umorismo

Tuttavia, "Pierrot of the Moon" rappresenta una pietra miliare così importante nel lavoro di Schoenberg che vale la pena soffermarsi su questo lavoro. Ma prima, facciamo un'altra digressione.

L'opera di Schoenberg è classificata come espressionismo, e questo è senza dubbio vero, perché si basa su esperienze interne, non su impressioni esterne. Questa, in senso stretto, è l'essenza dell'espressionismo; il contenuto delle opere non è in alcun modo limitato. Ma in Unione Sovietica, le affermazioni dei più feroci critici di Schoenberg ci sono state così fortemente impresse nella testa che queste devono essere certamente esperienze negative, e qualsiasi manifestazione di sentimenti leggeri è l'influenza di altri stili, in cui molti ancora credono in essa. Ma anche il lavoro dei suoi studenti più vicini può servire da confutazione qui. Il Wozzeck di Berg non è affatto più tragico di altre opere socio-psicologiche dell'epoca: The Gambler di Prokofiev, Artist Matis di Hindemith, Katerina Izmailova di Shostakovich e il suo Concerto per violino è una delle opere più brillanti dell'epoca. Lo studente più coerente di Schoenberg, Anton Webern, è generalmente un paroliere assoluto.

La grande espressività della musica di Schoenberg ha reso a lungo difficile discernere i lati positivi della sua musica. Anche Hans Eisler, allievo del maestro viennese, che trattava il suo maestro con la massima riverenza e conosceva incondizionatamente le sue opere, scrisse, con una giustificazione marxista-leninista, ovviamente, che "l'umore principale della musica di Schoenberg è la paura". Cosa prendere da altri critici, molto meno benevoli?

Nel frattempo, il flusso lirico nel suo lavoro è molto forte. L'opera più popolare di Schoenberg del primo periodo, "La notte illuminata", è un inno entusiasta alla natura e all'amore. I già citati "Tre pezzi per pianoforte", e "Cinque pezzi per orchestra", e il ciclo vocale "Il libro dei giardini pensili" alle parole di S. Gheorghe, e da opere successive - anche il Concerto per violino è di natura lirica . Schoenberg ha anche opere umoristiche, almeno le stesse Tre Satire per il coro.

Nel ciclo vocale Pierrot Lunar (1912) alle parole di Albert Giraud nella traduzione di EO Hartleben, che è la quintessenza della musica di Schoenberg del periodo atonale, tutti questi tre principi - tragico, lirico e satirico - si fondono in un tutto indissolubile . In linea di principio, "Pierrot of the Moon" è un diretto successore dei cicli vocali dei romantici da Schubert a Mahler. Ha lo stesso enorme numero di parti, lo stesso tragico esito. Ma qui finiscono le somiglianze. Altrimenti, nel ciclo di Schoenberg, tutto sembra essere capovolto. Invece di una ricca melodia, c'è un dialetto; invece di un pianoforte o un'orchestra nell'accompagnamento - un ensemble da camera dal suono aspro di cinque strumenti, e anche questo non è mai completamente utilizzato (nel finale il cantante è accompagnato da un flauto in generale); gli eroi non sono in alcun modo persone creative riccamente dotate, ma burattini che sembrano essere tirati dai fili da forze irrazionali del male. (Si fa spesso un parallelo tra "Pierrot Moonlight" e il balletto di Stravinsky "Petrushka", creato un anno prima. Penso che questo sia un approccio fondamentalmente sbagliato. Stravinsky conferisce alle bambole sentimenti umani e Schoenberg raffigura le persone sotto forma di bambole, e quindi l'intensità delle passioni in "Moonlight Pierrot" "Molto di più.) La musica del ciclo lascia un'impressione molto forte e molto inquietante. Questa è una visione tragica del prossimo secolo con le sue guerre mondiali, le sue rivoluzioni insensate, Auschwitz, il Gulag, Hiroshima e con il suo assoluto disprezzo per l'essere umano individuale.

