Oggi sarebbe strano vedere partiti o politici proporre di abolire la libertà di parola. La sinistra radicale e i conservatori possono chiedere la pulizia dei media dai “nemici del popolo” e dalle “quinte colonne”, ma la stessa disposizione costituzionale sulla libertà di parola è un luogo comune. Naturalmente non è sempre stato così.

Pubblicista, attivista di sinistra (nel 1905) Vladimir Lenin limitò la libertà di parola dell'opinione pubblica: dicono che puoi scrivere e dire solo ciò che la società approva. E cosa approverà esattamente lo deciderà, ovviamente, il partito. Il poeta Valery Bryusov non era assolutamente d'accordo con questa interpretazione della libertà di parola e ha scritto una colonna di risposta. L'ironia del destino è che dopo la rivoluzione Bryusov si unì al partito bolscevico.

Urla, menti e scrivi quello che vuoi

Il “lavoro letterario”, scrive Lenin nella “Novaia Gizn” (n. 12, 1905), non può essere una questione individuale, indipendente dalla causa generale del proletariato. Abbasso gli scrittori senza partito! Abbasso gli scrittori superumani! Il lavoro letterario deve diventare la ruota e l’ingranaggio di un unico grande meccanismo socialdemocratico”.

E ancora: “La libertà assoluta è una frase borghese o anarchica. È impossibile vivere nella società ed essere liberi dalla società. La libertà di uno scrittore, artista, attrice borghese è solo una dipendenza mascherata dal sacco di soldi. Noi socialisti smascheriamo questa ipocrisia, eliminiamo i falsi segni, non per ottenere letteratura e arte non di classe (questo sarà possibile solo in una società socialista e non di classe), ma per contrastare ipocritamente liberi, ma in legata alla borghesia, la letteratura veramente libera, apertamente legata al proletariato”.

Valery Bryusov (Aureliy)

G. Lenin fa obiezioni a se stesso a nome di “qualche intellettuale, ardente sostenitore della libertà” nella forma seguente: “Cosa! Voi volete la subordinazione di una questione così sottile e individuale come la creatività letteraria alla collettività! Voi volete che gli operai decidano a maggioranza sulle questioni scientifiche, filosofiche ed estetiche! Neghi la libertà assoluta della creatività ideologica assolutamente individuale!”

E lui risponde: “Calma, signori! Stiamo parlando della letteratura di partito e della sua subordinazione al controllo del partito... Sono obbligato a darti, in nome della libertà di parola, il pieno diritto di gridare, mentire e scrivere quello che vuoi. Ma siete obbligati nei miei confronti, in nome della libertà di associazione, a concedermi il diritto di stringere o sciogliere un'alleanza con persone che dicono questo e quest'altro... Il Partito è un'unione volontaria, che inevitabilmente si disintegrerebbe se si disintegrasse. non si è liberato dei membri che predicano opinioni antipartito... La libertà di pensiero e di critica all'interno del partito non ci farà mai dimenticare la libertà di raggruppare le persone in libere unioni chiamate partiti"

Ecco almeno confessioni franche! A G. Lenin non si può negare il coraggio: arriva alle conclusioni estreme dei suoi pensieri; ma soprattutto nelle sue parole c'è il vero amore per la libertà. La letteratura libera (“non di classe”) per lui è un ideale lontano che potrà essere realizzato solo nella società socialista del futuro. Nel frattempo Lenin contrappone la “letteratura ipocritamente libera, ma in realtà legata alla borghesia”, alla “letteratura apertamente legata al proletariato”. Lui chiama quest’ultima “veramente libera”, ma in modo del tutto arbitrario…

Secondo il significato esatto delle sue definizioni, entrambe le letterature non sono libere. Il primo è segretamente legato alla borghesia, il secondo apertamente al proletariato. Il vantaggio della seconda può essere visto in un riconoscimento più franco della propria schiavitù, piuttosto che in una maggiore libertà. La letteratura moderna, secondo Lenin, è al servizio del “sacco di soldi”; La letteratura di partito sarà la “ruota e l’ingranaggio” della causa proletaria generale.

Ma se siamo d’accordo sul fatto che la causa comune del proletariato è una causa giusta, e che un sacco di soldi è qualcosa di vergognoso, questo cambierà il grado di dipendenza? Lo schiavo del saggio Platone era ancora uno schiavo, e non un uomo libero.

Tuttavia, mi obietteranno, che la libertà di parola (anche se ancora incompleta, anche se ancora ridotta), di cui godiamo ora in Russia, o almeno di cui godiamo per qualche tempo, è stata raggiunta nientemeno che dall’energia del “Socio Sociale Russo”. Partito Laburista Democratico”. Non discuterò, darò tutto il dovuto merito a questa energia. Dirò di più: nella storia c'è un solo esempio che ricorda i nostri avvenimenti d'ottobre (si parla degli scioperi di massa dell'ottobre 1905 - ndr): è la ritirata dei plebei sul Sacro Monte. Si tratta davvero del primo “sciopero generale”, che ha preceduto di millenni tentativi simili in Belgio, Olanda e Svezia. Ma, avendo riconosciuto tutta la beneficenza dell'evento vissuto, dovrei davvero quindi abbandonare un atteggiamento critico nei suoi confronti? Sarebbe come esigere che nessuno, per gratitudine verso Gutenberg, che ha inventato la stampa, osasse trovare dei difetti nella sua invenzione. Non possiamo fare a meno di vedere che i socialdemocratici cercavano la libertà esclusivamente per se stessi, che i paria fuori del partito ricevevano briciole di libertà per caso, per un certo periodo, fino al minaccioso "Giù!" l'editto non ha ancora alcun significato. Anche le parole dei socialdemocratici sulla libertà universale sono “ipocrisia”, e anche noi, scrittori apartitici, dobbiamo “abbattere i falsi segni”.

V. Lenin tiene un discorso

Il signor Lenin si oppone alla libertà di parola alla libertà sindacale e minaccia gli scrittori di espulsione dal partito. “Ogni sindacato libero”, dice, è libero di espellere quei membri che usano l’azienda del partito per predicare opinioni antipartitiche”. Cosa significa? Sarebbe strano interpretare questo nel senso che agli scrittori che scrivono contro la socialdemocrazia non verranno date pagine nelle pubblicazioni socialdemocratiche. Per fare questo, non è necessario creare letteratura “di partito”. Suggerendo soltanto la coerenza di direzione nelle riviste e nei giornali, sarebbe ridicolo esclamare, come fa il signor Lenin: “Al lavoro, compagni! Abbiamo davanti a noi un compito difficile e nuovo, ma grande e gratificante...” Dopotutto, anche adesso, quando il compito “nuovo e grande” non è stato ancora risolto, non viene in mente a uno scrittore decadente di proporre le sue poesie al "Russian Bulletin", e i poeti di "Russian Wealth" non hanno pretese di essere pubblicati su Northern Flowers. Non c’è dubbio che la minaccia di “cacciare” Lenin abbia un significato diverso e più ampio. Si tratta di molto di più: i principi fondamentali della dottrina socialdemocratica vengono affermati come comandamenti, contro i quali non è consentita alcuna obiezione (ai membri del partito).

G. Lenin è pronto a concedere il diritto di "gridare, mentire e scrivere quello che vuoi", ma dietro la porta. Chiede di sciogliere l’alleanza con persone “che dicono questo e quello”. Quindi ci sono parole che è proibito pronunciare. “Il partito è un’unione volontaria, che inevitabilmente si disintegrerebbe se non si eliminasse i membri che predicano opinioni antipartito”. Quindi, ci sono opinioni a cui è vietato esprimere. “La libertà di pensiero e la libertà di critica all’interno del partito non ci faranno mai dimenticare la libertà di raggruppare le persone in sindacati liberi”. In altre parole, i membri del partito socialdemocratico possono criticare solo casi particolari, singoli aspetti della dottrina, ma non possono criticare i fondamenti stessi della dottrina. Coloro che osano farlo devono essere “cacciati”. Questa decisione riflette il fanatismo di persone che non permettono l’idea che le loro convinzioni possano essere false. Da qui il passo è un passo verso l'affermazione del califfo Omar: “I libri che contengono le stesse cose del Corano sono superflui; contenenti qualsiasi altra cosa sono dannosi”.

Ma perché la letteratura di partito prodotta in questo modo viene definita veramente libera? Quanto differisce la nuova legge sulla censura introdotta nel Partito socialdemocratico da quella che regnava da noi fino a poco tempo fa? Sotto il regime della vecchia censura era consentita la critica di alcuni aspetti del sistema dominante, ma era vietata la critica dei suoi principi fondamentali. La libertà di parola rimane in una situazione simile all’interno del Partito socialdemocratico. Naturalmente, per ora a coloro che non sono d’accordo con tale tirannia viene data l’opportunità di spostarsi verso altri partiti. Ma anche nel sistema precedente gli scrittori protestanti avevano un’opportunità simile: andare all’estero, come Herzen. Tuttavia, proprio come ogni soldato ha il bastone da maresciallo nello zaino, così anche tutti Partito politico sogna di diventare l'unica nel paese, identificandosi con la gente. Questo lo spera più degli altri il partito socialdemocratico. Pertanto, la minaccia di espulsione dal partito è essenzialmente una minaccia di espulsione dal popolo. Sotto il dominio del vecchio sistema, gli scrittori che si ribellavano ai suoi fondamenti venivano esiliati, a seconda del grado di “radicalismo” nei loro scritti, in luoghi lontani e non così lontani. Il nuovo sistema minaccia gli scrittori “radicali” con ben altro: l’espulsione dalla società, l’esilio a Sakhalin e la solitudine.

