Nomina opere musicali di genere da camera. Concetti base della musica da camera

La musica da camera contemporanea consiste quasi sempre in un ciclo di sonate in tre o quattro movimenti. Oggi, la base del repertorio strumentale da camera sono le opere dei classici: quartetti e trii d'archi di Mozart e Haydn, quintetti d'archi di Mozart e Boccherini e, naturalmente, quartetti di Beethoven e Schubert.

Nel periodo postclassico, un gran numero di compositori famosi appartenenti a movimenti diversi preferirono scrivere musica da camera, ma solo alcuni dei suoi campioni riuscirono a prendere piede nel repertorio comune: ad esempio, i quartetti d'archi di Ravel e Debussy , così come un quartetto per pianoforte scritto da Schumann.

Il concetto di "musica da camera" implica duetti, quartetti, settetti, trii, sestetti, ottetti, nonetti, E decimeti, con abbastanza diverse composizioni strumentali. La musica da camera comprende alcuni generi per l'esecuzione solista con accompagnamento. Si tratta di romanzi o sonate strumentali. L '"opera da camera" implica un'atmosfera da camera e un piccolo numero di artisti.

Il termine "orchestra da camera" si riferisce ad un'orchestra composta da non più di 25 esecutori. In un'orchestra da camera ogni esecutore ha la propria parte.

La musica da camera per archi raggiunse il suo apice di sviluppo soprattutto sotto Beethoven. Dopo di lui Mendelssohn, Brahms, Schubert e molti altri famosi compositori iniziarono a scrivere musica da camera. Tra i compositori russi, Čajkovskij, Glinka, Glazunov e Napravnik hanno lavorato in questa direzione.

Per sostenere questo tipo di arte a San Pietroburgo, la Società musicale russa, così come la comunità di musica da camera, hanno organizzato vari concorsi. Quest'area comprende romanze per canto, sonate per strumenti ad arco e pianoforte, nonché brevi brani per pianoforte. La musica da camera deve essere eseguita con grande finezza e dettaglio.

La vera musica da camera ha un carattere piuttosto profondo e mirato. Per questo motivo i generi da camera vengono percepiti meglio in stanze piccole e in un ambiente libero che nelle normali sale da concerto. Questo tipo di arte musicale richiede una sottile conoscenza e comprensione delle forme e dell'armonia, e il contrappunto è stato sviluppato poco dopo, sotto l'influenza dei grandi.

Concerto di musica da camera – Mosca

Oggi parleremo di cos'è la musica da camera. Stiamo parlando di opere incarnate da un piccolo gruppo di interpreti. Nella musica orchestrale ci sono gruppi di strumenti che suonano all'unisono. Nel caso che ci interessa ogni parte ha un solo suono.

Origine del termine

Dal XVI al XVIII secolo. alla domanda su cosa sia la musica da camera è stata data una risposta semplice, definendola l'opposto del canto da chiesa. Questo era il nome di qualsiasi opera secolare. Più tardi, quando si parlava di cosa fosse la musica da camera, si intendeva la creatività pensata per una cerchia ristretta di ascoltatori e un piccolo numero di esecutori.

Nei secoli XIX e XX questa direzione non era più destinata a “pochi eletti”. Pertanto, il termine ha mantenuto il suo significato, descrivendo opere destinate ad essere eseguite da piccoli gruppi per un piccolo gruppo di ascoltatori.

Musicisti

L'orchestra da camera e il suo ensemble di accompagnamento sono un gruppo che incarna la musica che ci interessa. Molto spesso, questo gruppo comprende da una coppia a dieci musicisti. In alcuni casi potrebbero essercene di più. L'orchestra da camera ha diverse composizioni storicamente stabilite. Questi includono un quintetto o trio d'archi e pianoforte.

Strumenti, piattaforme

Parlando di orchestra da camera si presuppone una composizione per archi ridotta. A volte possono essere aggiunti alcuni strumenti in ottone. Quando si risponde alla domanda su cosa sia la musica da camera, è necessario notare separatamente che viene eseguita in stanze relativamente piccole.

L'esecuzione delle opere che ci interessano nei concerti pubblici ha cambiato il significato del termine. Dal XVIII secolo l'espressione è stata applicata a opere in cui tutte le parti sono relativamente uguali e ciascuna di esse è rappresentata da uno strumento.

Storia

I generi della musica da camera sono focalizzati e approfonditi; si percepiscono al meglio nell'ambiente libero di piccole stanze. Le grandi sale non sono adatte a questa direzione. Nella storia del fenomeno che ci interessa sono visibili 3 periodi. Nel periodo 1450-1650. C'è stato uno sviluppo delle tecniche esecutive per viole e altre famiglie di strumenti.