"Pierrot della Luna" è importante per l'opera di Schoenberg anche in quanto qui trovò una forma diversa da quella classica e, allo stesso tempo, non era una sequenza di miniature libere. La struttura del ciclo si basa sui numeri mistici 3 e 7. Il numero ventuno del ciclo, per così dire, si divide in tre parti con una propria logica di sviluppo in ciascuna. Naturalmente il ciclo contiene anche numeri a struttura libera. Ma insieme a questo vengono utilizzati anche i generi tradizionali (barcarole, serenata). Come Mahler, sono associati a un principio negativo; ma se in Mahler ciò è contrastato da immagini luminose, allora in Schönberg è elevato all'assoluto e simboleggia una sorta di male del mondo. L'uso stesso di tali forme è condizionato, ovviamente, dalla trama del "fantoccio" ed è presentato in una forma molto distorta, caricaturale (di nuovo, un appello con Mahler); ma la base si sente abbastanza bene e rende la musica più facile da percepire e migliora l'impatto emotivo della musica. Infine, Schoenberg utilizza forme di musica preclassica, come passacaglia e canon, che, in linea di principio, non sono necessariamente legate alla tonalità.

A metà della vita terrena

Schoenberg non arrivò subito alla tecnica dodecafonica, in contrasto con quella atonale; per diversi anni non ha scritto affatto musica. Lo scopo di creare un nuovo sistema era il desiderio di trovare un contrappeso alla baldoria pseudo-romantica dei sentimenti, che nel dopoguerra si trasformò in un rifugio di volgarità e un luogo comune. Le prime opere dodecafoniche di Schoenberg scritte per piccoli ensemble (Five Pieces for Piano, 1923, Quintet for Winds, 1924, Fourth String Quartet, 1927) sembrano essere volutamente aride, prive di qualsiasi segno di "esperienza" nel senso romantico della parola. L'autore sembra ammirare l'accuratezza e la bellezza rigorose, quasi matematiche della struttura.

In generale, le opere dodecafoniche di Schoenberg, composte in Germania, hanno affrontato uno strano destino. La critica ufficiale, ovviamente, li ha rimproverati; anche coloro che non capiscono ei malvagi hanno deriso Schoenberg come meglio potevano; compositori come Hindemith e Orff, che in linea di principio apprezzavano molto la struttura musicale, erano spaventati dal fatto che per Schoenberg fosse un mezzo, non un fine; e gli amici, al contrario, si chiedevano perché il compositore "deviasse dai principi" introducendo l'espressione nelle opere basate su una tecnica inventata per evitare questa espressione. Di conseguenza, le opere "Da oggi a domani" e "Mosè e Aronne", scritte con il sangue dei cuori, furono messe in scena molto più tardi, dopo la morte dell'autore.

Schoenberg riprese la normale creatività solo negli anni dell'emigrazione, e anche allora non subito. Scoraggiato dal destino delle sue opere, scrisse per lungo tempo solo musica strumentale. In questo periodo crea le sue composizioni strumentali più espressive: la seconda sinfonia da camera, il trio, il quinto quartetto, i concerti per pianoforte e violino. Nei concerti, raggiunge i limiti stessi delle capacità tecniche degli strumenti, il che, ovviamente, aumenta l'espressività della musica. Uno degli artisti ha detto del concerto per violino: "È diabolicamente difficile da suonare, ma che piacere provi quando lo impari!"

Schoenberg tornò gradualmente ai generi vocali. Le sue opere stanno acquisendo un carattere sociale sempre maggiore. Le opere centrali di quegli anni sono "Ode a Napoleone" - un'appassionata protesta contro la tirannia - e "Survivor of Warsaw" - una storia agghiacciante sulla tragedia del ghetto di Varsavia. Negli anni del dopoguerra, Schoenberg a volte si allontanò dalla dodecafonia, passando all'atonalità libera. Ciò è dovuto principalmente al fatto che introduce spesso citazioni dirette nelle sue opere: "La Marsigliese" in "Ode a Napoleone", la preghiera "Shema Israel" in "Survivor from Warsaw". E con tale musica, l'atonalità libera è molto meglio combinata stilisticamente.

conservatore rivoluzionario

Il lavoro di Schoenberg è stato spesso presentato come una negazione continua e coerente. Ma è impossibile costruire musica sulla sola negazione, e ancor più rimanere nella storia quando il tema della negazione scompare o diventa obsoleto. La forza di Schoenberg sta proprio nel fatto che è sempre stato associato alla tradizione. Durante la sua vita, al compositore fu rimproverato di non avere né melodia né armonia. Dalla distanza del tempo è chiaro che non è così. Naturalmente, Schoenberg non ha melodie come nelle opere di Verdi o nelle sinfonie di Tchaikovsky. Ma se guardi alle parti vocali delle opere di Wagner (che venivano chiamate "melodie infinite"), alcune opere di compositori russi ("L'ospite di pietra" di Dargomyzhsky, "Mozart e Salieri" di Rimsky-Korsakov, "Francesca da Rimini" di Rachmaninoff) o addirittura l'esatto opposto di Schoenberg del metodo di scrittura di Debussy, si possono notare le somiglianze tra le sue melodie e quelle di questi compositori. Inoltre. La stessa serie ripetitiva è solo una versione più sofisticata del leitmotiv di Wagner.