Caterina II definì la libertà come segue: “La libertà è l’opportunità di fare tutto ciò che le leggi consentono”. I socialdemocratici danno una definizione simile: “La libertà di parola è la possibilità di dire tutto ciò che è coerente con i principi della socialdemocrazia”. Tale libertà non può soddisfare noi, quelli che il signor Lenin chiama con disprezzo “i signori. individualisti borghesi" e "superuomini". Per noi tale libertà sembra essere solo la sostituzione di alcune catene con altre nuove. Anche se gli scrittori prima erano incatenati, e ora viene offerto loro di legare le mani con morbide corde di canapa, solo chi non ha nemmeno catene di rose e gigli è libero. “Abbasso gli scrittori senza partito!” esclama il signor Lenin. Di conseguenza, l’apartitismo, ad es. la libertà di pensiero è già un crimine. Devi appartenere a un partito (il nostro o almeno l’opposizione ufficiale), altrimenti “abbasso!” Ma nella nostra mente, la libertà di parola è indissolubilmente legata alla libertà di giudizio e al rispetto per le convinzioni degli altri. Ciò che ci sta più a cuore è la libertà di ricerca, anche se ci porta al crollo di tutte le nostre convinzioni e ideali. Dove non c’è rispetto per l’opinione dell’altro, dove gli viene concesso solo con arroganza il diritto di “mentire” senza voler ascoltare, lì la libertà è una finzione.

“Sei libero dal tuo editore borghese, signor scrittore? Dal vostro pubblico borghese, che pretende da voi la pornografia?», chiede il signor Lenin. Penso che non solo una persona, ma molti risponderanno a questa domanda con fermezza e coraggio: “Sì, siamo liberi!” Arthur Rimbaud (un poeta francese del XIX secolo la cui opera divenne famosa solo dopo la sua morte - Grandpaper) non scrisse le sue poesie quando non aveva un editore, borghese o non borghese, e nessun pubblico che gli chiedesse "pornografia" o qualcosa del genere? altro. Oppure Paul Gauguin non dipinse i suoi quadri, che furono ostinatamente respinti da varie giurie e non trovarono acquirenti fino alla morte dell’artista? E un certo numero di altri sostenitori della “nuova arte” non hanno forse difeso i loro ideali nonostante il completo disprezzo di tutte le classi della società? Notiamo a proposito che questi lavoratori non appartenevano affatto ai "ricchi borghesi", ma spesso dovevano, come lo stesso Rimbaud, come lo stesso Gauguin, sopportare la fame e i senzatetto.

Evidentemente il signor Lenin giudica dagli esempi di scrittori artigiani che ha incontrato nelle redazioni delle riviste liberali. Dovrebbe sapere che nelle vicinanze è sorta un'intera scuola, è cresciuta una nuova, diversa generazione di scrittori e artisti, proprio quelli che lui, non conoscendoli, chiama con un nome beffardo: “superuomo”. Per questi scrittori - mi creda, signor Lenin - la struttura della società borghese è più odiosa che per lei. Nelle loro poesie bollavano questo sistema come “vergognosamente meschino, sbagliato, brutto”, questi “omini moderni”, questi “gnomi”. Il loro intero compito è stato quello di raggiungere la libertà “assoluta” di creatività nella società borghese. E mentre tu e i tuoi cari marciate contro il sistema “sbagliato” e “brutto” esistente, noi siamo pronti a stare con voi, siamo i vostri alleati. Ma non appena alzi la mano sulla stessa libertà di opinione, lasciamo subito i tuoi striscioni. Il “Corano della socialdemocrazia” ci è estraneo quanto il “Corano dell’autocrazia” (espressione di F. Tyutchev). E poiché pretendete fiducia nelle formule già pronte, poiché credete che non ci sia più nulla da cercare per la verità, perché ce l'avete, siete nemici del progresso, siete nostri nemici.

"La libertà assoluta (di uno scrittore, di un artista, di un artista) è una frase borghese o anarchica", dice Lenin - e aggiunge immediatamente: "perché, come visione del mondo, l'anarchismo è il borghese rovesciato". Gli sembra che una cosa capovolta non cambi affatto. Provate però a rivoltare il guanto giusto e a indossarlo nuovamente. mano destra!.. Ma è del tutto comprensibile il motivo per cui il signor Lenin voglia disonorare l'anarchismo confondendolo con il borghese. La dottrina socialdemocratica non ha nemico più pericoloso di chi si ribella all’idea di arche (dal greco “potere” ndr) ad essa tanto cara. Ecco perché noi, sostenitori della libertà assoluta, siamo considerati dai socialdemocratici gli stessi nemici della borghesia. E, naturalmente, se dovesse materializzarsi la vita di una società sociale, “non classista”, presumibilmente “veramente libera”, ci troveremmo in essa gli stessi emarginati, gli stessi poètes maudits (dal francese “poeti emarginati” - Nota del nonno) poiché siamo in una società borghese.

Lo scopo della poesia è la poesia.

A. S. Pushkin

Pushkin è il primo poeta russo che si è dedicato interamente all'arte, inoltre, il primo che ha rifiutato ogni servizio pubblico per il diritto di essere poeta. Con tutta la sua creatività ha cercato di rispondere alla domanda “cos’è la poesia?”

Il tema dello scopo della poesia e della missione del poeta ha due aspetti: sociale e filosofico. Dalla panchina del liceo, difendendo il suo diritto allo studio della letteratura e solo della letteratura, Pushkin entrò in aperto conflitto con la società. La società non è mai venuta a patti con questo: un esempio lampante di ciò è l'assegnazione a Pushkin da parte di Nicola I del titolo di cadetto da camera - dignitoso per giovanotto e un uomo adulto indegno. Lo zar non voleva solo umiliare e pungere, ma cercava di “spremere” il poeta libero in una certa unità sociale, chiarendo che non riconosceva alcuno status sociale allo scrittore. In misura sufficiente, la riluttanza del sistema statale a “riconoscere” la letteratura è stata causata dalla paura del suo impatto sulle menti e ha avuto un ruolo nella formazione di un atteggiamento speciale nei confronti dei creatori in Russia. In effetti, nessuna letteratura al mondo era consapevole della propria missione profetica quanto quella russa. E qui il sociale e aspetti filosofici problemi dello scopo della poesia. Il giovane Pushkin, influenzato dalle idee dell'Illuminismo, predicate dal professor Kunitsyn al Liceo, sotto l'influenza delle conversazioni con Chaadaev, con i futuri Decabristi, vede lo scopo della poesia nel servire la causa comune - la causa della liberazione della Russia dal sistema statale obsoleto. Nell'ode "Libertà" lo definisce così:

Voglio cantare la Libertà al mondo,

Colpisci il vizio sui troni.

Nel saggio sui testi amanti della libertà del poeta, abbiamo già parlato di come l'atteggiamento di Pushkin nei confronti della missione del poeta cambiò nel 1823-24, di come arrivò la comprensione che la poesia è autosufficiente, non può e non deve servire nemmeno i più nobili sforzi. Che il percorso di subordinazione dell'arte a qualche obiettivo elevato è un vicolo cieco. La lettera di Pushkin è significativa

V. A. Zhukovsky (1825): "Stai chiedendo qual è lo scopo degli "Zingari" Questo è tutto! Lo scopo della poesia è la poesia... I "Pensieri" di Ryleev mirano, ma è tutto sbagliato." Non è affatto casuale che la lettera menzioni Ryleev: il futuro decabrista mise costantemente in pratica l'idea di subordinare l'arte alla causa della rivoluzione. I suoi "Dumas" attaccarono direttamente la servitù e l'autocrazia - e a causa di questa semplicità persero irrimediabilmente in termini artistici, poiché la poesia divenne per l'autore solo un mezzo per raggiungere l'obiettivo principale, che non aveva nulla a che fare con l'arte. La polemica epistolare con Ryleev significa per Pushkin un rifiuto dei concetti di Ryleev, che condivise nel 1817-1823.

Nel 1826, Pushkin creò la poesia "Il Profeta" - il suo manifesto poetico, che proclama la subordinazione divina dell'arte e il destino profetico del poeta.

"Il Profeta" è scritto come libera trascrizione di un frammento del sesto capitolo del libro del profeta biblico Isaia: "Allora uno dei serafini volò verso di me e in mano aveva un carbone ardente, che prese con pinze dall'altare, toccò le mie labbra e disse: Ecco, questo ha toccato la tua bocca e l'iniquità è stata tolta da te e il tuo peccato è stato mondato. E udii la voce del Signore che diceva: Chi manderò? E chi andrà per noi? E io ho detto: Eccomi, manda me". Questa poesia parla della trasformazione di una persona in un profeta, in un messaggero della volontà di Dio. Ma non inizia dal momento della trasformazione, né dall’apparizione dei “serafini dalle sei ali”. Si apre con due righe che spiegano a chi apparvero i serafini:

Siamo tormentati dalla sete spirituale

Mi sono trascinato nel deserto oscuro...

L'intero pathos biblico del poema giustifica l'immagine del cupo deserto. Ma questo non è solo deserto, assetato, languido eroe lirico, - non fisico, ma spirituale, questo è un grande dolore per l'imperfezione umana. E appare l'immagine di un altro deserto: il deserto del mondo, il deserto delle folle umane e delle città, dove nulla può placare la sete spirituale. E sopra l'immagine del viaggiatore solitario che muore di sete sulla sabbia si erge l'immagine della solitudine infinita dello spirito nel “deserto del mondo”, l'immagine di una partenza volontaria dal mondo alla ricerca della fonte di qualche verità più elevate. Il prezzo che un profeta paga per il dono della “parola divina” è un lavoro spirituale estenuante. E quando tutte le possibilità del mondo sono state esaurite per lui e nulla può placare la sua sete spirituale, un serafino a sei ali appare a un bivio e avviene una trasformazione. Una persona viene sostituita dalla vista e dall'udito: gli viene data la "mela profetica" e la capacità di ascoltare tutto: il "rabbrividimento del cielo", il "volo degli angeli in alto" e la "vegetazione della valle del la vite". Serafino non lo ha portato in un altro mondo: ha solo cambiato la percezione del mondo. E il mondo umano, che un momento fa era un “deserto oscuro”, si è improvvisamente riempito di splendore e suoni - si è aperto in nuove dimensioni: il poeta vede e ascolta in un modo che agli umani non è dato di percepire.