C'è stata una graduale separazione della musica strumentale pur mantenendo lo stile vocale. Opere di musica da camera di questo periodo sono sopravvissute fino ai giorni nostri. Tra questi si possono ricordare i sonetti e le canzoni di Giovanni Gabrieli e le fantasie di Orlando Gibbons. Il successivo periodo condizionale durò nel 1650-1750.

In questo momento si diffuse il genere della sonata a tre. Si stanno sviluppando anche altri ensemble: strumentali e con la partecipazione di voci, che sono necessariamente accompagnate da un basso digitale di uno strumento a tastiera.

Tra i rappresentanti della sonata a tre di questo periodo vanno segnalati Händel, Henry Purcell e Arcangelo Corelli. Il terzo periodo iniziò nel 1750 e continua fino ai giorni nostri. Si distingue per la predominanza di un quartetto d'archi, composto da violoncello, viola e due violini.

Modernità

La struttura principale della musica da camera è un ciclo di sonate in tre o quattro movimenti, forme libere da programma. Le opere orchestrali del XIX secolo sono caratterizzate da una predilezione per quest'ultima. Il moderno repertorio strumentale da camera oggi si basa su varie opere di classici.

In particolare si possono ricordare i quartetti d'archi e i trii di Mozart, Haydn, opere di Mozart, Boccherini, Schubert e Beethoven. Nel periodo postclassico, la maggior parte dei maggiori compositori appartenenti a diversi movimenti - espressionismo, impressionismo, romanticismo - crearono musica da camera. Allo stesso tempo, solo pochi campioni sono riusciti a prendere piede nel repertorio generalmente popolare.

Qui è opportuno ricordare il quintetto per pianoforte di Schumann, nonché opere di Brahms, Debussy e Ravel. Secondo la classificazione accettata, il concetto di “musica da camera” comprende decimeti, nonetti, ottetti, settetti, sestetti, quintetti, quartetti, trii, duetti con una varietà di strumenti. Questa direzione include anche alcuni generi di assolo con accompagnamento.

Gli esempi includono romanzi o sonate strumentali. C'è anche un'opera da camera. Un esempio di ciò è “Ariadne auf Naxos”, di R. Strauss. Questo tipo di lavoro implica un'atmosfera d'azione da camera e un piccolo numero di artisti. Il termine "orchestra da camera" è usato per descrivere un ensemble il cui numero non supera le venticinque persone.

Questo fenomeno era più comune nell'era di Mozart e Haydn. Da non confondere con “piccola orchestra”. È considerata una versione più piccola di quella grande.

Allo stesso tempo, l'“orchestra da camera” si distingue per la presenza di un solo esecutore per ogni parte. In questo caso, tutti gli elementi hanno una significativa indipendenza. Un'orchestra da camera a volte è composta da uno strumento solista, a corda o a fiato, e da un pianoforte. Sono possibili anche altre opzioni. Ad esempio, un duetto per pianoforte.

MUSICA DA CAMERA (dal Medioevo, latino camera - room; italiano musica de camera; francese musique de chambre; inglese musica da camera; tedesco Kammermusik) - un tipo di arte musicale destinata all'esecuzione in piccole stanze o a casa suonando musica. È caratterizzato da composizioni strumentali specifiche (da un solista a più, uniti in un ensemble) e caratteristiche della presentazione musicale: dettagli dei mezzi espressivi melodici, intonaci, ritmici e dinamici. Ha un grande potenziale per trasmettere le emozioni e le gradazioni più sottili degli stati mentali di una persona. Sebbene le origini della musica da camera risalgano al Medioevo, il termine si affermò nei secoli XVI e XVII. Durante questo periodo, la musica da camera, a differenza della musica sacra e teatrale, significava musica secolare destinata all'esecuzione in casa o alle corti dei monarchi. K ser. 18esimo secolo Ciò rende sempre più chiara la differenza tra musica da camera e musica da concerto (orchestrale e corale).

Un genere speciale sono le MINIATURE DA CAMERA-STRUMENTALI. Nei secoli XIX e XX. sono spesso combinati in cicli. Tra questi: "canzoni senza parole" di Mendelssohn, opere teatrali di R. Schumann, valzer, notturni, preludi e studi di F. Chopin, opere di piccola forma di A. N. Scriabin, S. V. Rachmaninov, "Fleetiness" e "Sarcasms" di S. . S. Prokofiev, preludi di D. D. Shostakovich, “Marginalia” di J. Rääts, scr. opere come “Melodies” e “Scherzo” di P. I. Tchaikovsky, preludi di Tsintsadze, ecc.