Lo stesso vale per l'armonia. Certo, questa non è l'armonia classica che regnava in Europa da Monteverdi a Mahler, ma è senza dubbio armonia - perché una serie può essere "piegata", formando così accordi. (Sembra che nessuno abbia contestato la presenza della polifonia nelle opere di Schoenberg.)

La forma di Schoenberg era ancora più tradizionale: in questo senso, giustifica pienamente l'idea di Bernard Shaw che "i rivoluzionari sono i più grandi conservatori". Schoenberg compose solo in generi classici - scrisse opere, oratori, sinfonie, suite, concerti, poemi sinfonici, cicli vocali e corali, quartetti, quintetti, sestetti, ecc .; non gli venne mai in mente di "buttare Mozart giù dal piroscafo del nostro tempo". Questo apparente conservatorismo non era causato da una mancanza di coraggio e non da una mancanza di immaginazione - entrambe le cose a cui Schönberg non era interessato - ma molto probabilmente un desiderio, forse inconscio, di dimostrare a se stessi e al mondo intero che con l'aiuto del suo sistema è possibile realizzare opere in tutte le forme esistenti...

Ma Schoenberg è legato alla tradizione non solo attraverso i suoi diretti predecessori. La musica del Medioevo e del Rinascimento giocò un ruolo altrettanto importante nella sua formazione, e il suo legame con quel tempo non si espresse affatto solo nel fatto che soffrì e combatté, come Dante, o fu una personalità poliedrica, come Leonardo .

Schönberg fu influenzato sia dall'estetismo che dalla pratica artistica di quest'epoca. Phillippe de Vitry, l'ideologo del movimento Ars nova, vissuto a cavallo tra il XIII e il XIV secolo, esortò ad abbandonare il diatonicismo, a smettere di coordinare le voci con l'aiuto delle consonanze ed evitare anche ritmi rigidi. Schoenberg ha ripetuto - quasi seicento anni dopo - tutti i suoi appelli e ha cercato di metterli in pratica; nel sostanziare la sua teoria di "emancipazione della dissonanza", si riferisce direttamente alla musica di quegli anni.

Ha preso in prestito tutti i principali tipi della serie dai grandi polifonisti del Rinascimento, di cui ha ripetutamente scritto nei suoi articoli. (Tuttavia, a quel tempo era percepito come un'assurdità o come un tentativo di autogiustificazione.) E i metodi di lavoro con una serie e le sue modifiche: tenere per periodi più o meno lunghi, "piegare", trasferire a un'altra altezza , ecc. - queste sono anche le tecniche dei musicisti di quell'epoca.

Fu attraverso i suoi numerosi legami con la tradizione che Schoenberg assicurò la longevità delle sue opere. A rigor di termini, Schoenberg non è stato il primo a pensare all'idea della dodecafonia. Il compositore austriaco Josef Matthias Hauer, con il quale Schönberg ha combattuto per la priorità quasi tutta la sua vita, ha scritto la sua prima opera dodecafonica nel 1912 (cioè 9 anni prima di Schönberg), e nel 1920 ha pubblicato un libro di testo sulla musica atonale. Ma il sistema di Hauer era molto più ingombrante e non offriva al compositore possibilità così ampie, e solo per questo Schönberg passò alla storia come l'inventore della dodecafonia. Ma nel profondo della sua anima, conserva ancora il complesso di un "piccolo uomo" che teme per il suo futuro.

Musicologo, insegnante

Tutte le altre attività musicali di Schoenberg sono strettamente legate alla composizione. Ha scritto numerosi articoli teorici. Possono essere divisi in tre grandi gruppi. Nella prima, il compositore formula le sue opinioni estetiche. Il secondo, il più numeroso, è dedicato a questioni puramente teoriche. Quindi, nell'articolo "Emancipazione della dissonanza" sostanzia l'idea di atonalità, nell'articolo "Metodo di composizione con 12 toni" espone l'idea di dodecafonia. A Schoenberg piace tracciare analogie tra il lavoro dei suoi e dei suoi seguaci e i classici - come esempio citerò l'articolo "Bach e la Dodecafonia". Il terzo gruppo è costituito da recensioni sull'esecuzione di opere di autori contemporanei che necessitano di propaganda - di norma forniscono anche la loro analisi musicologica.