E venne alle mie labbra,

E il mio peccatore mi ha strappato la lingua...

Invece di una lingua “oziosa e ingannevole”, al viaggiatore viene dato il “pungiglione di un serpente saggio”. Questa è un'immagine molto profonda. Da un lato il serpente è simbolo di saggezza, la parola di un profeta è sempre una parola saggia. D'altra parte, l'immagine della puntura di un serpente è associata all'accuratezza della parola poetica. Anche il “cuore tremante” dell’uomo non è lasciato al viaggiatore:

Carbone ardente di fuoco

Ho fatto un buco nel mio petto.

Perché questo carbone deve bruciare per sempre il poeta, non permettergli di dimenticare per un minuto il suo alto scopo. Sembrerebbe che la trasformazione sia completa. Al saggio viene data una nuova visione e un nuovo udito, e con essi: onniscienza, conoscenza completa del mondo; una lingua saggia, un carbone ardente al posto del cuore... Un uomo ha attraversato la sofferenza tanto che la sua parola è diventata un "verbo".

Giacevo come un cadavere nel deserto...

La cosa principale non è accaduta: Dio deve chiamare il profeta. La trasformazione richiede non solo una trasformazione fisica, ma anche morale. Senza la “prescrizione” divina il profeta è morto. Non esiste arte senza ispirazione. Pensiamo al significato originale di questa parola: inspira, inspira la vita in una persona. Questa è la missione divina del profeta, e per questo la poesia non è soggetta ad alcun compito pratico: è al servizio dello spirito ed è soggetta all'ispirazione. Solo allora la parola poetica “brucerà davvero il cuore delle persone”. L'idea dello scopo speciale e più alto del poeta sarà ascoltata nelle poesie di Pushkin "Arion" e "Poeta", scritte dopo "Il Profeta" - nel 1827.

La poesia successiva, del 1828, “Il poeta e la folla” è percepita come centrale in questo argomento. Qual è il motivo della disputa tra il cantante e la folla? - sulla cosa principale, sullo scopo dell'arte: "Perché canta in modo così sonoro?... a quale obiettivo ci sta portando?" La "canzone" del poeta "eccita, tormenta" - e la folla lo chiama per rispondere: "A che serve?" Eccola qui, la chiave: beneficio. La folla accetta di soffrire, purché ci sia beneficio. Ciò provoca una replica arrabbiata del cantante:

Trarrai vantaggio da tutto: ne vale la pena

Idolo che stimi Belvedere.

Non ne vedi alcun vantaggio...

Non c’è e non può esserci alcun beneficio pratico dall’arte: questo è il credo del poeta. Chi pretende beneficio si accontenti della “pentola”: l'Apollo Belvedere non è assolutamente adatto alla cottura. E sembra che la folla sia d'accordo con il poeta. Ma esige che lui, il “prescelto dal cielo”, usi il suo alto dono a beneficio delle persone! Guardate quanto è astuto Pushkin: nel secondo appello alla folla non ci sono più considerazioni sulla "prosa bassa". Al contrario, la folla sembra bramare la perfezione spirituale:

Puoi, amando il tuo prossimo,

Dacci lezioni audaci,

E noi ti ascolteremo.

Perché il poeta li scaccia:

Vai via, chi se ne frega

Al poeta pacifico prima di te!

Sì, perché la folla pretendeva ancora una volta benefici dall'arte: che l'arte la correggesse, che le desse lezioni, in un modo o nell'altro, ma che servisse la folla. Questo è ciò che il cantante non vuole, inoltre, non può permetterselo. Perché l’arte non deve, e semplicemente non può, insegnare nulla a nessuno; va oltre l’uso pratico. Ricordatevi del “Profeta”: Dio manda il suo messaggero non per “insegnare alle nazioni”, ma per “ardere il cuore degli uomini con il Verbo”. Non puoi insegnare ad essere gentile, giusto, nobile, libero, intelligente. Questo non viene insegnato: tutte queste qualità sono il risultato del costante lavoro spirituale di una persona, del suo servizio disinteressato alla Verità. L'arte può e non deve dare lezioni - ma creare bellezza, introdurre le persone alla spiritualità, alla verità, risvegliare le anime (nella poesia “Ho eretto a me stesso un monumento non fatto da mani...”” dice esattamente questo: “.. .Ho risvegliato buoni sentimenti con la lira...” ). Coloro che hanno paura del lavoro spirituale, che scelgono non la via spinosa del tormento, l'agitazione dello spirito alla ricerca della verità, ma la via facile delle lezioni (insegnaci ad essere gentili e saggi!) sono "stupida plebaglia". Per percepire l'arte è necessario un certo livello di spiritualità, al quale non sono più previste "lezioni". Guarda cosa contrappone il poeta alle “lezioni”: “La voce della lira non ti farà rivivere”. Insegnare - o ravvivare, spiritualizzare. L'insensibilità della folla ai suoni della “lira ispirata” è un segno della sua inferiorità spirituale e povertà: “Sei disgustoso per l'anima, come le bare”. Il poeta non ha e non può avere alcun “interesse personale”:

Siamo nati per ispirare

Per dolci suoni e preghiere.

Si ha l'impressione che il poeta si sia ritirato in uno splendido isolamento, che non abbia affatto bisogno di un ascoltatore. Non è questo? - Ovviamente no! Dopotutto, la poesia stessa è indirizzata al lettore, ed è il lettore che viene preso dal poeta come alleato. Guarda l'epigrafe: "Procul este, profani" - "Via, non iniziato". La poesia è per gli “iniziati”, per coloro che comprendono il vero scopo dell’arte e non si aspettano da essa benefici o interessi personali. "Il poeta e la folla" è una poesia di un destino speciale. È una delle opere centrali della letteratura russa; scrittori e critici si rivolgono ad essa in un modo o nell’altro quando riflettono sullo “scopo della poesia”. Sostenitori di Pushkin che hanno frainteso" arte pura“(coloro che cercavano di espellere completamente il suono civico dalla letteratura) consideravano Alexander Sergeevich Pushkin “uno di loro” - proprio sulla base di questa poesia I loro avversari, che capivano Pushkin nello stesso modo semplificato, rimproveravano sia lui che i aderenti all '“arte pura”, ad esempio “Il poeta e il cittadino” di Nekrasov e troverete una disputa con Pushkin, proprio con la poesia “Il poeta e la folla” A Pushkin non fu perdonato il rifiuto di partecipare al “tutti i giorni”. disordini” e “battaglie”.

Nelle vostre città dalle strade rumorose

Spazzare via la spazzatura: lavoro utile! -

Ma, dimenticando il mio servizio,

Altare e sacrificio

I preti ti prendono la scopa?

Tuttavia, c’è stato un tempo in cui i “sacerdoti” prendevano in mano una scopa:

Il poeta leccò la saliva tisica

Con la lingua ruvida di un manifesto,

Mayakovsky disse e definì esattamente cosa significava per lui:

Mi sono umiliato diventando

alla gola della tua stessa canzone.

Per lui, questo suicidio poetico si è concluso con un colpo alla tempia: suicidio fisico. Per la società, per la folla, per amore della quale “è rimasto alla gola della sua stessa canzone” per tutta la vita: scomunica dall'arte, divieto della vita spirituale, che è stata sostituita con un surrogato del realismo socialista. Un poeta non ha il diritto di tradire se stesso, altrimenti smetterebbe di essere un poeta. Le conseguenze sono tragiche per tutti. Il Creatore è al di là del giudizio della folla: questo è ciò di cui parla il sonetto di Pushkin "Al poeta", dove il percorso di un vero poeta che non si sottomette alla "folla fredda" è chiamato "nobile impresa". Perché? Perché questa è la via della solitudine, del rifiuto di tutte le tentazioni mondane: fama, onore, potere sulle menti della folla - per amore dell'alto servizio all'arte. Nel 1818, il giovane Pushkin terminò la poesia “A N. L. Pluskova” con i versi:

C'era un'eco del popolo russo.

Questa immagine si rivelò sorprendentemente accurata e nel 1831 Pushkin la interpretò nuovamente nella poesia "Eco". Qual è l'essenza dell'eco? -

Per ogni suono

La tua risposta nell'aria vuota

Partorirai all'improvviso.

Così è il poeta: percepisce tutto ciò che accade nel mondo e risponde “a ogni suono” - ecco perché gli è stato dato un udito e una vista disumani (ricorda il “Profeta”!). Ma l'eco è infinitamente solitario:

Non hai alcun feedback... Questo è tutto

E tu, poeta.

La via del profeta è la via dell'ascesi. Rifiutandosi di “dare lezioni audaci”, espellendo i “non iniziati” e ponendosi fuori dalla loro corte, il poeta sceglie questa strada. Tuttavia, per Pushkin l'appello: "Poeta, non apprezzare l'amore della gente" non significa in alcun modo indifferenza verso la società, verso la storia passata, presente e futura del Paese e dell'umanità. Il punto è che la vera arte è impensabile senza le forti convinzioni morali dell'artista - questo è esattamente ciò che dice Pushkin per bocca del suo eroe Mozart:

Genio e malvagità

Due cose sono incompatibili...