Dalla fine 18esimo secolo e soprattutto nel XIX secolo. La MUSICA VOCALE DA CAMERA (nei generi della canzone e del romanticismo) occupava un posto di rilievo nell'arte. I compositori romantici gli prestarono un'attenzione eccezionale. Hanno introdotto il genere delle miniature vocali, nonché i cicli vocali e di canzoni, uniti da un'idea (Winter Reise di F. Schubert, Love and Life of a Woman di R. Schumann, ecc.). I generi della canzone e del romanticismo ricevettero uno sviluppo diffuso in Russia (dal XVIII secolo); altezze artistiche di M. I. Glinka, A. S. Dargomyzhsky, P. I. Tchaikovsky, A. P. Borodin, M. P. Mussorgsky, I. A. Rimsky-Korsakov, S. V. Rachmaninov.

SONATA (sonata italiana, da sonare - a suono) è uno dei principali generi di musica strumentale. Nel XVI secolo Il concetto di Sonata è stato stabilito come una composizione destinata all'esecuzione strumentale, in contrasto con la cantata, all'esecuzione vocale. La Sonata venne formata nel corso del XVIII secolo. Lo stile è classico. Sonata viennese - nelle opere di J. Haydn, W. A. ​​​​Mozart, M. Clementi S. è una sonata-sinfonia in 3 parti. ciclo e coinvolge non più di due artisti.

TRIO (trio italiano, dal latino tres, tria - tre) - 1) un insieme di artisti di tre persone; vedi anche Terzetto. 2) Produzione musicale. per tre strumenti o voci cantate. Esempi eccezionali del trio con pianoforte sono stati creati da L. Beethoven, F. Schubert, R. Schumann, J. Brahms, P. I. Tchaikovsky, S. I. Taneyev, S. V. Rachmaninov, D. D. Shostakovich.

QUARTETTO (quartetto italiano, dal latino quartus - quarto; francese quatuоr; tedesco Quartett; inglese quartetto) - 1) un ensemble di 4 esecutori (strumentisti o cantanti). Nella musica strumentale da camera possono essere omogenei (4 ad arco, 4 a fiato, 4 a fiato, ecc.) o misti. Gli archi (ad arco) (2 violini, viola, violoncello) si diffusero.

PRELUDIO, preludio (latino della metà del secolo praeludium, dal latino praeludo - suono in anticipo, faccio un'introduzione), - un piccolo pezzo strumentale. Inizialmente di natura improvvisativa, l'introduzione al pezzo principale (di solito una fuga) di un ciclo in due parti (P. e fughe di D. Buxtehude, “HTK” di J. S. Bach) o ad un'opera ciclica in più parti. Nei secoli XVI-XVIII. Il genere sta emergendo come un'opera teatrale indipendente, simile per natura e tipo di presentazione al fantasy. Nel 19 ° secolo diventa uno dei generi più diffusi di piccole forme nell'opera dei compositori romantici (cicli di preludi di F. Chopin, A. N. Scriabin, ecc.). Nelle opere dei compositori del 20 ° secolo. viene interpretato in molti modi: può svolgere una funzione introduttiva (D. D. Shostakovich, R. K. Shchedrin), essere un pezzo indipendente (di S. V. Rachmaninov, Shostakovich) o una composizione ampliata (Preludio op. 44 di Schoenberg, “Preludi” per orchestra. Debussy ).

ETUDE (dal francese etude - letteralmente insegnare, studiare) è un brano musicale istruttivo, originariamente destinato solo a migliorare le capacità tecniche di suonare uno strumento. Lo sviluppo del genere è principalmente associato al suo periodo di massimo splendore nel XIX secolo. esecuzione virtuosistica del pianoforte. Successivamente appaiono per violino (R. Kreutzer, P. Rohde), violoncello (D. Popper) e altri strumenti. Tra i compositori romantici (N. Paganini, F. Liszt, F. Chopin, R. Schumann, F. Mendelssohn, J. Brahms, ecc.) diventa un'opera artisticamente significativa, interpretata sia come un brillante pezzo da concerto sia come una miniatura come come preludio. Più tardi nelle opere di compositori russi (A.K. Lyadov, A.S. Arensky, S.V. Rachmaninov, A.N. Scriabin, I.F. Stravinsky), sovietici (S.S. Prokofiev, D.D. Shostakovich, N.P. Rakov, D.D. Kabalevskij, ecc.) e stranieri (C. Debussy, O. Messiaen, B. Bartok, K. Szymanowski, ecc.), sviluppando una certa abilità esecutiva, conserva il valore della composizione artistica.