L'opera teorica più fondamentale di Schoenberg, apparsa nel 1911 - "La dottrina dell'armonia" - è nata dalle lezioni del compositore con Alban Berg. Si basa sulle opere di compositori della tradizione tedesca, da Bach ai tempi moderni. Il lavoro di Schoenberg non presenta in alcun modo una certa serie di esercizi; piuttosto, questi esercizi diventano un'illustrazione di idee sul significato di determinati periodi e persino di singole opere nello sviluppo della musica. Il compositore cerca di mostrarlo come un processo, considera il cambiamento il motore principale del progresso musicale. Il libro sembra un antipode all'Insegnamento sull'armonia di Rameau, scritto duecento anni prima dell'opera di Schoenberg. Rameau è pieno di ottimismo illuminista, delizia di fronte agli immensi orizzonti che una nuova forma di espressione musicale ha aperto. Schoenberg riassume piuttosto i risultati. Il suo libro si conclude con ipotesi sulle possibilità di una costruzione di accordi diversa e non classica. Una delle opzioni è quella che in seguito costituirà la base della dodecafonia. È necessario notare in particolare la lingua in cui è scritta la "Dottrina dell'Armonia". È per mezzo di un linguaggio altamente poetico che Schoenberg ottiene l'effetto di riverenza per le opere classiche tra i lettori.

Schoenberg non è meno significativo come insegnante. Durante la sua vita, ha allevato più di mille studenti, tra i quali i più significativi sono Alban Berg, Anton Webern, Ernst Kschenek, Hans Eisler; in America, John Cage ha preso lezioni private da Schoenberg. Gli studenti di Schönberg divennero, insieme a Zemlinsky, il suo sostegno nella lotta per nuove idee musicali. Schoenberg credeva che l'insegnante dovesse essere un esempio per i suoi studenti, un modello. Molti studenti hanno scritto dell'influenza "magnetica" della sua personalità. Schoenberg non ha mai insegnato ai suoi studenti sui modelli della musica contemporanea. Credeva che un insegnante dovesse fornire agli studenti una base tecnica per la composizione e diceva che "ognuno dovrebbe guadagnarsi la libertà per se stesso". È interessante come Schoenberg abbia utilizzato nelle lezioni tutta l'esperienza che ha ricevuto nella sua vita multiforme. Eisler, che alla fine divenne noto come scrittore di cori e cantautore, credeva di doverlo al suo maestro: Schoenberg notò presto le sue inclinazioni e lo raccomandò a quei cori attivi che lui stesso aveva diretto un tempo; l'ideologia comunista e lo stile delle opere di Eisler si sono formati proprio in quest'opera, nel processo di composizione di musica per tali cori.

Artista

Anche l'interesse di Schönberg per la pittura fu costante. La sua biblioteca conteneva libri manifesto di Malevich, Kandinsky, Kokoschka. Era un artista professionista e, come accennato in precedenza, anche membro dell'Accademia delle arti prussiana. Per qualche tempo è stato membro dell'associazione artistica "Blue Horseman", che riunisce artisti principalmente espressionisti, il più significativo dei quali è Wassily Kandinsky. Schoenberg ha preso parte alle mostre di The Blue Rider e in una collezione dedicata al suo anniversario, due articoli hanno analizzato i suoi dipinti. Indubbiamente, Schoenberg è stato un artista molto importante, nello stile più vicino a Munch. E, senza dubbio, i suoi talenti sarebbero apprezzati se non fossero oscurati da risultati molto più sorprendenti nel campo della composizione.

Schoenberg ha scritto oltre 300 dipinti (puoi vederli qui) - molto più che opere musicali. Il culmine della creatività di Schoenberg nel genere della pittura cadde nel 1908-1912, cioè il periodo più fruttuoso del compositore, quando fece il passaggio all'atonalità, coronato dalla creazione di Pierrot Lunar. In questo momento, formula il suo credo di artista; qui si erge sulla posizione del puro espressionismo. Nell'articolo "Relazione con il testo" dichiara esplicitamente tutta la pittura fino ad oggi solo come una sorta di premessa alla necessaria completezza dell'espressione del pensiero; la vera storia della pittura inizia, secondo Schoenberg, solo con l'astrattismo.