La poesia estetica e civica nella comprensione di Pushkin sono inseparabili. E nella poesia finale "Ho eretto un monumento a me stesso non fatto da mani..." questo pensiero sembrerà di nuovo uno dei principali. La poesia stessa non può essere pienamente percepita senza il suo contesto storico. È preceduto da un'epigrafe tratta dall'ode del grande poeta romano antico Orazio “Exegi Monumentum”. Il significato principale della poesia di Orazio è che l'opera del poeta è un monumento a lui, che durerà finché durerà Roma (intendendo Roma come stato). Nello stile e nel ritmo, la poesia di Pushkin è il più vicino possibile, in alcuni punti letteralmente, alla libera traduzione dell'ode di Orazio - la poesia "Monumento" di Derzhavin. Cioè, Pushkin inserisce consapevolmente il suo lavoro nella serie letteraria di Orazio - M.V Lomonosov - G.R. Derzhavin, e tanto più evidenti sono le differenze tra le posizioni dei poeti. Orazio collega il suo monumento con la gloria di Roma, Derzhavin vede anche l'inseparabilità della sua opera e dello stato russo:

E la mia gloria aumenterà senza svanire,

Per quanto tempo l'universo onorerà la razza slava?

Confronta questo con il concetto di Pushkin. Non sta parlando dello Stato e nemmeno del suo popolo. Il suo appello è cosmico: all'umanità, all'anima di ogni persona:

E sarò glorioso finché sarò nel mondo sublunare

Almeno un pit sarà vivo.

Le posizioni di Pushkin e Derzhavin nella 4a e 5a strofa non sono meno sorprendentemente diverse l'una dall'altra. Riflettendo su ciò che ha vissuto e realizzato, cosa considera Derzhavin il suo risultato principale, che gli promette l'immortalità?

Che sono stato il primo a osare con una divertente sillaba russa

Per proclamare le virtù di Felitsa,

Parla di Dio con semplicità spirituale

E di' la verità ai re con un sorriso.

Parla delle sue conquiste artistiche “in stile russo” e del coraggio di dire la verità ai re. Prestiamo attenzione al fatto che Gavrila Romanovich Derzhavin sembra separare se stesso - il poeta e se stesso - il cittadino: dopotutto, in effetti era così, era un ministro e parlava “con i re” principalmente come ministro. Pushkin, che ha rifiutato fermamente il servizio pubblico, si considera un poeta e non separa in sé l'artista e il cittadino:

E per molto tempo sarò così gentile con la gente,

Che ho risvegliato buoni sentimenti con la mia lira,

Che nella mia epoca crudele ho glorificato la Libertà

E ha chiesto pietà per i caduti.

Il credo creativo e umano di Pushkin sono uno. Lui stesso determina ciò che è più importante nella sua poesia: non ha insegnato alle persone, non ha predicato - ha risvegliato "buoni sentimenti" nelle loro anime, ha cercato di dare alle persone un potente impulso per l'auto-miglioramento spirituale, per risvegliare alla vita quella bontà questo è in ogni anima - l'unico a cui l'arte può e deve fare appello. Il contrasto del "secolo crudele" con la Libertà, l'appello alla misericordia: questi sono i "buoni sentimenti" che la lira di Pushkin risveglia. L'ultima riga della poesia è molto vicina nel contenuto al sonetto del 1830 "Al poeta" e "Al profeta". Pushkin ritorna ancora una volta sull'idea dell'immunità dell'arte dall'opinione della folla, su quanto sia tragico per un poeta essere indifferente alle "lodi e alle calunnie", sulla lealtà del poeta al destino divino. “La “lira preziosa”” in questo contesto può anche essere letta come “lasciata in eredità” da Dio. Questa poesia non è una "lista di benedizioni", non una "fattura per l'immortalità" presentata ai discendenti. È una formula poetica della missione dell'arte, sorprendente nel suo laconicismo e profondità filosofica.

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Disputa tra un pittore e un poeta, musicista e scultore

Nelle giuste lamentele la pittura si lamenta di essere espulsa dal rango delle arti libere, perché è vera figlia della natura e realizzata dal sentimento più degno. Perciò, o scrittori, avete torto nel lasciarlo fuori dal numero di queste arti libere, perché non si tratta solo delle creazioni della natura, ma anche di infinite cose che la natura non ha mai creato.

Poiché gli scrittori non avevano informazioni sulla scienza della pittura, non potevano descriverne né le divisioni né le parti; essa stessa non rivela a parole il suo fine ultimo e, per ignoranza, è rimasta indietro rispetto alle scienze sopra menzionate, senza per questo perdere la sua divinità. E in verità non senza ragione non la nobilitarono, poiché lei nobilita se stessa senza l'aiuto di altri linguaggi, non diversamente da quanto fanno le perfette creazioni della natura. E se i pittori non l’hanno descritta e non l’hanno ridotta a scienza, allora non è colpa della pittura e non diventa meno nobile perché solo pochi pittori diventano scrittori di professione, poiché la loro vita non basta per impararlo. Possiamo dire che le proprietà delle erbe, delle pietre e degli alberi non esistono perché le persone non le conoscono? Ovviamente no. Ma diremo che le erbe restano nobili in sé, senza l'ausilio dei linguaggi o della scrittura umana.

È più utile quella scienza il cui frutto è più comunicabile, e, al contrario, anche quella meno comunicabile è meno utile.

La pittura è in grado di comunicare i suoi risultati finali a tutte le generazioni dell'universo, poiché il suo risultato finale è oggetto della facoltà visiva; il percorso attraverso l'orecchio fino al senso generale non è lo stesso percorso attraverso la vista. Essa dunque, come la scrittura, non ha bisogno di interpreti di linguaggi diversi, ma soddisfa direttamente il genere umano, non diversamente dagli oggetti prodotti dalla natura. E non solo il genere umano, ma anche altri animali, come dimostra un dipinto raffigurante un padre di famiglia: i bambini piccoli, che avevano ancora i pannolini, l'accarezzavano, così come il cane e il gatto di questa casa, quindi è stato molto sorprendente guardare questo spettacolo.

La pittura rappresenta ai sensi con maggiore verità e autenticità le creazioni della natura che le parole o le lettere, ma le lettere rappresentano le parole con maggiore verità della pittura. Diremo che la scienza che rappresenta le creazioni della natura è più degna di meraviglia di quella che rappresenta le creazioni del creatore, cioè le creazioni delle persone, che sono parole; tale è la poesia e simili che attraversano il linguaggio umano.

Le scienze imitabili sono tali che attraverso di esse lo studente diventa uguale al creatore e produce anche il proprio frutto. Sono utili all'imitatore, ma non così eccellenti come quelli che non possono essere ereditati come gli altri benefici materiali. Tra questi, la pittura è la prima. Non si può insegnarlo a chi la natura non lo permette, come nelle scienze matematiche, nelle quali lo studente impara tanto quanto il maestro gli legge. Non può essere copiato come la scrittura, dove la copia ha lo stesso valore dell'originale. Non se ne può fare un calco, come nella scultura, dove l'impressione è la stessa dell'originale, per quanto riguarda il pregio dell'opera; non produce un numero infinito di figli, come i libri stampati. Lei sola rimane nobile, lei sola dà gloria al suo creatore e rimane preziosa e unica e non dà mai alla luce figli uguali a lei. E questa caratteristica la rende superiore a quelle scienze che vengono annunciate ovunque.

Non vediamo come i più potenti re d'Oriente appaiono velati e chiusi, pensando che la loro gloria diminuirà dall'annuncio e dalla pubblicazione della loro presenza? Non vediamo che i quadri raffiguranti divinità sono costantemente tenuti coperti da veli di grandissimo valore? E quando aprono, organizzano prima grandi celebrazioni in chiesa con vari canti e tutti i tipi di musica, e all'apertura, una grande moltitudine di persone che si sono radunate qui si precipitano immediatamente a terra, adorando e pregando coloro che raffigurano un'immagine del genere per l'acquisto della salute perduta e per la salvezza eterna, e non altrimenti che se questa divinità fosse presente in persona. Questo non accade con nessun'altra scienza o altra creazione umana, e se dici che questo non è merito del pittore, ma merito proprio dell'oggetto raffigurato, allora seguirà la risposta che in questo caso l'anima delle persone potrebbe ricevano soddisfazione ed essi, rimanendo a letto, non possano andare in pellegrinaggio in luoghi difficili e pericolosi, poiché vediamo che questo avviene costantemente. Ma se tuttavia tali pellegrinaggi esistono continuamente, chi li incoraggia a farlo inutilmente? Naturalmente, ammetti che ciò viene fatto mediante un'immagine, cosa che tutte le Scritture non possono fare, poiché non saranno in grado di rappresentare questa divinità in modo chiaro e degno. Sembra quindi che la divinità stessa ami un simile quadro e ami colui che lo ama e lo onora, e accetta più volentieri il culto in questo che in altre forme che lo raffigurano, e quindi mostra misericordia e concede la salvezza, secondo coloro che accorrono a un posto simile.

La pittura si estende alle superfici, ai colori e alle figure di tutti gli oggetti creati dalla natura, e la filosofia penetra in questi corpi, considerando in essi le proprie proprietà. Ma non soddisfa la verità che raggiunge il pittore, il quale abbraccia autonomamente la prima verità di questi corpi, poiché l'occhio sbaglia meno della mente.

Se disprezzi la pittura, unica imitatrice di tutte le creazioni visibili della natura, allora, probabilmente, disprezzerai l'invenzione sottile, che, con riflessione filosofica e sottile, considera tutte le qualità delle forme: mari, terreno, alberi, animali, erba e fiori: tutto ciò che è circondato da ombre e luci. E veramente la pittura è scienza e figlia legittima della natura, perché dalla natura è generata; ma per dirlo più correttamente diremo: nipote della natura, poiché tutte le cose visibili furono generate dalla natura e da queste cose nacque la pittura. Perciò la chiameremo giustamente nipote della natura e parente di Dio.