LA CANZONE (latino cantus, cantio; italiano canzona; francese chanson; canzone inglese; Lied tedesco) è il genere più comune di musica vocale, nonché una designazione generale di un'opera poetica destinata al canto o alla recitazione cantata. La classificazione del genere può essere effettuata secondo vari criteri: contenuto verbale e musicale (rivoluzionario, patriottico, lirico, satirico, marcia, danza, ecc.), funzionamento sociale (contadino, urbano, quotidiano, combattimento militare, ecc.), struttura ed esecuzione. composizione (singola e polifonica, solistica e corale, con e senza accompagnamento strumentale). La forma musicale è legata alla struttura e al contenuto del testo poetico. La forma più comune è la canzone dell'autore, creata dal compositore (non folclore). Tra i maggiori compositori: F. Schubert, R. Schumann, J. Brahms, H. Wolf, G. Mahler, R. Strauss (Austria e Germania); G. Berlioz, C. Gounod, J; Massenet, G. Foret (Francia); L. A. Alyabyev, M. I. Glinka, A. S. Dargomyzhsky, A. P. Borodin, M. P. Mussorgsky, P. I. Tchaikovsky, S. V. Rachmaninov (Russia).

Allo stesso tempo, dall'inizio. 20 ° secolo il concetto di canzone d'autore ha acquisito un doppio significato: canzone (romantica) - un genere "alto" di musica seria composta da un compositore principalmente per prestazioni professionali, e canzone "popolare" (compresi pop e messa), spesso creata senza scritta documentazione da parte degli stessi artisti (in Francia - chansonniers, negli Stati Uniti, Gran Bretagna e altri paesi - musicisti rock, in URSS - i cosiddetti bardi.

ROMANCE (romanzo spagnolo) è un'opera vocale da camera per voce e strumento. Il termine ha origine in Spagna e originariamente denotava una poesia in spagnolo ("romano"), destinata all'esecuzione musicale. Si differenzia dalla canzone per il maggior dettaglio della melodia e il suo legame con le parole, nonché per il ruolo espressivo dell'accompagnamento strumentale. I romanzi sono divisi in varietà di genere: ballata, elegia, barcarolle, ecc. Nel XIX secolo. R. diventa uno dei generi principali, riflettendo la tendenza caratteristica dell'era del romanticismo: la riproduzione del mondo interiore dell'uomo in tutte le sfumature psicologiche (le opere di F. Schubert, R. Schumann, J. Brahms, H. Wolf , ecc.) Per tutto il XIX secolo. scuole nazionali si stanno formando in Russia (M. I. Glinka, A. S. Dargomyzhsky, M. A. Balakirev, Ts. A. Cui, M. P. Mussorgsky, A. P. Borodin, N. L. Rimsky-Korsakov, P. I. Tchaikovsky, S. V. Rachmaninov), in Francia (C. Gounod, J. Bizet, J. Massenet), nella Repubblica Ceca (B. Smetana, A. Dvorak), in Polonia (M. Karlovich, K. Szymanowski), in Norvegia (H. Kjerulf, E. Grieg), ecc. secolo. il problema della sintesi di musica e poesia si pone in un modo nuovo: compaiono poesie con musica (S. I. Taneyev, Rachmaninov, N. K. Medtner, S. S. Prokofiev, K. Debussy), versi liberi e persino prosa sono ampiamente usati come testo ; vengono utilizzate nuove tecniche di declamazione (A. Schoenberg); I generi musicali e discorsivi popolari penetrano nel romanticismo (I. F. Stravinsky). La tradizione romanza ha ricevuto sviluppo creativo dai compositori sovietici (Prokofiev, Shostakovich, N. Ya. Myaskovsky, A. A. Alexandrov, Yu. A. Shaporin, Sviridov).

VOCALIZE (vocalizzazione francese, dal latino vocalis - suono vocale; sonoro, melodioso) - 1) un esercizio eseguito su un suono vocale per lo sviluppo della tecnica vocale, appositamente composto o improvvisato dal cantante. 2) Un pezzo da concerto, solitamente per soprano con accompagnamento strumentale. L'assenza di parole e cantilenza, a volte virtuosismo ("Vocalise in forma di habanera" di Ravel) permettono di mostrare chiaramente la bellezza e lo sviluppo della voce ("Vocalise" di Rachmaninov). Nel 20 ° secolo V. si avvicina ai generi strumentali (5 melodie per voce o violino e pianoforte di Prokofiev; studio di Szymanowski), compresi quelli di grandi dimensioni (sonata-Vocalise, suite-Vocalise di Medtner; concerto per voce e orchestra di Gliere).