In pratica, Schoenberg, tuttavia, non ha seguito le sue stesse linee guida. I suoi dipinti sono divisi in quattro grandi gruppi; si tratta di ritratti e autoritratti, nature morte, paesaggi, ecc. “Visioni”, quadri astratti, il cui significato si svela, come nella musica, solo nel processo dell'empatia.

Tutti questi gruppi sono molto importanti per la comprensione generale dell'estetica del compositore. I ritratti sono i più deboli dei suoi dipinti. Non caratterizzano particolarmente il compositore; molti di questi sono stati creati per conoscenti o familiari; tra questi però ci sono dei veri e propri capolavori, come, ad esempio, il ritratto di Mahler. Ma i numerosi autoritratti di Schoenberg sono stati dipinti con la più grande varietà. Schoenberg si raffigura da solo e tra le persone, a volte in modo completamente realistico, a volte in forma astratta - ad esempio, ama ritrarre se stesso come un teschio, individualmente o circondato da altri teschi. Tuttavia, tra gli autoritratti di Schoenberg non ce n'è uno in cui si ritragga gioioso. A giudicare da loro, il compositore ha guardato dentro se stesso solo con orrore, nonostante numerose testimonianze che nella vita fosse una persona completamente diversa.

Schoenberg ha relativamente poche nature morte e paesaggi. Nell'umore, sono l'esatto opposto degli autoritratti. Sono decisamente luminosi; nonostante tutte le sue affermazioni nichilistiche. Ovviamente, il romantico, nascosto nelle profondità dell'anima del compositore, percepisce ancora la natura e il mondo "materiale" come qualcosa di stabile, in opposizione al mondo inquieto dell'anima umana. Le nature morte di Schoenberg sono più realistiche, mentre i paesaggi sono francamente impressionisti, i loro caratteristici colori sfocati enfatizzano ulteriormente il loro stato d'animo ottimista.

Le “visioni” del compositore spaziano dall'astrazione assoluta al quasi caricaturale. Disegna spesso organi del corpo umano: mani, testa, ecc. E tutto questo in grandi quantità; ha anche molti dipinti chiamati "The Look". Questi dipinti sono tutti molto diversi sia nello stile di scrittura che nella loro natura emotiva. Per comprendere la loro struttura figurativa, lo spettatore ha bisogno della massima empatia, sentendosi nel mondo figurativo dell'immagine. Questo è espressionismo nella sua forma più pura, la maggior parte di loro si può dire con le parole di Eisler che "il loro stato d'animo dominante è la paura". Ad esempio, uno dei dipinti, intitolato "Carne" (con un tale nome anche per Schoenberg, è quanti dipinti) è, a prima vista, un insieme di pennellate senza senso. Solo conoscendo il titolo, possiamo capire che questa non è la carne da cui viene preparato il cibo, ma piuttosto i resti di colui che è morto in guerra. Ha anche immagini di giochi di ruolo: "The Critic", "The Winner", "The Defeated", ecc. In esse, l'orrore è mescolato con ironia e testi, come in "Pierrot Moonlight" - non senza motivo sono stati creati a lo stesso tempo. A volte le "Visioni" di Schoenberg sono associate a specifiche - quindi, ha diverse "Visioni di Cristo"; l'immagine di Cristo in queste immagini è direttamente opposta a quella biblica; solo la “trama” è tratta dalla Bibbia, e l'accento è posto sulle sofferenze di Cristo. Tuttavia, molto spesso nelle "visioni" Schoenberg non ci fornisce nemmeno tali linee guida. Si affida interamente ai nostri sensi. Nel sentimento di orrore che domina qui e negli autoritratti, si può in una certa misura scorgere anche una sorta di interezza: anche Schönberg si sente parte inseparabile del mondo terribile.