Non c'è parte dell'astrologia che non sia una questione di linee visive e di prospettiva, figlia della pittura, poiché il pittore è colui che, in virtù della necessità della sua arte, ha dato vita a questa prospettiva - e l'astrologia non può essere sviluppato senza linee. Queste linee contengono tutte le varie figure dei corpi creati dalla natura, senza di esse l'arte della geometria è cieca.

E se la geometria riduce ogni superficie circondata da una linea alla figura di un quadrato e ogni corpo alla figura di un cubo, e altrettanto fa l'aritmetica con i suoi radici quadrate, quindi entrambe queste scienze si applicano solo allo studio delle quantità discontinue e continue, ma non lavorano sulla qualità: la bellezza delle creazioni della natura e la decorazione del mondo.

L'occhio, ad una distanza conveniente e in un ambiente adatto, sbaglia meno nel suo servizio di qualsiasi altro senso, perché vede solo in linee rette, formando una piramide, la cui base è l'oggetto, e lo porta all'occhio, come intendo dimostrare. L'orecchio sbaglia molto nella posizione e nella distanza dei suoi oggetti, perché le loro immagini non lo raggiungono lungo linee rette, come all'occhio, ma lungo linee tortuose e riflesse; e spesso accade che il lontano appaia più vicino del vicino, per il percorso che fanno queste immagini; sebbene il suono dell'eco raggiunga questo senso solo in linea retta.

L'olfatto determina ancor meno il luogo che provoca l'odore, e il gusto e il tatto, che toccano un oggetto, conoscono solo questo tocco.

Gli esseri viventi subiscono maggiori danni dalla perdita della vista che dall'udito, e per molte ragioni: in primo luogo, attraverso la vista si trova il cibo per la nutrizione, necessario per tutti gli esseri viventi; in secondo luogo, attraverso la vista si percepisce la bellezza delle cose create, soprattutto quelle cose che inducono all'amore, che un cieco dalla nascita non può comprendere con l'udito, poiché non ha mai saputo quale sia la bellezza di alcuna cosa. Ciò che gli resta è l'udito, attraverso il quale comprende solo i suoni e la conversazione umana, in cui sono nominati tutte quelle cose a cui viene dato il nome. Senza conoscere questi nomi si può vivere molto allegramente, come si vede nei sordi naturali, cioè nei muti che si spiegano col disegno, con cui si divertono la maggior parte dei muti. E se dici che la visione interferisce con la conoscenza spirituale concentrata e sottile, attraverso la quale si compie la penetrazione nelle scienze divine, e che un tale ostacolo ha portato un filosofo a privarsi della vista, allora la risposta segue che l'occhio è il padrone i sensi adempiono al loro dovere quando interferiscono con confuse e false - non scienze, ma ragionamenti, in cui le controversie sono sempre condotte con grandi grida e assalti; e l'udito, che non resta offeso, dovrebbe fare lo stesso, poiché dovrebbe esigere un accordo, collegando tutti i sentimenti. E se un tale filosofo si cava gli occhi per eliminare gli ostacoli nel suo ragionamento, allora tieni presente che un simile atto corrisponde sia al suo cervello che al suo ragionamento, perché tutto ciò è stupidità. Non poteva chiudere gli occhi quando cadeva in una tale frenesia, e tenerli chiusi finché la furia non si fosse esaurita da sola? Ma l'uomo era pazzo, il ragionamento era pazzo, e la più grande stupidità era cavarsi gli occhi.

L'occhio, attraverso il quale la bellezza dell'universo si riflette in chi lo contempla, è così eccellente che chi si lascia perdere si priverà dell'idea di tutte le creazioni della natura, la cui vista appaga l'anima in prigione umana con l'aiuto degli occhi, attraverso i quali l'anima immagina tutto. vari articoli natura. Ma chi li perde lascia la sua anima in una prigione oscura, dove ogni speranza di rivedere il sole, la luce del mondo intero, è perduta. E quanti sono coloro ai quali l'oscurità della notte, anche se di breve durata, è sommamente odiosa! Oh, cosa avrebbero fatto quando queste tenebre fossero diventate compagne della loro vita?

Naturalmente non c'è nessuno che non preferirebbe perdere l'udito e l'olfatto piuttosto che gli occhi, sebbene la perdita dell'udito comporti la perdita di tutte le scienze che finiscono in parole; e questo viene fatto solo per non perdere la bellezza del mondo, che risiede nelle superfici dei corpi, sia casuali che naturali, riflesse nell'occhio umano.

Se il pittore desidera vedere cose belle che lo ispirino amore, allora ha il potere di farle nascere, e se desidera vedere cose brutte che siano spaventose, o clownesche e divertenti, o veramente pietose, allora è il sovrano e dio su di loro. E se vuole creare luoghi popolati nel deserto, luoghi ombrosi o bui durante il caldo, allora li raffigura, e luoghi ugualmente caldi durante il freddo. Se desidera le valli, se desidera che vasti campi si aprano davanti a lui dalle alte vette dei monti, se vuole vedere dietro di loro l'orizzonte del mare, allora egli è il sovrano su questo, e anche se da valli profonde egli vuole vedere alte montagne o da alte montagne valli profonde e coste. E infatti tutto ciò che esiste nell'universo come essenza, come fenomeno o come immaginario, egli lo ha prima nella sua anima, e poi nelle sue mani, che sono così eccellenti che allo stesso tempo creano la stessa armonia proporzionale in un solo sguardo, che forma gli oggetti.

L'occhio, chiamato la finestra dell'anima, è il modo principale attraverso il quale il senso comune può vedere nella massima ricchezza e splendore le infinite creazioni della natura, e l'orecchio è il secondo, ed è nobilitato dalle storie di quelle cose. che l'occhio ha visto. Se voi, storiografi, o poeti, o altri matematici, non avete visto le cose con i vostri occhi, allora non potrete riferirle per iscritto. E se tu, il poeta, descrivi una storia con una penna, allora il pittore con un pennello la farà in modo che sia più facile da soddisfare e meno noiosa da capire. Se chiami la pittura poesia silenziosa, allora il pittore potrà dire che la poesia è pittura cieca. Ora guarda chi è più storpio: il cieco o il muto? Se il poeta è libero, come il pittore, nelle invenzioni, allora le sue invenzioni non danno alle persone la stessa soddisfazione dei dipinti; dopotutto, se la poesia si estende con le parole a figure, forme, gesti e luoghi, allora il pittore si sforza di imitare queste forme con le proprie immagini di forme. Ora guarda, cosa è più vicino a una persona: il nome di una persona o l'immagine di questa persona? Il nome della persona cambia in paesi diversi, e la forma cambia solo con la morte. E se il poeta serve la mente attraverso l'orecchio, allora il pittore serve attraverso l'occhio, che è più degno di sentimento.

Madonna con un garofano, 1472–1478

Ma non desidero altro da loro che che un buon pittore rappresenti la furia di una battaglia, e che un poeta descriva un'altra battaglia, e che entrambi siano esposti l'uno accanto all'altro. Vedrai dove il pubblico si soffermerà più a lungo, dove parlerà di più, dove verranno elogiati di più e dove soddisferà di più. Naturalmente la foto, essendo molto più utile e bella, piacerà di più. Posiziona l'iscrizione con nel nome di Dio in qualche posto e posiziona la sua immagine di fronte - e vedrai che sarà più venerata. Se la pittura abbraccia tutte le forme della natura, allora hai solo nomi, e non sono universali, come le forme. E se hai un'azione immagine, allora abbiamo un'immagine azione. Scegli un poeta che descriva la bellezza di una donna al suo amante, e scegli un pittore che la rappresenti, e vedrai dove la natura volgerà il giudice innamorato. Naturalmente la verifica delle cose dovrebbe essere lasciata alla decisione dell’esperienza. Hai collocato la pittura tra le arti meccaniche. Naturalmente, se i pittori fossero stati così inclini a lodare le loro opere negli scritti come te, allora, penso, non sarebbe rimasta con un soprannome così basso. Se lo chiamate meccanico perché prima di tutto è fatto con le mani, perché le mani raffigurano ciò che trovano nella fantasia, allora voi scrittori disegnate con la penna con le mani ciò che avete in mente. E se lo chiami mestiere perché è fatto a pagamento, allora chi cade in questo errore – se errore si può definire – più di te? Se leggi per imparare non vai da chi ti paga di più? Esegui almeno un pezzo senza alcun pagamento? Tuttavia, non dico questo per condannare tali opinioni, poiché tutto il lavoro prevede un pagamento. E il poeta può dire: creerò una finzione che significherà qualcosa di grande; il pittore creerà la stessa cosa, come Apelle creò la “Calunnia”. Se tu dicessi che la poesia è più durevole, allora dirò che le opere di un calderaio sono più durevoli e che il tempo le preserva più delle tue o delle nostre opere, e tuttavia in esse non c'è molta fantasia; e la pittura, se dipinta su rame con smalto, può essere resa molto più durevole. Per quanto riguarda l’arte possiamo essere definiti nipoti di Dio. Se la poesia si estende alla filosofia morale, la pittura si estende alla filosofia naturale. Se il primo descrive l'attività della coscienza, il secondo considera se la coscienza si manifesta nei movimenti. Se il primo spaventa le persone con invenzioni infernali, il secondo in realtà fa la stessa cosa con le stesse cose. Cerchi il poeta di paragonarsi nella rappresentazione della bellezza, della ferocia o delle cose vili e rozze, mostruose con il pittore, trasformi le forme a modo suo, come vuole, ma il pittore darà maggiore soddisfazione. Non si è visto che i dipinti somigliavano così tanto all'oggetto raffigurato da ingannare sia le persone che gli animali? Se tu, poeta, sai raccontare e descrivere i fenomeni delle forme, allora il pittore lo farà in modo tale che sembrino prendere vita grazie al chiaroscuro, creatore di espressioni sui volti inaccessibili alla tua penna dove è accessibile al pennello.