Musica strumentale destinata ad essere eseguita in una piccola stanza da un piccolo gruppo di esecutori (ensemble, orchestra da camera). Il termine “musica da camera” fu usato per la prima volta nel 1555 da N. Vicentino. Nei secoli XVI e XVII, “da camera” era il nome dato alla musica profana (vocale, e dal XVII secolo anche strumentale), suonata in casa e a corte; nei secoli XVII e XVIII nella maggior parte dei paesi europei, i musicisti di corte portavano il titolo di “musicisti da camera” (in Russia questo titolo esisteva nel XVIII e all'inizio del XIX secolo; in Austria e Germania è stato conservato fino ai giorni nostri come titolo onorifico per strumentisti). Nel XVIII secolo, la musica da camera veniva ascoltata principalmente nei salotti dell'alta società in una ristretta cerchia di intenditori e dilettanti; dall'inizio del XIX secolo furono organizzati concerti da camera pubblici; verso la metà del XIX secolo divennero parte integrante dell'arte europea; vita musicale. Con la diffusione dei concerti pubblici gli artisti da camera cominciarono a essere chiamati musicisti professionisti che si esibiscono in concerti eseguendo musica da camera. Tipi stabili di ensemble da camera: duetto, trio, quartetto, quintetto, sestetto, settetto, ottetto, nonetto, decimeto. Un ensemble vocale di circa 10-20 artisti è tipicamente chiamato coro da camera; un ensemble strumentale che unisce più di 12 artisti è un'orchestra da camera (i confini tra una camera e una piccola orchestra sinfonica non sono chiari).

La forma strumentale più sviluppata di musica da camera è la sonata ciclica (nei secoli XVII e XVIII - trio sonata, sonata solista non accompagnata o con accompagnamento di basso continuo; esempi classici - A. Corelli, J. S. Bach). Nella seconda metà del XVIII secolo, J. Haydn, K. Dittersdorf, L. Boccherini, W.A. Mozart formarono i generi della sonata classica (assolo e ensemble), trio, quartetto, quintetto (contemporaneamente alla tipizzazione delle composizioni esecutive), una certa connessione tra la natura della presentazione di ciascuna parte e le capacità dello strumento a cui è destinata (in precedenza era consentita l'esecuzione della stessa composizione da parte di diverse composizioni di strumenti). Nella prima metà del XIX secolo L. van Beethoven, F. Schubert, F. Mendelssohn, R. Schumann e molti altri compositori componevano per ensemble strumentali (principalmente quartetti d'archi). Nella seconda metà del 19° secolo, esempi eccezionali di musica da camera furono creati da J. Brahms, E. Grieg, S. Frank, B. Smetana, A. Dvorak, nel 20° secolo - C. Debussy, M. Ravel, P. Hindemith, L. Janacek, B. Bartok e altri La musica da camera si è diffusa in Russia a partire dagli anni Settanta del Settecento; I primi ensemble strumentali furono scritti da D. S. Bortnyansky. La musica da camera ha ricevuto ulteriore sviluppo da A. A. Alyabyev, M. I. Glinka e ha raggiunto il più alto livello artistico nelle opere di P. I. Tchaikovsky e A. P. Borodin. Molta attenzione è stata prestata all'ensemble da camera di S. I. Taneyev, A. K. Glazunov, S. V. Rachmaninov, N. Ya Myaskovsky, D. D. Shostakovich, S. S. Prokofiev. Nel processo di sviluppo storico, lo stile della musica da camera è cambiato in modo significativo, avvicinandosi al concerto sinfonico o virtuosistico (sinfonizzazione di quartetti di Beethoven, Čajkovskij, quartetti e quintetti di Schumann e Brahms, caratteristiche concertistiche in sonate per violino e pianoforte: n. 9 “Kreutzer” di Beethoven, Sonata di Franck, N. 3 di Brahms, N. 3 di Grieg). D'altra parte, nel XX secolo, si diffusero sinfonie e concerti per un piccolo numero di strumenti, diventando varietà di generi da camera: sinfonia da camera (ad esempio, la quattordicesima sinfonia di Shostakovich), "musica per ..." (Musica per archi , percussioni e celesta Bartók), concertina, ecc. Un genere speciale di musica da camera sono le miniature strumentali (nel XIX e XX secolo venivano spesso combinate in cicli). Tra questi: "canzoni senza parole" per pianoforte di Mendelssohn, opere teatrali di Schumann, valzer, notturni, preludi e studi di F. Chopin, opere per pianoforte da camera di piccola forma di A. N. Scriabin, Rachmaninov, N. K. Medtner, brani per pianoforte di Čajkovskij, Prokofiev , molti brani per vari strumenti di compositori nazionali e stranieri.