Schoenberg e l'ebraismo

L'atteggiamento di Schoenberg nei confronti dell'ebraismo è interessante. Nacque in una famiglia assolutamente irreligiosa e per lungo tempo fu del tutto indifferente in questo senso. Come musicista, si considerava un rappresentante della scuola tedesca. Quando Schoenberg arrivò per la prima volta al sistema dodecafonico, scrisse che assicurò il dominio della musica tedesca per i successivi cento anni. Non andò mai agli estremi di Herzl, che prima voleva unire cattolicesimo ed ebraismo in un'unica religione, per poi arrivare all'idea di uno stato ebraico. Schoenberg non era all'altezza. Herzl apparteneva all'élite, era un giornalista per un giornale influente - e Schoenberg era un plebeo che a volte non sapeva come guadagnarsi il pane quotidiano; la società dei compositori, alla quale lo introdusse Zemlinsky, era essenzialmente bohémien. Ma nonostante tutto, Schoenberg non ha mai rinunciato all'ebraicità. Indubbiamente, lui, così come tutta Vienna, non poteva che essere colpito dal battesimo forzato di Mahler: a quel tempo un non cristiano non poteva guidare il principale teatro d'opera dell'impero.

È significativo che Schoenberg abbastanza presto, già nel 1921, abbia attirato l'attenzione sulla sinistra figura di Hitler. Una volta l'artista Wassily Kandinsky, che fu per qualche tempo un compagno di pensiero di Schoenberg, si permise di parlare negativamente degli ebrei e incoraggiante di Hitler, le cui idee, secondo lui, potevano guarire lo spirito della nazione. In risposta alla risposta indignata del compositore, scrisse che Schoenberg era un "buon ebreo" e che tutto ciò che diceva non si applicava a lui. (Naturalmente, questo pensiero non era qualcosa di speciale ed era un tipico punto di vista del filisteo russo. Hai notato? Il filisteo russo non odia mai tutti gli ebrei senza eccezioni. Trova sempre piacevoli eccezioni tra loro - e loro, di regola , sono sue conoscenze personali.) Il compositore obiettò che forse Hitler non condivideva questo punto di vista. Scrisse: "Non vedi che sta preparando una nuova Notte di San Bartolomeo, e nel buio di questa notte nessuno si accorgerà che Schoenberg è un buon ebreo?" (Kandinsky successivamente riconobbe il regime di Hitler e rimase nella Germania nazista.)

L'opera più sorprendente su un tema ebraico, scritta in Germania, è l'opera Moses and Aaron. È stato creato nel 1932 ed era una sorta di protesta contro l'imminente minaccia del fascismo. In tempi terribili, il compositore ritorna all'alta etica della Torah. Schoenberg concepì quest'opera come un antipode alle opere di Wagner, che un tempo adorava. Nelle opere mature di Wagner, tutte le prelibatezze si distinguono principalmente per la loro forza, e chi vince, positivo o negativo che sia, vince solo con l'aiuto della forza. Il potere è l'alfa e l'omega del mondo di Wagner. Tutta la lotta tra gli eroi, tutti gli intrighi sono commessi solo in nome della forza e del potere; nei "Nibelunghi" c'è persino un simbolo speciale per loro: l'anello sfortunato. Da un punto di vista morale, gli eroi non rientrano in alcuna norma, rubano, uccidono, commettono adulterio - agli eroi "ariani" non solo è permesso tutto questo come razza superiore, ma anche incoraggiati - in casi estremi, ci sono minori " resa dei conti" tra di loro.

In Schoenberg, gli eroi vincono con l'aiuto del pensiero, solo per la loro elevata moralità e purezza di pensieri. L'opera è basata sull'episodio in cui Mosè si recò nel Sinai per i dieci comandamenti. Come sai, Aaron, in sua assenza, ha fatto un compromesso per calmare la gente e ha creato il vitello d'oro. Da questo episodio, il cui contenuto si può riassumere in due frasi, Schoenberg ha creato un vero e proprio dramma di idee. Si svolge sotto forma di un confronto tra il bene e il male, che sono personificati nelle immagini di Mosè e Aronne. Il compositore, che non ha mai fatto compromessi in vita sua, li considera un male assoluto e non può essere giustificato da nessuna buona intenzione. Molto spesso doveva osservare come le persone che facevano un patto con la propria coscienza o semplicemente sottovalutavano il pericolo (lo stesso Kandinsky, per esempio) diventavano in seguito servi del diavolo. Il guaio è che la gente ascolta non il più saggio, ma quello che fa più rumore. Quindi, senza alcuna pietà, è raffigurato nell'opera "Mosè e Aronne". Certamente si sforza per il meglio, ma questa è una massa ignorante, e il leader non può assecondare gli istinti animali di questa massa - per questo lui stesso è responsabile davanti alla sua coscienza e davanti a Dio. Il guaio è che, secondo la Torah, Mosè è muto, e Aronne deve trasmettere al popolo i pensieri del profeta. Sono collegati tra loro, come il bene e il male sono collegati nella vita. Ma cosa succede se la "bocca" è tagliata fuori dalla "mente" e non esprime ciò che è necessario? Schoenberg non ha risposta a questa domanda. Frase conclusiva di Mosè "O parola, parola che non ho!" esprime abbastanza la disperazione del compositore in quel momento. (Per amor di precisione, si noti che in seguito, nel tentativo di assicurarsi la produzione della sua opera, Schoenberg volle attribuire un finale ottimista, continuando la trama e descrivendo la successiva rappresaglia. Ma questo era così contrario allo stile generale del opera che solo poche frasi del libretto sono rimaste dal previsto terzo atto.)