La pittura ti presenta in un istante la sua essenza nella facoltà della visione nello stesso modo in cui si ricevono le impressioni. oggetti naturali , e, inoltre, nel momento stesso in cui si forma l'armonica proporzionalità delle parti che compongono l'insieme, gradita ai sensi; e la poesia riferisce la stessa cosa, ma con un mezzo meno degno dell'occhio, e portando all'impressione le immagini degli oggetti nominati più confusamente e più lentamente dell'occhio, vero mediatore tra l'oggetto e l'impressione, comunicando direttamente con la verità più alta sulle vere superfici e figure di ciò che gli appare davanti; danno origine anche alla proporzionalità, chiamata armonia, che diletta i sensi con dolce consonanza, così come la proporzionalità delle diverse voci piace al senso dell'udito; quest'ultimo è ancora meno degno dell'occhio, poiché ciò che da esso nasce appena muore già, e altrettanto rapidamente nella morte come nella nascita. Ciò non può accadere con il senso della vista, poiché se presenti all'occhio la bellezza umana, costituita dalla proporzionalità di belle membra, allora queste bellezze non sono così mortali e non decadono così rapidamente come la musica; anzi, questa bellezza dura a lungo e ti permette di esaminarla e di discuterla, e non rinascerà, come la musica in suono ripetuto, non ti annoierà, anzi, ti incanta ed è il perciò tutti i sensi, insieme all'occhio, vorrebbero possederlo, e sembra che vorrebbero fare a gara con l'occhio. Sembra che la bocca vorrebbe per sé stessa racchiuderla nel corpo; l'orecchio si compiace nel sentire parlare delle sue bellezze; il senso del tatto vorrebbe penetrarla con tutti i suoi pori; e anche il naso vorrebbe ricevere l'aria che ne spira continuamente. Ma il tempo distrugge in pochi anni la bellezza di tanta armonia, cosa che non avviene con la bellezza raffigurata dal pittore, poiché il tempo la conserva a lungo; e l'occhio, poiché questo è il suo compito, riceve un vero piacere da questa bellezza scritta, come se fosse bellezza vivente; ha eliminato il senso del tatto, che allo stesso tempo si considera un fratello maggiore, il quale, assolto il suo compito, non impedisce alla mente di discutere della bellezza divina. E in questo caso, il quadro che lo raffigura sostituisce in gran parte ciò che le sottigliezze del poeta non hanno potuto sostituire, che in questo caso vuole confrontarsi con il pittore, ma non si accorge che le sue parole, quando menziona le componenti di questa bellezza, sono separate l'uno dall'altro dal tempo, ponendo tra loro l'oblio e separando proporzioni che non può nominare se non con grande lunghezza; e, non potendo nominarli, non può sommare da essi l'armoniosa proporzionalità che è costituita dalle proporzioni divine. E quindi, la simultaneità in cui si chiude la contemplazione della bellezza pittorica non può produrre la bellezza descritta, e pecca contro natura chi volesse mettere davanti all'orecchio ciò che dovrebbe essere posto davanti all'occhio. In questi casi prenda il sopravvento la musica e non introduca la scienza della pittura, vera raffiguratrice delle figure naturali di tutte le cose.

Che cosa ti spinge, o uomo, a lasciare la tua dimora cittadina, a lasciare i tuoi parenti e amici, e ad andare nei campi attraverso montagne e valli, se non la bellezza naturale del mondo, della quale, se giudichi bene, godi solo attraverso il senso della vista? E se il poeta anche in questo caso vuole definirsi pittore, allora perché non prendere questi brani dalle descrizioni dei poeti e restare a casa, senza sperimentare il caldo eccessivo del sole? Non sarebbe per te più benefico e meno faticoso, poiché rimarresti fresco, senza movimento e senza minaccia di malattie? Ma l'anima non poteva godere delle benedizioni degli occhi, delle finestre del suo monastero, non poteva ricevere immagini di luoghi gioiosi, non poteva vedere valli ombrose tagliate dal gioco di fiumi serpentini, non poteva vedere vari fiori che armoniosamente colpiscono l'occhio con i loro colori, e anche tutto ciò che può apparire solo davanti agli occhi. Ma se il pittore, nei tempi freddi e rigidi dell'inverno, ti mette davanti gli stessi paesaggi dipinti e altri di cui hai goduto, non lontano da qualche fonte, se tu, amante, puoi ancora vederti con la persona amata su un prato fiorito , sotto la dolce ombra degli alberi verdi, allora non proveresti altro piacere che ascoltare la descrizione del poeta di questo incidente? Qui il poeta risponde e si ritira davanti agli argomenti sopra espressi, ma dice che è superiore al pittore, poiché fa parlare e ragionare con varie invenzioni, e inventa cose che non esistono; e che avrebbe indotto gli uomini a prendere le armi; e che descriverà il cielo, le stelle, e la natura, e le arti, e ogni cosa in generale. Al che segue la risposta che nessuna delle cose di cui parla è oggetto dei suoi studi, ma che se vorrà parlare e orare, dovrà assicurarsi che in questo venga vinto dall'oratore; e se parla di astrologia, allora l'ha rubata all'astrologo, e se di filosofia, allora al filosofo, e che in realtà la poesia non ha un dipartimento proprio e non la merita più di un piccolo mercante, un collezionista di beni realizzati da vari artigiani. Ma la divinità della scienza pittorica considera le opere umane e divine, in quanto sono limitate dalle loro superfici, cioè dalle linee di confine dei corpi; con essi indica allo scultore la perfezione delle sue statue. Esso, con la sua base, cioè il disegno, insegna all'architetto ad agire in modo che il suo edificio sia gradevole alla vista, insegna anche agli inventori di vari vasi, insegna anche agli orafi, ai tessitori, ai ricamatori; ha inventato le lettere con cui si esprimono le varie lingue, ha dato i carati agli aritmetici, ha insegnato la geometria a rappresentare, insegna ai prospettivisti e agli astrologi, nonché ai costruttori di macchine e agli ingegneri.

Il poeta dice che la sua scienza è finzione e misura; ma che questo è solo il corpo della poesia: l'invenzione del contenuto e della misura in versi; e solo allora si veste di tutte le scienze. Il pittore a ciò risponde dicendo che ha gli stessi obblighi nella scienza della pittura, cioè invenzione e misura; l'invenzione del contenuto che deve rappresentare e la misura negli oggetti scritti in modo che non siano sproporzionati; ma che non si veste di queste tre scienze - al contrario, altre si vestono largamente di pittura, come l'astrologia, che non fa nulla senza la prospettiva, essendo quest'ultima la componente principale della pittura; ed è proprio l'astrologia matematica, non sto parlando di falsa astrologia speculativa – mi scusi chi la vive da sciocchi. Il poeta dice che descrive un oggetto, che è un altro, pieno di belle massime. Il pittore dice che è libero di fare lo stesso e che in questo è anche poeta. E se il poeta dice di incitare all’amore, la cosa più importante per tutti gli esseri viventi, allora il pittore ha il potere di fare lo stesso, tanto più in quanto mette in scena la propria immagine dell’oggetto amato. davanti all'amante, il quale, baciandolo e rivolgendosi a lui con la parola, fa spesso ciò che non farebbe con le stesse bellezze poste davanti a lui dallo scrittore; stupisce ancora di più la mente delle persone perché le fa amare e innamorare di un'immagine che non raffigura affatto nessuna donna vivente. Una volta mi capitò di dipingere io stesso un quadro che rappresentava qualcosa di divino; Fu comprata da qualcuno che era innamorato di lei e volle privarla del suo aspetto divino per poterla baciare senza timore. Alla fine la coscienza vinse sui sospiri e sulla voluttà, ma dovette portare via il dipinto da casa sua. Quindi vai avanti, poeta, descrivi la bellezza senza raffigurare un oggetto vivente e usala per motivare le persone a tali desideri. Se dici: ti descriverò l'inferno o il paradiso e altri piaceri o orrori, allora il pittore ti supererà, poiché ti metterà davanti cose che parleranno silenziosamente di tali piaceri o ti spaventeranno e incoraggeranno la tua anima a fuggire; la pittura muove i sensi più della poesia. E se dici che con le tue parole farai piangere o ridere, allora ti dirò che non sei tu a muoverli, ma chi parla, e questa scienza non è poesia. Un pittore porterà alla risata, ma non al pianto, perché il pianto è uno stato più forte della risata. Un pittore ha dipinto un quadro e chiunque lo guardasse immediatamente sbadigliava, e questo stato si ripeteva continuamente mentre gli occhi erano diretti verso l'immagine, che raffigurava anche uno sbadiglio. Altri dipingevano pose lussuriosi e così voluttuose da incoraggiare i loro spettatori allo stesso divertimento, cosa che la poesia non fa. E se descrivi l'immagine di alcune divinità, allora questa descrizione non sarà venerata come la divinità scritta, perché i voti e tutti i tipi di preghiere saranno costantemente portati a un'immagine del genere, diverse generazioni da molti paesi e dall'altra parte dei mari orientali si raduneranno e chiederanno aiuto a un'immagine del genere e non alle Scritture.

Quando, nel giorno del compleanno del re Matteo, il poeta gli regalò un'opera che lodava il giorno in cui questo re nacque per il bene del mondo, e il pittore gli regalò un ritratto della sua amata, il re chiuse immediatamente il libro del poeta, si rivolse al quadro e vi fissò lo sguardo con grande ammirazione. Allora il poeta, con grande indignazione, disse: "O re, leggi, leggi e sentirai che questo è un argomento più significativo di un film muto".