Dalla fine del XVIII secolo e soprattutto nel XIX secolo, anche la musica vocale da camera (genere canzone e romanza) occupò un posto di rilievo. I compositori romantici hanno introdotto il genere delle miniature vocali, nonché i cicli di canzoni ("The Beautiful Miller's Wife" e "Winter Reise" di F. Schubert, "The Love of a Poet" di R. Schumann, ecc.). Nella seconda metà del XIX secolo, J. Brahms prestò molta attenzione alla musica vocale da camera; nell'opera di H. Wolf, i generi vocali da camera occuparono una posizione di leadership; I generi della canzone e del romanticismo furono ampiamente sviluppati in Russia; M. I. Glinka, P. I. Tchaikovsky, A. P. Borodin, M. P. Mussorgsky, N. A. raggiunsero vette artistiche in essi. Rimsky-Korsakov, S. V. Rachmaninov, S. S. Prokofiev, D. D. Shostakovich, G. V. Sviridov.

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SERGEY VASILIEVICH RACHMANINOV – 1873-1943. Provincia di Novgorod

LUDWIG VAN BEETHOVEN (Beethoven) – 1770-1827. Bonn

JOHANNES BRAHMS (Brahms) – 1833-1897. Amburgo

GEORGES BIZET (Bizet) – 1838-1875. Parigi

JOHANN SEBASTIAN BACH (Bach) – 1685-1750. Eisenach

SERGEI VASILYEVICH RAHMANINOV

Sergei Vasilyevich Rachmaninov è nato il 20 marzo (1 aprile, nuovo stile) 1873. Per molto tempo, il luogo di nascita è stato considerato la tenuta dei suoi genitori Oneg, non lontano da Novgorod. Le ricerche degli ultimi anni nominano la tenuta Semenovo nel distretto di Starorussky nella provincia di Novgorod. Il padre del compositore, Vasily Arkadyevich, figlio di Varvara Vasilievna e Arkady Aleksandrovich Rachmaninov, proveniva dalla nobiltà della provincia di Tambov. La madre, Lyubov Petrovna, era la figlia di Sofia Alexandrovna e Pyotr Ivanovich Butakov, che vivevano permanentemente a Novgorod.

La passione per la musica era una caratteristica dei Rachmaninoff. Si manifestava chiaramente nel nonno del compositore, Arkady Aleksandrovich Rachmaninov. Eccellente pianista, allievo di J. Field, si esibì in concerti di beneficenza e nei saloni di musica a Tambov, Mosca, San Pietroburgo e conosceva importanti musicisti del suo tempo. Il talento musicale di S. V. Rachmaninov è stato scoperto già nella prima infanzia. Dall'età di 4 anni, ha iniziato a imparare a suonare il pianoforte, prima sotto la guida di sua madre, poi A.D. Ornatskaya, un'amica dei genitori del compositore. All'inizio degli anni Ottanta dell'Ottocento, gravi avversità si abbatterono sulla famiglia Rachmaninov: la distruzione del benessere materiale della famiglia, la vendita di Onega e il trasferimento a San Pietroburgo.

LUDWIG VAN BEETHOVEN

Compositore tedesco giustamente considerato il più grande creatore di tutti i tempi. Il suo lavoro è classificato sia come classicismo che come romanticismo; anzi, va oltre tali definizioni: le opere di Beethoven sono, prima di tutto, espressione della sua brillante personalità.

Bonn nella seconda metà del XVIII secolo era una piccola cittadina dei Pirenei, residenza del principe di Colonia. Fu qui nel dicembre 1770 che nacque il futuro brillante compositore. La data esatta della nascita di Ludwig non è stata stabilita, si conosce solo la data del suo battesimo: 17 dicembre.

Questo principato, come ogni altro in Germania, era di carattere ecclesiastico. Ma la chiesa, per la gioia dei residenti, e soprattutto dei numerosi cortigiani e della nobiltà cittadina, non interferiva con ogni tipo di intrattenimento e piacere. In un’epoca in cui non c’erano la televisione, né la radio, né i computer (anche se è difficile per noi, persone viziate dalla civiltà, immaginare una cosa del genere), la musica, la musica dal vivo, giocava un ruolo importante nella vita delle persone.

Ludwig ha ereditato molti dei suoi tratti caratteriali da suo nonno, Louis Beethoven. Orgoglio, carattere indipendente, perseveranza ed efficienza: tutte queste qualità erano inerenti sia al nonno che al suo famoso nipote.