Il linguaggio musicale dell'opera è anche l'opposto di quello wagneriano. La tecnica della dodecafonia, basata sull'unità del materiale dell'intera opera, è il modo migliore per trasmettere l'unità del popolo con Dio, l'unità dei capi con il popolo, l'indivisibilità del bene e del male; e allo stesso tempo, grazie alle possibilità quasi illimitate di trasformare la serie: la divisione delle persone, l'incomprensione reciproca tra i leader e le persone, il tragico confronto tra il bene e il male. Non è un caso che "Mosè e Aronne" sia la più grande opera dodecafonica di Schoenberg. Nonostante l'assenza di un conflitto amoroso (che provoca anche Wagner - secondo Schoenberg, non sono le passioni a governare il mondo), l'opera è eccezionalmente scenica. Il recitativo flessibile trasmette perfettamente tutte le sottigliezze degli stati d'animo, i cori parlanti sono usati nelle scene di conflitto, la danza intorno al vitello d'oro nel temperamento e nel suo pronunciato sapore orientale "selvaggio" è paragonabile alle Danze Polovtsian del Principe Igor di Borodin o alla Danza di i Sette Veli da "Salomè" di R. Strauss.

Dopo essere emigrato in Francia nel 1933, Schoenberg adotta in modo dimostrativo la fede ebraica. Vivendo in America, diventa l'antifascista più implacabile, e questa non è solo solidarietà con gli oppressi e i sofferenti, ma anche una spiccata posizione ebraica. "Ode a Napoleone" è spesso paragonata a "La carriera di Arturo Hui". Entrambe le opere sono molto simili: si tratta di allegorie su un tema riconoscibile per tutti in quel momento. La differenza è che l'opera di Brecht è stata scritta dalla posizione di un nemico ideologico, mentre l'opuscolo musicale di Schönberg è stato scritto dalla posizione di una vittima. E sebbene entrambe le opere siano molto potenti, ma questo effetto è per sua natura diverso.

L'opera più sorprendente di Schoenberg su un tema ebraico, creata in America, è "The Survivor of Warsaw" per un lettore, coro maschile e orchestra. Il compositore è rimasto scioccato dal meccanismo hitleriano di totale annientamento delle persone indifese che si è aperto dopo la liberazione del ghetto di Varsavia. La storia è raccontata dal punto di vista di un narratore immaginario che presumibilmente è riuscito a fuggire; Schoenberg ha scritto il testo stesso. Il lettore non è stato scelto a caso per la parte solista. Secondo il compositore, nessuna quantità di canto potrebbe trasmettere l'orrore di ciò che è stato vissuto dai prigionieri. Il lavoro si conclude con un dipinto di ebrei che vanno verso la morte, cantando "Shema Israel". Una preghiera giustamente citata eseguita da un coro maschile in ebraico è una sorta di catarsi inquietante; nonostante tutto, la spiritualità vince ancora.

Alla fine della sua vita, Schoenberg si interessò ancora di più alle questioni ebraiche. Ha accolto con favore la creazione dello Stato di Israele, ha scritto molte opere spirituali e negli ultimi anni si sarebbe trasferito a Gerusalemme. Queste intenzioni erano senza dubbio le più serie, ma dopotutto, una volta che il compositore stava andando seriamente in Unione Sovietica. In un modo o nell'altro, non riesco a immaginare Schoenberg con il suo estetismo, con la sua sensazione di essere un cittadino del mondo, con la sua stretta connessione con la tradizione europea nell'Israele in marcia di Ben-Gurion. La morte risolse questo problema e misericordiosamente salvò Schoenberg dalla disillusione con l'idea ebraica.