Allora il re, sentendo che lo rimproveravano di guardare oggetti muti, disse: “O poeta, stai zitto, non sai quello che dici; questa immagine ha un senso migliore della tua, che è destinata ai ciechi. Dammi qualcosa che io possa vedere e toccare, e non solo ascoltare, e non incolpare la mia scelta per il fatto di mettere la tua opera sotto il gomito, e di tenere l'opera del pittore con entrambe le mani, fissando su di essa gli occhi; dopotutto, le mani stesse iniziarono a servire un sentimento più degno dell'udito. Credo che tra la scienza del pittore e la scienza del poeta debba esistere lo stesso rapporto che esiste tra i sentimenti corrispondenti, gli oggetti di cui sono costituiti. Non sai che la nostra anima è costituita da armonia, e l'armonia nasce solo in quei momenti in cui la proporzionalità degli oggetti diventa visibile o udibile? Non vedi che nella tua scienza non c'è proporzionalità creata in un istante; anzi, da un'altra nascerà successivamente una parte, e la successiva non nascerà se la precedente non muore? Pertanto ritengo che la tua invenzione sia sensibilmente inferiore a quella del pittore, e solo perché non consiste nella proporzionalità armonica. Non piace all'anima dell'ascoltatore o dello spettatore, così come la proporzionalità delle parti più belle che compongono le bellezze divine del volto che ho davanti. Essi, raccolti tutti insieme nello stesso tempo, mi danno tale piacere con le loro proporzioni divine, che non vi è, credo, altra cosa creata dall'uomo sulla terra che possa dare maggior piacere. Non esiste giudizio così insensato che, quando viene chiesto di scegliere tra l’oscurità eterna o la perdita dell’udito, non si preferisca immediatamente perdere l’udito insieme all’olfatto piuttosto che rimanere ciechi. Dopotutto, chi perde la vista perde la bellezza del mondo con tutte le forme delle cose create, e il sordo perde solo il suono creato dal movimento dell'aria commossa, cosa insignificante al mondo. A te, che dici che la scienza è tanto più nobile quanto più degno è l'oggetto a cui si applica, e che quindi vale più una falsa immagine dell'essenza della divinità che l'immagine di un oggetto meno degno, diremo questo : la pittura, che sola si estende alle creazioni di Dio, è più degna della poesia, che si estende solo alle false invenzioni delle creazioni umane."

Dopo che saremo giunti alla conclusione che la poesia è eminentemente intelligibile ai ciechi, e la pittura altrettanto ai sordi, diremo: la pittura è tanto più preziosa della poesia quanto la pittura serve a un sentimento migliore e più nobile della poesia; è stato dimostrato che questa nobiltà è tre volte maggiore della nobiltà degli altri tre sensi, poiché si è preferito perdere l'udito, l'olfatto e il tatto piuttosto che il senso della vista. Dopotutto, qualcuno che ha perso la vista perde la vista e la bellezza dell'universo e diventa come qualcuno rinchiuso vivo in una tomba, dove ha movimento e vita. Non vedi che l'occhio abbraccia la bellezza del mondo intero? È il capo dell'astrologia; crea una cosmografia, consiglia e corregge tutte le arti umane, muove l'uomo in varie parti del mondo; è il sovrano delle scienze matematiche, le sue scienze sono le più affidabili; misurò l'altezza e la grandezza delle stelle, trovò gli elementi e la loro posizione. Ha permesso di predire il futuro attraverso il movimento degli astri, ha dato vita all'architettura e alla prospettiva, ha dato vita alla pittura divina. O eccelso, tu sei al di sopra di tutte le altre cose create da Dio! Che tipo di lode dovrebbe essere affinché possa esprimere la tua nobiltà? Quali popoli, quali lingue potrebbero descrivere appieno le tue vere attività?

Egli è la finestra del corpo umano, attraverso di lui l'anima contempla la bellezza del mondo e ne gode, attraverso di lui l'anima esulta nella prigione umana, senza di lui questa prigione umana è tortura. Con il suo aiuto l'ingegno umano ha trovato il fuoco grazie al quale l'occhio riacquista ciò che l'oscurità gli aveva precedentemente tolto. Adornò la natura con agricoltura e giardini pieni di delizia.

Ma che bisogno ho io di dilungarmi in discorsi così alti e lunghi? C'è forse qualcosa che non sia stato fatto da lui? Muove gli uomini da est a ovest, ha inventato la navigazione e supera la natura in quanto le semplici cose naturali sono finite, e le opere eseguite dalle mani al comando dell'occhio sono infinite, come dimostra il pittore inventando le infinite forme degli animali e delle erbe , alberi e aree.

Riguardo alla raffigurazione degli oggetti corporei, tra il pittore e il poeta c'è la stessa differenza che esiste tra i corpi smembrati e quelli interi, poiché il poeta, quando descrive la bellezza o la bruttezza di un corpo, te lo mostra in parti e in momenti diversi, e il pittore te lo fa vedere tutto nello stesso momento. Il poeta non può immaginare a parole la vera figura delle membra del corpo che formano l'insieme, ma il pittore te le presenta con quella verità che solo la natura è possibile. Ad un poeta accade la stessa cosa che ad un musicista che canta da solo una canzone scritta per quattro cantanti, prima al soprano, poi al tenore, poi al contralto, infine al basso; di conseguenza, non otterrai il fascino della proporzionalità armonica contenuta nei ritmi armonici. Il poeta fa come un bel volto che si mostra per parti: così facendo, non ti lascerà mai soddisfatto della sua bellezza, che consiste solo nella divina proporzionalità delle suddette membra, sommate tra loro, che solo in un solo tempo si sommano a questa divina armonia di combinazioni parti che spesso tolgono a chi le vede la libertà di prima. La musica crea ancora nel suo ritmo armonico dolci melodie composte dalle sue varie voci; nel poeta sono privati ​​del loro ordine armonico, e sebbene la poesia ascenda attraverso il senso dell'udito alla sede del giudizio allo stesso modo della musica, il poeta tuttavia non può descrivere l'armonia della musica, poiché non ha il potere di dire cose diverse allo stesso tempo; mentre la proporzionalità armonica della pittura si forma in un solo tempo da varie parti, e si giudica contemporaneamente il loro fascino, sia in generale che in particolare; in generale - poiché intendiamo un tutto piegato, in particolare - poiché ci sono componenti da cui è composto questo tutto; e quindi il poeta rimane molto indietro rispetto al pittore rispetto alla rappresentazione degli oggetti corporei e rispetto al musicista rispetto alla rappresentazione delle cose invisibili. Se il poeta prende in prestito l'aiuto di altre scienze, allora può apparire alle fiere, come altri mercanti, venditori ambulanti di varie cose realizzate da molti inventori; e il poeta fa esattamente questo, prendendo a prestito da altre scienze, ad esempio dall'oratore, dal filosofo, dall'astrologo, dal cosmografo e simili, le cui scienze sono completamente separate dal poeta. Si scopre quindi che è un mediatore, che riunisce varie persone per concludere un accordo commerciale, e se si volesse scoprire l'occupazione stessa del poeta, si scoprirebbe che non è altro che un collezionista di cose rubate a varie scienze, da il che fa una storia falsa, o, se si vuole dire più onorevolmente, una mistura inventata. E in tale libertà d'invenzione il poeta si identifica con il pittore, e questa è proprio la parte più debole della pittura.

La musica non può dirsi altro che sorella della pittura, poiché è oggetto dell'udito, secondo senso dopo l'occhio, e crea armonia per la combinazione delle sue parti proporzionali, create allo stesso tempo e costrette a nascere e morire in uno o più ritmi armonici; questi ritmi abbracciano la proporzionalità delle singole membra da cui si compone questa armonia, così come il contorno generale abbraccia le singole membra da cui si genera la bellezza umana. Ma la pittura supera la musica e la domina, perché non muore subito dopo la sua nascita, come la musica sfortunata; al contrario, rimane nell'essere, e ciò che in realtà è solo superficie ti si mostra come vivente. O scienza straordinaria, tu conservi in ​​vita le bellezze mortali dei mortali, rendendole più durevoli delle creazioni della natura, che vengono costantemente modificate dal tempo, che le porta all'inevitabile vecchiaia. E tra questa scienza e la natura divina c'è lo stesso rapporto che tra le sue creazioni e le creazioni della natura, e per questo è venerata.

Sebbene gli oggetti opposti all'occhio si tocchino e si allontanino a poco a poco, tuttavia darò la mia regola delle distanze da 20 a 20 cubiti, come fece il musico rispetto ai suoni; quantunque siano uniti e congiunti insieme, tuttavia usa alcuni gradi da suono a suono, chiamandoli prima, seconda, terza, quarta, e quinta, e così di grado in grado ha stabilito nomi per la varietà degli aumenti e delle diminuzioni del suono. Se tu, o musicista, dici che la pittura è meccanica, poiché è eseguita dall'azione, allora la musica viene eseguita dalla bocca, organo umano, ma non attraverso il senso del gusto, così come la mano del pittore non lo fa attraverso il senso del gusto. tocco. Meno degne, inoltre, sono le parole rispetto ai fatti; Ma tu, scriba delle scienze, non copi con la mano, scrivendo ciò che hai in mente, proprio come fa un pittore? E se tu hai detto che la musica è proporzione, allora è con questa che ho tracciato la pittura, come vedrai.

Ritratto di Ginevra de Bengui, 1474–1476

La musica ha due malattie, una delle quali porta alla morte e l'altra alla decrepitezza; portare alla morte è sempre connesso con il momento successivo a quello della sua nascita, portare alla decrepitezza lo rende odioso e patetico nelle sue ripetizioni.