Prima di Louis Beethoven, tutti nella loro famiglia erano semplici artigiani e aratori fiamminghi. E solo lui ha avuto la fortuna di diventare un musicista, il che ha predeterminato il destino di Ludwig. Nel 1732, un giovane musicista lasciò la sua città natale in cerca di felicità e prosperità. Il destino lo ha portato a Bonn. Dopo molti anni di duro lavoro, il giovane, giunto in città a piedi con lo zaino in spalla, divenne direttore d'orchestra nella cappella di corte, cosa che gli permise di occupare una posizione rispettata nella società.

JOHANNES BRAHMS

Insieme a Richard Wagner, la figura creativa più importante della musica tedesca della seconda metà del XIX secolo è Johannes Brahms. L'opera di Brahms e quella di Wagner segnano direzioni e tendenze diverse, in gran parte opposte, nello sviluppo dell'arte musicale tedesca. Brahms, rispetto a Wagner, risolse diversi problemi creativi e perseguì diversi obiettivi artistici. A differenza di Wagner, che apparteneva interamente alla Germania e alla cultura tedesca, Brahms, nato e cresciuto in Germania, fu associato all'Austria, a Vienna, per una parte significativa della sua opera; a differenza di Wagner, che si dedicò interamente al dramma musicale, Brahms non scrisse opere e non era interessato a questo tipo di creatività; Anche Brahms non aveva una particolare predilezione per la musica a programma del tipo scritto da Berlioz e Liszt. Ma, seguendo altri percorsi, Brahms creò opere sinfoniche, da camera, per pianoforte e vocali che occuparono il loro giusto posto nel patrimonio musicale classico, basato sulle tradizioni vitali dell'arte popolare e dei classici nazionali tedeschi. Come l'opera di Wagner, ma sotto aspetti diversi, l'opera di Brahms appartiene ai più alti risultati della musica tedesca della seconda metà del XIX secolo.

La ferma dipendenza di Brahms dalle tradizioni classiche, la conservazione di forme musicali storicamente consolidate: tutto ciò si opponeva all'atteggiamento di Wagner<<бесконечной мелодии>> e le principali tendenze del tardo romanticismo in musica. Pertanto, Brahms divenne il centro creativo di un movimento nella musica tedesca che si opponeva a tutti i cosiddetti<<музыки будущего>>, come venivano ironicamente soprannominate la regia di Liszt nel campo della musica a programma e quella di Wagner nel campo del dramma musicale. Brahms ha firmato una dichiarazione ufficiale contro<<музыки будущего>> (espressione<<музыка будущего>>preso in prestito dall'opera letteraria di Wagner<<Художественное произведение будущего>>.) e pubblicata nel 1860 sul giornale<<Берлинское эхо>> (<>). Questa era, in generale, la posizione di Brahms nella musica tedesca.