Tra pittura e scultura non trovo altra differenza che questa: lo scultore produce le sue creazioni con maggiore lavoro corporeo del pittore, e il pittore produce la sua creazione con maggiore lavoro mentale. È dimostrato che così è, perché lo scultore, lavorando alla sua opera, deve distruggere con la forza delle mani e dei colpi il marmo o altra pietra eccedente che sporga all'esterno della figura che in essa è racchiusa, per mezzo del azioni più meccaniche, spesso accompagnate da gran sudore, mescolato a polvere e trasformato in fango, con il volto coperto di questa pasta, e dappertutto, come di farina, cosparso di polvere di marmo, lo scultore sembra essere un fornaio; ed è tutto coperto di piccoli frammenti, come se fosse coperto di neve; e l'abitazione è sporca e piena di frammenti di pietra e polvere. Con il pittore accade esattamente il contrario: stiamo parlando su pittori e scultori eccezionali - dopotutto, il pittore si siede con grande conforto davanti alla sua opera, ben vestito, e muove il pennello più leggero con colori incantevoli, ed è vestito con abiti come gli piace. E la sua casa è piena di quadri incantevoli e pulitissimi. E spesso è accompagnato da musici o da recitatori di opere varie e belle, che si ascoltano con molto piacere, senza essere disturbati da colpi di martelli o altro rumore. Inoltre lo scultore, una volta completata la sua opera, dovrà realizzare molti contorni per ogni figura rotonda, in modo che la figura risultante risulti affascinante sotto tutti i punti di vista. Ma questi contorni si possono fare solo osservando le parti convesse e convesse, cosa che non si può fare correttamente se non ci si sposta di lato in modo che se ne veda il profilo, cioè in modo che i confini delle parti concave e convesse si vedano confinanti l'aria che viene a contatto con loro. In realtà ciò non aumenta la fatica dell'artista, considerando che egli, come il pittore, ha una vera conoscenza di tutti i contorni delle cose visibili in ogni momento, conoscenza che sia per il pittore che per lo scultore è sempre alla sua portata. Ma poiché lo scultore deve togliere dove vuole che facciano gli spazi tra i muscoli, e lasciare dove vuole che questi muscoli siano convessi, non può dare loro la figura richiesta - oltre al fatto che ha dato loro lunghezza e larghezza - a meno che non non si abbassa, non si piega o non si alza in modo tale da vedere la vera altezza dei muscoli e la vera profondità dei loro spazi; lo scultore li giudica da questo luogo, e in questo modo ne correggono i contorni; altrimenti non riuscirà mai a stabilire correttamente i confini o le vere figure delle sue sculture. E dicono che questo è il lavoro mentale dello scultore, ma in realtà qui non c'è altro che lavoro corporeo, poiché quanto alla mente, o - dirò - giudizio, dovrebbe solo correggere di profilo i contorni delle membra di il corpo dove i muscoli sono troppo alti. Di solito è così che uno scultore completa le sue opere; questa usanza è guidata da una vera conoscenza di tutti i confini delle figure del corpo in ogni momento. Lo scultore dice che se toglie il superfluo non può aggiungere, come un pittore. La risposta è: se la sua arte è perfetta, deve, mediante la conoscenza delle misure, togliere quanto è sufficiente e non superfluo; Le riprese [errate] sono generate dalla sua ignoranza, che lo costringe a filmare più o meno di quanto dovrebbe. Ma non parlo di loro, perché non sono maestri, ma distruttori del marmo. I maestri non si fidano del giudizio dell'occhio, poiché inganna sempre, come è stato dimostrato: chi vuole dividere una linea in due parti uguali, guidato dal giudizio dell'occhio, spesso si lascia ingannare dall'esperienza. Per questo timore i buoni giudici stanno sempre in guardia, cosa che non accade agli ignoranti, e perciò vanno continuamente avanti, guidati dalla conoscenza delle misure di ciascuna lunghezza, spessore e larghezza delle membra, e così facendo, non rimuovono più del dovuto. Il pittore ha dieci diverse considerazioni con cui porta a compimento la sua opera, vale a dire: luce, oscurità, colore, corpo, figura, luogo, distanza, prossimità, movimento e riposo. Lo scultore dovrebbe discutere solo di corpo, figura, luogo, movimento e riposo. Non si preoccupa dell'oscurità e della luce, poiché la natura stessa le genera nelle sue sculture; riguardo al colore: niente; si preoccupa solo a metà della distanza e della prossimità, cioè usa solo la prospettiva lineare, ma non la prospettiva dei colori, che cambiano a diverse distanze dall'occhio nel colore e nella distinzione dei loro confini e delle loro figure. La scultura, quindi, richiede meno ragionamento e, di conseguenza, richiede meno lavoro per la mente rispetto alla pittura.

Poiché non ero meno impegnato nella scultura che nella pittura, e ho lavorato in entrambe allo stesso modo, mi sembra che, senza suscitare particolari rimproveri, potrei esprimere un'opinione su quale di loro è caratterizzata da maggiore forza mentale, difficoltà e perfezione.

In primo luogo, la scultura richiede una certa illuminazione, cioè un'illuminazione dall'alto, mentre la pittura porta con sé sia ​​la luce che l'ombra ovunque. L'illuminazione e l'ombra sono quindi molto importanti per la scultura. Lo scultore in questo caso è aiutato dalla natura del rilievo che da sé li genera; e il pittore, servendosi della propria arte, li fa in quei luoghi dove la natura ragionevolmente li avrebbe fatti. Lo scultore è inaccessibile alla diversità della natura dei colori degli oggetti, ma la pittura non si sottrae a nulla. La prospettiva dello scultore non sembra affatto vera, e quella del pittore conduce cento miglia oltre il quadro, e la prospettiva aerea è ben lontana da ciò. Gli scultori non possono rappresentare corpi trasparenti, non possono rappresentare corpi luminosi, né raggi riflessi, né corpi lucenti, come specchi e simili cose lucide, né nubi, né tempo nuvoloso, né un numero infinito di cose che non nominerò per non nominarle. diventare noioso. L'unica caratteristica della scultura è che è più resistente al tempo, anche se la pittura realizzata su rame spesso, ricoperto di smalto bianco e dipinta sopra con vernici a smalto, posta nel fuoco e bruciata, ha la stessa durabilità. Supera la scultura in termini di durata. Lo scultore può dire che dove ha commesso un errore non può correggerlo facilmente. Questo è un argomento debole quando si vuole dimostrare che l'incorreggibile stupidità rende il lavoro più degno. Ma dirò giustamente che è più difficile correggere la mente di un maestro che commette tali errori che correggere un'opera che ha rovinato.

Sappiamo molto bene che chi ha sufficiente pratica non commetterà tali errori; al contrario, procederà con buone regole, togliendo abbastanza tempo alla volta per svolgere bene il suo lavoro.

Similmente uno scultore, se lavora di creta o di cera, può togliere e aggiungere e, finito, facilmente la fonde in bronzo. Questa è l'ultima opera e la più duratura di tutte quelle che ha la scultura, perché ciò che è fatto solo di marmo è soggetto a distruzione, cosa che non avviene del bronzo.

Quindi la pittura fatta su rame, nella quale si può, come si è detto della pittura, togliere e mettere, è del tutto uguale alla scultura in bronzo: del resto, quando lavoravi con la cera, potevi togliere e mettere nello stesso modo. modo; Anche questo dipinto su rame con smalto è estremamente durevole, poiché la scultura in bronzo è durevole. E se il bronzo diventa nero e bruno, allora questa pittura è piena di colori vari e gradevoli e infinitamente variati, come sopra si è detto; Se qualcuno volesse parlare solo di pittura su tavola di legno, allora sarei d'accordo con questo in relazione alla scultura, e dirò questo: se la pittura è più bella, più fantastica e più ricca, allora la scultura è più durevole, perché ha nient'altro no La scultura, con poco sforzo, mostra ciò che in pittura sembra essere una cosa sorprendente: far sembrare tattili, in rilievo le cose immateriali - cose piatte, lontane - cose vicine! E infatti la pittura si orna di infiniti riflessi, di cui la scultura non si serve.

Il primo miracolo che appare nella pittura è che sembra staccarsi dal muro o da un altro piano e inganna i giudizi sottili per il fatto che tuttavia non si stacca dalla superficie del muro; a questo proposito, lo scultore esegue le sue opere in modo tale che appaiano esattamente quello che sono; ed è questa la ragione per cui il pittore ha bisogno di mantenere tale nitidezza nelle ombre affinché siano satelliti delle luci. Lo scultore non ha bisogno di tale scienza, poiché la natura aiuta le sue opere, come tutti gli altri oggetti corporei. Se la luce viene loro tolta, risulteranno essere dello stesso colore e se la luce viene restituita loro, saranno di colori diversi, cioè chiari o scuri. La seconda cosa che richiede molta riflessione da parte del pittore è che egli applichi con sottile cura le vere qualità e quantità delle ombre e delle luci. E la natura stessa li impone alle opere dello scultore. La terza è la prospettiva, la ricerca e l'invenzione più sottile fondata sullo studio della matematica, che, attraverso la forza delle linee, fa apparire lontano ciò che è vicino e grande ciò che è piccolo. E qui, in questo caso, la scultura è aiutata dalla natura, e agisce da sola, senza le invenzioni dello scultore.

Gorchakov Nikolaj Mikhailovich

BIOGRAFIA DEL PITTORE BERNA DA SIENA Se coloro che aspirano a raggiungere l'eccellenza in qualsiasi virtù non vedessero molto spesso reciso il filo della vita nei loro anni migliori, non c'è dubbio che molti talenti raggiungerebbero quello stadio per loro più desiderabile