GEORGES Bizet

Georges Bizet nasce a Parigi il 25 ottobre 1838. Prende il nome dai nomi sonori di tre comandanti: Alessandro - Cesare - Leopoldo, ma in famiglia lo chiamavano Georges. Con questo nuovo nome Bizet passò alla storia. I suoi genitori erano musicisti: suo padre era un insegnante di canto, sua madre suonava il pianoforte e divenne la prima insegnante di musica di suo figlio; A casa di Bizet si suonava molta musica. Le eccezionali capacità di Bizet si rivelarono presto: all'età di quattro anni conosceva già la musica, a dieci entrò al Conservatorio di Parigi, dove rimase per nove anni. Nonostante il fatto che, come disse in seguito Bizet, si dedicasse alla musica solo con riluttanza - era più attratto dalla letteratura - i suoi studi al conservatorio ebbero successo. Il giovane Bizet ricevette più volte premi in concorsi interni al conservatorio - in pianoforte e organo, polifonia e composizione, che si conclusero nel 1857 con il ricevimento del Gran Premio di Roma, che concedeva il diritto a un lungo viaggio all'estero. Dotato di un orecchio fenomenale per la musica, memoria e intuizione creativa, Bizet padroneggiò facilmente le conoscenze fornite dal conservatorio. È vero, il corso di teoria della composizione soffriva di dogmatismo. Bizet studiò soprattutto fuori dal conservatorio con Gounod, con il quale, nonostante la significativa differenza di età, stabilì rapporti affettuosi e amichevoli. Ma dobbiamo anche rendere omaggio al suo immediato maestro Fromental Halévy, musicista sottile e serio, con il quale Bizet si legò in seguito sposando sua figlia. Durante gli anni al conservatorio, Bizet creò numerose opere. La migliore tra queste è una sinfonia scritta da un autore diciassettenne in brevissimo tempo - in diciassette giorni. Questa sinfonia, pubblicata per la prima volta nel 1935, viene ora eseguita con successo. La sua musica attrae con la sua classica precisione della forma, chiarezza e vivacità di espressione e colori chiari, che in seguito sarebbero diventati una qualità integrale dello stile individuale di Bizet. Nell'anno in cui si diplomò al conservatorio, dopo aver composto una cantata su un'antica trama leggendaria, partecipò a un concorso indetto da Offenbach per scrivere un'operetta in un atto. Insieme al lavoro di Lecoq, che in seguito divenne famoso in questo genere, il premio fu assegnato all'operetta Doctor Miracle di Bizet. Tuttavia, se a questo punto si parlava del compositore Bizet solo come di un talento promettente, allora come pianista raggiunse l'universalità riconoscimento. Più tardi, nel 1863, Berlioz scrive: Bizet legge le partiture in modo incomparabile... Il suo talento pianistico è così grande che nella trascrizione per pianoforte di partiture orchestrali, cosa che fa a prima vista, nessuna difficoltà può fermarlo. Dopo Liszt e Mendelssohn, non furono molti gli artisti del suo livello. Bizet trascorse il periodo 1857-1860 come vincitore del Conservatorio in Italia. Erano anni in cui assorbiva avidamente varie esperienze di vita, tra le quali però quelle musicali erano all'ultimo posto. “Il cattivo gusto avvelena l’Italia”, si lamentava Bizet. - Questo è un paese perduto per l'arte. Ma ha letto molto, ha viaggiato, ha conosciuto la vita dei contadini e dei pastori. La sua immaginazione creativa, come sarà in seguito, si accende con molti progetti. Ho la testa piena di Shakespeare... Ma dove posso trovare un librettista? - si lamenta Bizet. È anche interessato alle storie di Molière, Hugo, Hoffmann e Homer. Si sente che non ha ancora trovato un argomento che gli sia vicino e che sia creativamente disperso. Ma una cosa è chiara: i suoi interessi risiedono nel campo della musica teatrale. Ciò è dovuto in parte a considerazioni pratiche: qui è più facile raggiungere il successo. Bizet scrisse quasi scherzosamente a sua madre: Quando avrò 100mila franchi (cioè provvederò a me stesso fino alla morte), papà e io smetteremo di dare lezioni. Inizieremo la vita del rentier, il che non è affatto male. 100mila franchi non sono niente: due piccoli successi nell'opera buffa. Un successo come Il Profeta (opera di Meyerbeer) incassa quasi un milione. Quindi questo non è un castello in aria!..

JOHANN SEBASTIAN BACH

Johann Sebastian è nato in una famiglia considerata la più grande dinastia musicale della Germania. Tra gli antenati di Bach erano particolarmente famosi Veit Bach, un fornaio che suonava la cetra, e Johannes Bach, un musicista cittadino di Erfurt. I discendenti di quest'ultimo divennero così famosi che in alcuni dialetti tedeschi medievali il cognome “Bach” divenne un nome comune e acquisì il significato di “musicista di città”.

Il padre di Bach è Johann di Ambroy, un musicista cittadino.

Lo zio di Johann Sebastian, Johann Christoph, prestò servizio come organista in città. Naturalmente, il futuro più grande rappresentante della dinastia iniziò a studiare musica fin dalla tenera età.

1693 - Il giovane Bach entra in una scuola ecclesiastica. Il ragazzo ha una buona voce da soprano e sta facendo progressi

1695 – Johann Sebastian perde entrambi i genitori in due anni. Viene accolto da suo fratello maggiore, che ha prestato servizio come musicista a Ordfur.

1695 – 1700 – Ohrdruf. Bach studia a scuola e studia musica sotto la guida di suo fratello. Allo stesso tempo, da adolescente, Johann Bach perse gravemente la vista: di notte, alla luce della luna, copiava appunti da suo fratello.

L'insegnante consiglia a Bach di andare a Lüneburg, nella famosa scuola presso la chiesa di San Michele. Johann Sebastian cammina per 300 chilometri dalla Germania centrale a quella settentrionale. A Lüneburg Bach vive in pensione completa e riceve anche un piccolo stipendio. Il maestro organista Georg Böhm diventa uno dei mentori del futuro compositore a Lüneburg.

1702 - Dopo essersi diplomato, Bach ha il diritto di andare all'università, ma non può permetterselo, poiché ha bisogno di guadagnarsi da vivere. Dopo aver trascorso un po' di tempo a Lüneburg, il futuro compositore torna in Turingia. Qui riesce a prestare servizio come violinista nella cappella privata del principe Giovanni Ernesto di Sassonia. Quindi Bach si ferma ad Arnstadt, dove trascorre 4 anni.

1703 – 1707 – Arnstadt. Bach è organista di chiesa, senza mai smettere di studiare la musica e lo stile esecutivo di famosi musicisti dell'epoca.